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  • IMAGIN·ARTE
    Blog de Anna Couderc
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LÁN HUÁ. LA ORQUÍDEA CHINA. LA SENCILLEZ.

 Introducción al trazo delicado y vigoroso de la belleza de una flor.

Durante siglos, el aroma y la discreta elegancia de la orquídea china han sido considerados como un ideal capaz de estimular el desarrollo de la nobleza y la humildad de corazón en el ser humano. Estas plantas y sus delicadas flores son una referencia constante de veneración en los legendarios textos de literatura, en la poesía y en las artes más representativas de la cultura china. La simbología y los valores que se le otorgan se encuentran vinculados con las virtudes morales del confucionismo y los principios filosóficos del taoísmo.

A diferencia de las orquídeas cultivadas en viveros y macetas, las orquídeas silvestres de China crecen en zonas apartadas e inaccesibles de bosques y montañas. Escondidas entre las rocas, parecen buscar refugio para ocultarse discretamente en el paisaje. De manera reservada y silenciosa, la orquídea pone de manifiesto la grandeza de las cosas más pequeñas, que pueden fácilmente perderse de vista si sé apura el paso durante el camino.

La orquídea silvestre se caracteriza por su resistencia y autosuficiencia. Busca resguardo junto a los árboles o al abrigo de las piedras, vagamente ligada al apoyo y a la protección que estos le brindan. Es el ejemplo del carácter tenaz, capaz de crecer de manera independiente en lugares recónditos.

Al margen de todas las dificultades del entorno, sin excesos, logra con moderación encontrar su lugar en la naturaleza, para conservar el brilló, la gracia y el perfume, atributos que le han llevado a ser símbolo de exquisito refinamiento y ente-reza, honrada de forma muy especial por la cultura oriental.

Sus elegantes hojas, que se alzan con una presencia sosegada, muestran que delicadeza y fortaleza son virtudes afines. Discretas pero evidentes, parecen danzar al ritmo de un viento casi imperceptible. Con la luz de la primavera, se abren sus pequeñas flores. Ellas no esperan ser descubiertas ni admiradas para desplegar sutilmente su fragancia; representan a la vez modestia y humildad, valores que enaltecen la nobleza del espíritu.

Según cuentan las antiguas leyendas, la admiración de Confucio, maestro Kong, Por la orquídea china surgió al sorprenderse con algunas orquídeas que crecían de forma natural y casi inadvertida en medio del bosque.

En el ámbito espiritual, la orquídea silvestre representa la esencia íntegra y cíclica del ser, junto a la capacidad de crear y permanecer. En ella se desvela el júbilo que emana sin mayores pretensiones, simplemente ser y dejar ser. Un verdadero regalo y goce para el espíritu en medio de un mundo saturado por la inmediatez y la confusión. Una práctica de aproximación a la serenidad acompañada por el espíritu diáfano, noble y humilde de una de las flores más preciadas de Oriente.


 

TULIPANES AZULES

El significado de los tulipanes azules  

Los tulipanes azules son asociados a la paz y la tranquilidad. Cuando obsequiamos con un tulipán azul a una persona, el mensaje implica confianza y lealtad pero también se está transmitiendo un fuerte sentimiento de amor, siendo el mejor representante del amor perfecto. Si tienes una pareja a quien ames con mucha pasión, los tulipanes azules serán el mejor regalo, siendo ideales para regalar en aniversarios o días especiales para la pareja.

Aunque los tulipanes azules son los mensajeros del amor, es popularmente asociado el tulipán rojo a ser el transmisor de esta emoción, dado que su color normalmente se asocia a la pasión.

¿Cómo obtener tulipanes azules?

Es bueno aclarar que los tulipanes azules no son creados de forma natural, actualmente hay varios métodos para lograr obtener esta preciosa flor: por un lado se puede teñir tulipanes blancos, dándoles esta tonalidad tan hermosa. Otro método consiste en la creación de tulipanes híbridos partiendo de la gama de tulipanes violetas y lilas, obteniendo capullos azules.

 


 

EL LIRIO SALVAJE. LA FIDELIDAD.

Durante siglos, el aroma y la discreta elegancia de lirios azules se les atribuye un significado de confianza, ternura y fidelidad. Los antiguos faraones de Egipto los utilizaban para representar la salida y la puesta del Sol, razón por la que actualmente, guardan también el propósito de personificar el amor que perdura en el tiempo, la confianza de los amantes y la fuerza del cariño. Además, los lirios azules sirven también para dar a conocer buenas noticias.

Cuando regalamos lirios morados, estamos transmitiendo un deseo que escapa al control de la razón. “Me enloqueces” o “Te quiero seducir” son claros mensajes que se desprenden de estas flores tan hermosas como peculiares. En un ámbito más general, los lirios morados también encarnan el sentido de la justicia, la paz y el control. En las decoraciones de la Luna de Miel, son un elemento muy utilizado.

Cuando regalamos lirios morados, estamos transmitiendo un deseo que escapa al control de la razón. “Me enloqueces” o “Te quiero seducir” son claros mensajes que se desprenden de estas flores tan hermosas como peculiares. En un ámbito más general, los lirios morados también encarnan el sentido de la justicia, la paz y el control. En las decoraciones de la Luna de Miel, son un elemento muy utilizado.

El concepto de lirio, en la práctica, no se utiliza exclusivamente para identificar a distintas clases de plantas sino que también se asocia a un pez comestible que habita entre rocas y se caracteriza por tener cabeza grande pero estructura pequeña y a una localidad italiana perteneciente a la provincia de Pavía bautizada como Lirio. “Lirio entre espinas”, por otra parte, es el nombre de una obra teatral que, según algunas fuentes, desarrolló el dramaturgo español Gregorio Martínez Sierra y, de acuerdo a otras versiones, fue creada por su esposa, la escritora María Lejárraga.

De querer conocer o recordar las variedades de lirio que crecen en diversos rincones del mundo, entonces podremos descubrir al lirio araña que crece en sitios arenosos, cálidos y bien drenados de Guatemala y México, al lirio blanco (también denominado azucena), al lirio de agua (o cala), al lirio hediondo (planta similar al lirio pero con flores que despiden un feo aroma) y al lirio de los valles (nombre que recibe la planta conocida como muguete).

El lirio español propio de la Península Ibérica y el Mediterráneo Occidental, el lirio del Amazonas originario del norte peruano, el lirio amarillo propio de Eurasia, el lirio candelabro nativo de Sudáfrica, el lirio llorón con presencia en gran parte del continente europeo, el lirio valenciano o silvestre que se extiende de España hasta Rusia y el lirio francés o azul (también conocida como lirio de Puente Suazo, una planta ornamental que puede hallarse en pastizales y prados de la Península Ibérica) son otras de las muchas variedades de plantas con este nombre que es posible hallar en el mundo.

SIMBOLOGIA

Estas plantas y sus delicadas flores  lilas, azules o blancas crecen en los verdes prados del pirineo a alturas donde pacen las bacas pirenaicas a mas 1600 metros.

La simbología y los valores que se le otorgan se encuentran vinculados con las virtudes de la sencillez. Esta planta de hojas largas y coloridas se asocia al amor y a la vida en pareja, en el caso del blanco y del rojo más intenso, por lo que no solo suelen ser plantados para formar parte de un amplio jardín. Sino también para ser enviados en un ramo como presente a alguien querido. Ya sea amigo, familiar o pareja, induce a sentimientos bonitos que agradan a cualquiera.

Los lirios de tonalidades cálidas, como pueden ser los amarillos, naranjas y rojos, están asociados más a estados de ánimo relacionados con la alegría, lo enérgico y lo positivo. Si son muy intensos, se suelen asociar a la pasión y el deseo.

Los lirios silvestres silvestre se caracterizan por su resistencia y autosuficiencia. Busca resguardo junto a los árboles o al abrigo de las piedras, vagamente ligada al apoyo y a la protección que estos le brindan. Es el ejemplo del carácter tenaz, capaz de crecer de manera independiente en lugares recónditos o en grandes praderas. 

Al margen de todas las dificultades del entorno, sin excesos, logra con moderación encontrar su lugar en la naturaleza, para conservar el brilló, la gracia y el perfume, atributos que le han llevado a ser símbolo de exquisito refinamiento y colorido .

Sus elegantes hojas, que se alzan con una presencia sosegada, muestran que delicadeza y fortaleza son virtudes afines. Discretas pero evidentes, parecen danzar al ritmo de un viento casi imperceptible. Con la luz de la primavera, se abren sus pequeñas flores. Ellas no esperan ser descubiertas ni admiradas para desplegar sutilmente su fragancia; representan a la vez modestia y humildad, valores que enaltecen la nobleza del espíritu.  

Al igual que los lirios crecen y desprenden su esencia libremente en los bosques sin esperar que nadie las vea, las personas de corazón noble actúan según los buenos principios sin esperar reconocimiento alguno.

Sobrellevando las dificultades y apenas sustentadas por las superficies que les brindan apoyo, las orquídeas crecen de forma natural y espontánea en lugares donde otras plantas no llegan a florecer. De igual manera, quienes se disponen a seguir un camino de autodisciplina han de mantener perseverancia y fortaleza, independientemente de las circunstancias adversas que se les presenten en el transcurso.

En la pintura china, los trazos del lírio muestran la armonía del equilibrio entre fuerza y sutileza. Bajo su guía, en cada movimiento del pincel se despierta un compás interior de los sentidos en el que los pensamientos se disuelven y la soltura se manifiesta unida a lo inevitable, desplegando así los espacios de la naturalidad. Mente y corazón se integran al unísono, queda al descubierto la magnificencia de la naturaleza para acceder a la integridad de una enseñanza sutil y profunda.  

Conforme a los antiguos textos sobre los fundamentos de pintura china, pintar el lirio es como cantar los textos sagrados; sin duda representa un privilegio, pero también un compromiso. La armonía de las pinceladas y la sutil diversidad de sus tonos pueden llegar a vibrar en consonancia con el Todo, al compás del ritmo creativo del universo individual.  

En el ámbito espiritual, el lirio silvestre representa la esencia íntegra y cíclica del ser, junto a la capacidad de crear y permanecer. En ella se desvela el júbilo que emana sin mayores pretensiones, simplemente ser y dejar ser. Un verdadero regalo y goce para el espíritu en medio de un mundo saturado por la inmediatez y la confusión. Una práctica de aproximación a la serenidad acompañada por el espíritu diáfano, noble de la pincelada en azules.

De forma tradicional el color azul es normalmente asociado a la tranquilidad, el sueño y la calma. Cuando este color es trasladado al lenguaje de las flores, se dice que el azul representa la verdad.

Durante la época victoriana, cuando se inició la tendencia de regalar flores para transmitir mensajes, las flores azules eran comúnmente utilizadas como símbolo del Romanticismo, simbolizando el amor y el deseo.


 

EL VACÍO, ÉSE ESPACIO INAGOTABLE.

Al igual que el silencio alberga todas las voces del tiempo, el vacío guarda la energía de todas las formas. Encontrar el camino del origen es habitar el vacío, espacio de quietud en el cual descansa la mente y se expresa la esencia absoluta.  

Desde la visión oriental, intentar definir el vacío como si se tratara de un concepto puramente racional es igual que pretender encerrar el aire entre las manos, porque antes de mencionar o escribir la palabra ya existía el vacío. Mientras que, para la cultura occidental, la expresión de vacío se equipara a la nada, un simple adverbio de cantidad que cumple la función de expresar la ausencia de algo, lo cual en términos generales lleva una connotación implícita de carencia que puede abarcar diversos ámbitos, desde lo físico-material hasta lo social, psicológico y emocional.

                                                                                                   Rambla de Barcelona, 2020.

Reflexionar sobre esta percepción nihilista de Occidente, según la cual el vacío representa la carencia, puede ayudarnos a palpar el sentido oriental de vacío como ese espacio potencial de la existencia donde acontece la relevancia de lo necesario junto a la consciencia primigenia.  

                                                                           Álvaro Siza: Pabellon de arte en Saya Park

En nuestra sociedad occidental, la experiencia del vacío se relaciona con sentimientos de pérdida, desolación, aislamiento, penuria, discriminación…, que tienen su origen en el excesivo mérito que se otorga al materialismo, al individualismo, a la productividad y a la competitividad, valores que son considerados imprescindibles para disfrutar de una vida plena, como máximo objetivo de nuestra existencia en este mundo. La búsqueda de esa plenitud lleva al rechazo de cualquier tipo de vacío, cegándonos hasta el extremo de encontrarnos incapaces de reflexionar en que es precisamente en el vacío donde podemos alcanzar la plenitud. Solo las iglesias y pabellones son  meritorias de alguna plenitud de vacio que las hace espiruales y trascendentales; en canvio una nave vacia un espacio exaurido con restos del naufragio, (maquinas, botones,  cajones vacios desordenados) carece de glamour y evoca soledad y muerte del gremio.

                                                                                            Álvaro Siza: Pabellon de arte en Saya Park

Esa misma dimensión subjetiva de la soledad (sentirse vacio) como la exclusión de la relaciones sociales (aislamiento social) son circunstancias que afectan a numerosas personas adultas y, especialmente, a los mujeres mayores de 70 años. Prevenir e intervenir es clave para reducir su presencia y evitar las consecuencias negativas, que van más allá del ámbito psicológico teniendo también implicaciones sociales y de salud pública.  La depresión en tiempos de pandemia o sin ella es una lacra que debemos evitar con apoyo y comprensión.

 La cara más visible de la soledad es sentir que no se cuenta con personas a las que poder recurrir o confiar en caso de necesidad

El aislamiento de la red de amistad es mayor que en el caso de la red familiar. En otras palabras, la familia está más presente que las amistades y puede proteger más del riesgo de aislamiento social a lo largo de la vida.

Ese vacio vital , esos sentimientos de soledad como el riesgo de aislamiento social crecen con la edad y son más frecuentes  personas con menor nivel de estudios por lo que es preciso que la sociedad esté atenta a sus necesidades psicologicas, mentales y de ocio colectivo. Sólo ai el “vacio” se llena de experiencias y emociones.

 

A la contra, llegar a concebir el vacío como ese espacio donde reside el potencial y el verdadero acontecer de la existencia es adentrarnos en los senderos del taoísmo, es tener la disposición de percibir los momentos de vacío existencial como esos parajes naturales de la vida que lejos de producir incertidumbre, desasosiego o vértigo, nos brindan la oportunidad de experimentar instantes de una plenitud extraordinaria, de una claridad que, acompañada con el silencio absoluto, nos conduce al encuentro del origen y fuente de nuestras propias capacidades humanas. Por ello el arte puede ejercer una terapia de liberación y plenitud existencial.

En el arte, el vacío representa el espacio inagotable de la creación, el lugar donde existen todas las formas posibles, donde surge y se templa la energía de los opuestos. Al igual que la expresión de la vida, fuerza y delicadeza, intensidad y sutileza, luz y sombra…, han de encontrar su equilibrio en el vacío para dar forma a la esencia de lo inmaterial y desvelar en una misma realidad el ser interior de quien guía el pincel para expresarse en la tinta.  

En la práctica de la pintura, al igual que en la caligrafía, es fundamental tener conciencia del vacío como un principio de naturaleza dinámica-temporal en el cual se suceden las transformaciones de yin y yang. Desde el momento en que lo lleno (la tinta) entra en el vacío (el papel), se inicia ese diálogo alterno que a través de un movimiento espontáneo va siguiendo el impulso energético que lleva en sí mismo la esencia del artista.

Una vez que el diálogo entre el vacío y la plenitud encuentra su equilibrio en la superficie del papel, el Qi («aliento») se hará perceptible en esa expresión vital que invita a viajar a través de la simple contemplación.  

Como una chispa, la existencia se muestra en el vacío que sostiene los trazos que la habitan, dejando a un lado la necesidad de un análisis conceptual o estético de la creación. La naturalidad del espíritu explícito se asoma en la grandeza de la sencillez, los límites desaparecen para abrir paso a la percepción y a la resonancia en ese tejido imperceptible que nos une al universo.  

En el capítulo XI del Tao Te Ching se describe con ejemplos sencillos la importancia y la utilidad del vacío tal como lo propone la filosofía taoísta; los objetos dan la forma real y delimitada a la existencia, pero su razón de ser, su utilidad y su valía radican en lo inmaterial, en lo que no tiene forma ni límites precisos, en la no existencia: el vacío.

                                                                                                            Diseño, en Ipad. Incrusión en el vacio.


EL ARTE TERAPÉUTICO NOS EQUILIBRA II

Foto Anna Couderc

Buscamos comunicación y no sabemos como lograrlo.

 La enfermedad es un problema de comunicación. Las células llegan a desarrollar tumores por errores de comunicación: reescriben algo que no les ha sido ordenado. La mayor parte de disfunciones a partir de una bacteria y sus mutaciones, se pueden apreciar en una pareja, en un hospital, una empresa o un país, todos tienen que ver con la comunicación, veamos como todo edificio construido sobre la información y la comunicación, siempre tendrá grietas y humedades, y por lo tanto habrá que repararlas.

Acai apuesta por generar puentes emocionales.

Sin duda, la queja más generalizada en los alumnos de la universidad es la falta de comunicación con el trato de los docentes, y en cambio, en las facultades, las encuestan valoran que se comunican muy bien.

Como el mundo se ha vuelto hoy muy complejo, seria bueno que en los estudios universitarios incluyeran alguna asignatura que reflexionara sobre la comunicación no verbal, como ya se ofrece en los estudios de enfermería.

Así pues, las habilidades que deberían desarrollar profesores y médicos, deberían ser las necesarias para crear puentes emocionales: mirando a los ojos al alumno o al paciente, intentando actuar de una manera sincronizada, escuchándole… por ejemplo, está demostrado que un médico que interrumpe un paciente a los 10 segundos, y no es capaz de generar este puente emocional con el paciente, el proceso curativo es defectuoso, en cambio, los profesores más comunicativos consiguen mejores resultados de sus alumnos.

No hace falta tener un talento natural, aunque hay personas que nacen con esta habilidad.

En general, las mujeres tienen más habilidades comunicativas que los hombres. Sabemos que los niños que tienden a procesar la información por el lado izquierdo del cerebro (y sobretodo por sus lóbulos frontal y prefrontal) desarrollando de adultos más habilidades sociales y emocionales que les permiten conectar con los otros. Para los demás, y es lo que deseamos todos.

En Arterapia se ejercita la comunicación mediante recursos pictóricos y plásticos, para establecer conexiones emocionales; ocurre lo mismo con la disposición de la felicidad: en algunas personas es natural, pero también se puede aprender a ser feliz.

                                                                                                  Taller de creatividad Acai

Para aquellos que toleren peor la ansiedad, saben que tienen una asignatura pendiente.

Para concluir, Anna comenta: “hablamos mucho de cambio climático y de sostenibilidad ecológica, pero hoy el gran problema es la sostenibilidad personal.

En momentos de pandemia y de crisis económica, a muchas personas se les hace la vida insostenible, por eso, todos y cada uno de mis alumnos, a lo largo de su vida se tendrán que preocupar por su sostenibilidad, y por crecer de forma creativa para sostenerse. Esta es una nueva tarea que el arte debe afrontar”.


 

TEXTURAS Y TRAMAS ACAI

Trazo expresivo.

Convencida de que el dibujo es la base de toda expresión artística figurativa o abstracta, como es costumbre, os propongo algún ejercicio con sanguina que es más rojiza que el color sepia, también es posible utilizar uno o varios lápices de diferente dureza como el EB en barra o lápiz de grafito blando. Tenéis también carboncillo de sección redonda o cuadrada. Tómatelo como un ejercicio preparatorio para el cuadro final de color. De la preparación del lienzo ya hablaremos más adelante.

Quisiera dar valor al dibujo en como una obra en sí.

Como podéis observar los bosquejos con la mina de carbón duro obtenemos líneas delgadas que son ´útiles cuando queremos expresar ritmos ágiles y fugaces o reproducir detalles muy esmerados, también sirve de armazón o exoesqueleto para “construir” y dar forma a elementos más complejos, por ejemplo, un árbol, un bosque, una ciudad.

La expresión de la textura de las piedras como veréis a continuación pide la experimentación de texturas y efectos de sombreado, frotando la barra de cera, carboncillo o lápiz graso por encima de la superficie que queremos tratar.

“Sensibilizar el papel” es adentrarse en la experimentación y manipulación de esta superficie para explorar las posibilidades de las texturas visuales o reales (las que podemos tocar).

Texturas visuales: son aquellas que la técnica de frotar conseguimos visualizar dos dimensiones, la del papel y la de los trazos con barras. El resultado pasa por frotar con estas barras el papel sobre diversas superficies, por ejemplo, sobre el cemento, por encima de las vetas de la madera, sobre tierra o papel de lija, dejando espacio a vuestra imaginación. A esto lo vamos a llamar texturas orgánicas para diferenciarlo de las texturas mecánicas obtenida de la repetición y geometrización.

                                                                                                                    Andy Warhol

 

Texturas inorgánicas o geométricas: son aquellas que repiten patrones como por ejemplo una plancha troquelada con agujeritos, una malla de gallinero…y a jugar.

Un consejito, rotad vuestra plantilla para conseguir una “trama” más tupida.

Concepto de trama:

Con el propósito y desde un punto de vista artístico, la obtención de estas texturas a base de líneas yuxtapuestas obtenemos, bien sea con aspecto rústico o mecánico, un método para dar volumen, genera formas o superficies bidimensionales. Ejemplo de textura mecánica versus textura orgánica – dos escrituras a elegir, bic,bic,bic,bic,bic,bic-

Para los que conocen este anuncio será motivo de inspiración crear tramas con bolígrafo de cualquier color, creando incluso texturas tan finas como la de la piel.

Para reproducir el ritmo del agua o de las ramas resulta interesante frotar sobre hilos para conseguir una trama absolutamente orgánica, el efecto de la urdimbre y la trama de diversos textiles como el yute os serán muy útiles para hacer volúmenes.

Texturas obtenidas por la repetición de trazos circulares:

                                                                                              Creación en el Taller de Acai

Os invito a explorar el mundo de las texturas para adquirir una sensibilidad especial a la hora de no reproducir ni copiar sino resaltar con fuerza y contraste la “figura” o crear la profundidad de un fondo.

 


 

DIBUJO del NATURAL

                                                                                          Estudio Leonardo Da Vinci

Leonardo Da Vinci decía que tenemos que llegar a ser confidentes de la naturaleza, porque no es lo mismo mirar que ver, ni ver que sentir. De ahí que sus estudios a partir de la observación, del agua, las plantas y animales, nos resulten tan cercanos y su humilde presencia los haga trascender se convierten en metáfora de vida, de fluir, de adaptarse, de debilidad o de fuerza destructora.

El agua, es la metáfora que facilita la explicación del potencial de fuerza que se revela en la debilidad cuando se muestra capaz de vencer a lo más fuerte : la piedra, lo “estable”.

Veamos la visión TAOISTA:

“Nada hay en este mundo, mas blando y débil que el agua. Sin embargo, sólo ella puede moldear la roca mas dura y fuerte, eso es irremplazable….ineludible.”

Tao Te Ching LXXVIII

En palabras del pintor, calígrafo y poeta Su Dong Po: «Entrar en la dimensión espiritual es percibir plenamente la naturaleza para llegar al destino», eso… nos expone con claridad que, según la visión taoísta, la correspondencia entre el ser humano y la naturaleza representan la piedra angular para la espiritualidad, En esta espiritualidad han de fundamentarse la práctica. No hay otro camino que ser perseverante evitando lo superficial, tanto en la praxis como en el estudio.

Aquel que se inicia ha de desarrollar la capacidad de concentrarse plenamente, mantener la confianza y el esmero necesario para alentar su espíritu a surgir en armonía con la naturaleza a través de la contemplación. Ha de dejar a un lado cualquier prisa o deseo por llegar, solo así alcanzará la comprensión de que la práctica, en sí misma es el propósito y el destino.

 

La expresión a través de las artes se nos muestra como una manifestación de la experiencia espiritual. Alquimia en la que confluyen materia y espíritu, la naturaleza original alienta el mundo interior del artista, quien, lejos de pretender una reproducción de la realidad visual, deja al margen cualquier intención de producción, tradición académica o método aprendido, para entregarse al universo de la percepción sin intervención del juicio intelectual, donde se encontrará en la quietud de esa luz interior que le concede (le aporta) la capacidad de manifestarse y reconocerse en la profundidad de su propio espíritu.

Desde el sosiego de la mente, cuando el espacio interior se hace presente en el ser, la percepción interna se refleja de manera natural en el movimiento libre del pincel. La textura tangible converge con lo intangible en los trazos y manchas que impregnan el papel. Imposible de explicar con palabras, la experiencia se transmuta silenciosamente para trascender los límites personales, quedando siempre una parte sutil sin manifestarse plenamente, una parte que dejará su impronta en el acontecer espiritual del ser.

 

 

 

En el silencio que, sin oponerse a la palabra, sé mantiene presente, acontece la transformación de una realidad que surge en la intimidad del vínculo establecido entre la naturaleza, el ser humano y el arte. Alejado de los criterios meramente estéticos que decretan la belleza como potencial del arte-objeto, el espíritu subyace latente o manifiesto. En la ausencia de un lenguaje explícito, se evidencia la tras-misión de un sentimiento invisible y silente, a través del cual se abraza la insondable intensidad de la espiritualidad

Yo hablo de belleza silvestre cuando mis cuadros o dibujos se revelan rústicos. Y os aseguro que son bellos “por error”.

                                                                                                Tecnica mixta, Anna Couderc.

Los artistas somos muy contradictorios, yo siento el vacío, pero en mis cuadros son compactos. El conflicto entre el drama y la tragedia me impulsan a rasgar, gravar, adherir materiales, oxidar y lo uso a modo de catarsis porque mi dolor es silencioso.


 

LA NATURALEZA, NUESTRO MODELO II

 

Introducción al taller de movimiento y trazo.

La naturaleza representa el paradigma del pensamiento taoísta. Fuente y nutriente de vida, en ella se condensan los misterios que armonizan el orden y el caos del universo.

El espacio ilimitado del cielo junto a la extensión delimitada de la tierra conforman ese universo magnificente y virtuoso, creado de manera natural sin artificios, que busca su equilibrio a través de una constante transformación cíclica.

Según el pensamiento taoísta, la presencia del ser humano entre el cielo y la tierra debe su existencia a la condensación de las energías sutiles presentes en los cinco elementos, que, junto a las fuerzas omnipresentes del cosmos, se manifiestan en el cuerpo físico del ser como reflejo de la propia naturaleza que le da la vida y lo sustenta.

Auto suficiente y dinámica, la naturaleza se exterioriza con sus propias leyes independientes de la voluntad humana, desvelando en ellas el movimiento interno que lleva de la transformación a la creación. Como única artífice de la vida y de la muerte, sus ciclos claramente definidos influyen sobre todo aquello que la conforma, a fin de autorregularse para mantener el orden natural de una estructura primordial que se sostiene entre el espíritu y la materia.

Como parte integral de la naturaleza, el ser humano se encuentra excepcionalmente dotado de conciencia y voluntad, además de poseer la capacidad de transformar y crear a partir de sus deseos y necesidades. Esta capacidad humana conlleva un elevado nivel de responsabilidad para con el orden y la armonía natural, por lo que cualquier disgregación entre el ser humano y la naturaleza podría llevar al desequilibrio y ruptura de las leyes del propio universo.

En orden de evitar posibles acciones que pongan en riesgo la armonía natural del cosmos, según la filosofía taoísta, el ser humano ha de asumir la naturaleza como su modelo a seguir, para lo cual ha de esclarecer su entendimiento, desarrollar su intuición y elevar su conciencia, a fin de ampliar su receptividad para aprender a existir como parte integral activa de un conocimiento ancestral, cuyo origen se funde en el misterio de su propia vida y presencia.

El pensamiento filosófico taoísta, distante del pensamiento occidental, no pretende dar respuestas racionales a los fenómenos o enigmas de la naturaleza, para el taoísmo lo primordial es la Integración entre la naturaleza y el ser humano, como única posibilidad de mantenernos en armonía con el universo. Esta postura integrativa propone la observación sensible e intuitiva de todo nuestro entorno y de las influencias que este ejerce sobre nosotros, a partir de ello hemos de aprender a través de esa experiencia lo que la naturaleza nos enseña como maestra.

Al iniciar el aprendizaje del método en el arte del pincel y de la tinta, se comienza a sentir la necesidad de observar la naturaleza de manera diferente. Ver, mirar, no es suficiente, porque nos coloca en una posición externa como simples observadores de la superficie. Se hace necesaria la contemplación para darnos cuenta del lugar al cual pertenecemos y del cual formamos parte activa.

Al contemplar, las imágenes captadas en las pupilas no son procesadas por el razonamiento,quedando libres de cualquier análisis racional que impida encontrar un único eco en el corazón. Podríamos entenderlo como un aparente perderse para encontrarse consigo mismo en el reflejo de la naturaleza. Solo a través de la contemplación podemos llegar a ser conscientes de la esencia que se nos revela más allá de la mera forma exterior.

La contemplación implica un estado íntimo de serenidad, durante el cual la actividad mental disminuye para dejar una mayor dimensión a los sentidos y rescatarnos del pensamiento superfluo, de la actitud analítica, de la mirada insustancial… En la contemplación, la naturaleza se manifiesta intuitivamente a través de la mirada interior y se abre paso a la percepción. La realidad se nos revela como parte de nuestro propio ser, una revelación que nos llevará a comprender que, al igual que cualquier otra manifestación del universo, los seres humanos somos naturaleza, tanto en su diversidad como en su integridad. Y que podemos integrar cuerpo y mente para favorecer nuestro equilibrio y sostenibilidad y así CRECER.


 

ESPIRITUALIDAD. EL SILENCIO INTERIOR

Clase en Acai

Introducción al Taller de expresión personal.

En ACAI pensamos que la desconexión y el ruido interior provocan ansiedad. Por lo debemos alimentar la calma y el auto cocimiento.

En el descanso de la mente, cuando se despeja el bullicio que nos acontece y el silencio ocupa el lugar de las palabras, los deseos y los pensamientos se diluyen para abrir las puertas a esas regiones profundas de nuestro ser interior, donde habita la esencia inmaterial de la existencia y toma presencia la cualidad espiritual la pincelada o la mancha se expande.

Independientemente de cultos o creencias religiosas, la espiritualidad es una condición de trascendencia inherente al ser que nos lleva al encuentro del sentido de la vida y nos expande más allá de nuestra individualidad, para establecer en la breve intensidad de la experiencia una conexión íntima de plena consciencia con lo que nos rodea y nos define en el espíritu, núcleo incorpóreo que da origen a la espiritualidad.

Según el razonamiento occidental, la condición intangible del espíritu ha llevado a disgregarlo del cuerpo tangible, creando una dicotomía entre el espíritu relacionado con el ámbito místico religioso— y la materia —asignada al estudio de la ciencia—. Mientras que, según la concepción taoísta, el espíritu —con natural al ser humano— impregna la materia, de manera que, mientras la materia es inerte, ambos evolucionan juntos para constituir un todo indivisible cuerpo-espíritu, en el cual se concilian y articulan las facultades mentales, las condiciones físicas, el pensamiento racional, etc., con la intuición, la consciencia interior, la percepción sutil…Una vez que la materia llega a su fin, el espíritu retorna al origen, al reposo primordial, núcleo de las transformaciones.

En la escritura china, el carácter Shen (espíritu) hace referencia a la cualidad expansiva del principio de la vida, capaz de proyectarse hacia el exterior y manifestarse desde su integridad. Para los taoístas representa la esencia que permite al ser humano expresarse según su condición original física, mental, sensitiva y espiritual, vinculada igualmente con la energía heredada, los sistemas orgánicos, la experiencia emocional, los alimentos que lo nutren, el aire que lo sustenta y su interacción con la naturaleza.

El reconocimiento del Shen se encuentra en la vivencia íntima y singular del ser, relacionada con una percepción sensorial que lleva a la posterior reflexión y al conocimiento intuitivo, sin necesidad de que exista una participación directa del intelecto. Si bien las palabras y conceptos pueden ayudar en cualquier intento de explicar la manifestación espiritual, resulta complejo recurrir a un análisis puramente racional, ya que la elaboración conceptual podría transformarla en un hecho intelectual distante a la verdadera trascendencia que conlleva.

Las palabras del pintor, calígrafo y poeta Su Dong Po: «Entrar en la dimensión espiritual es percibir plenamente la naturaleza para llegar al destino», nos exponen con claridad que, según la visión taoísta, la correspondencia entre el ser humano y la naturaleza representa la piedra angular para la espiritualidad, en la cual se han de fundamentar sus prácticas. No hay otro camino que ser perseverante evitando lo superficial, tanto en la praxis como en el estudio. Aquel que se inicia ha de desarrollar la capacidad de concentrarse plenamente, mantener la confianza y el esmero necesario para alentar su espíritu a surgir en armonía con la naturaleza a través de la contemplación. Ha de dejar a un lado cualquier premura o deseo por llegar, solo así  alcanzará la comprensión de que la práctica en sí misma es el propósito y el destino.

La expresión a través de las artes se nos muestra como una manifestación de la experiencia espiritual. Alquimia en la que confluyen materia y espíritu, la naturaleza original alienta el mundo interior del artista, quien, lejos de pretender una reproducción de la realidad visual, deja al margen cualquier intención de producción, tradición académica o método aprendido, para entregarse al universo de la percepción sin intervención del juicio intelectual, donde se encontrará en la quietud de esa luz interior que le confiere la capacidad de manifestarse y reconocerse en la profundidad de su propio espíritu.

Desde el sosiego de la mente, cuando el espacio interior se hace presente en el ser,  la percepción interna se refleja de manera natural en el movimiento libre del pincel. La textura tangible converge con lo intangible en los trazos y manchas que 1 impregnan el papel. Imposible de explicar con palabras, la experiencia se transmuta silenciosamente para trascender los límites personales, quedando siempre una parte sutil sin manifestarse plenamente, una parte que dejará su impronta en el acontecer espiritual del ser.

En el silencio que, sin oponerse a la palabra, sé mantiene presente, acontece la transformación de una realidad que surge en la intimidad del vínculo establecido entre la naturaleza, el ser humano y el arte. Alejado de los criterios meramente estéticos que decretan la belleza como potencial del arte-objeto, el espíritu subyace latente o manifiesto. En la ausencia de un lenguaje explícito, se evidencia la tras-misión de un sentimiento invisible y silente, a través del cual se abraza la insondable intensidad de la espiritualidad.

 

LA NATURALEZA, NUESTRO MODELO I

Introducción al taller de movimiento y trazo.

La naturaleza representa el paradigma e inspiración para el arte. Fuente y nutriente de vida, en ella se condensan los misterios que armonizan el orden y el caos del universo.

El espacio ilimitado del cielo junto a la extensión delimitada de la tierra conforman ese universo magnificente y virtuoso, creado de manera natural sin artificios, que busca su equilibrio a través de una constante transformación cíclica.

Según el pensamiento taoísta, la presencia del ser humano entre el cielo y la tierra debe su existencia a la condensación de las energías sutiles presentes en los cinco elementos, que, junto a las fuerzas omnipresentes del cosmos, se manifiestan en el cuerpo físico del ser como reflejo de la propia naturaleza que le da la vida y lo sustenta.

Auto suficiente y dinámica, la naturaleza se exterioriza con sus propias leyes independientes de la voluntad humana, desvelando en ellas el movimiento interno que lleva de la transformación a la creación. Como única artífice de la vida y de la muerte, sus ciclos claramente definidos influyen sobre todo aquello que la conforma, a fin de autorregularse para mantener el orden natural de una estructura primordial que se sostiene entre el espíritu y la materia.

Como parte integral de la naturaleza, el ser humano se encuentra excepcionalmente dotado de conciencia y voluntad, además de poseer la capacidad de transformar y crear a partir de sus deseos y necesidades. Esta capacidad humana conlleva un elevado nivel de responsabilidad para con el orden y la armonía natural, por lo que cualquier disgregación entre el ser humano y la naturaleza podría llevar al desequilibrio y ruptura de las leyes del propio universo.

En orden de evitar posibles acciones que pongan en riesgo la armonía natural del cosmos, según la filosofía taoísta, el ser humano ha de asumir la naturaleza como su modelo a seguir, para lo cual ha de esclarecer su entendimiento, desarrollar su intuición y elevar su conciencia, a fin de ampliar su receptividad para aprender a existir como parte integral activa de un conocimiento ancestral, cuyo origen se funde en el misterio de su propia vida y presencia.

El pensamiento filosófico taoísta, distante del pensamiento occidental, no pretende dar respuestas racionales a los fenómenos o enigmas de la naturaleza, para el taoísmo lo primordial es la Integración entre la naturaleza y el ser humano, como única posibilidad de mantenernos en armonía con el universo. Esta postura integrativa propone la observación sensible e intuitiva de todo nuestro entorno y de las influencias que este ejerce sobre nosotros, a partir de ello hemos de aprender a través de esa experiencia lo que la naturaleza nos enseña como maestra.

Al iniciar el aprendizaje del método en el arte del pincel y de la tinta, se comienza a sentir la necesidad de observar la naturaleza de manera diferente. Ver, mirar, no es suficiente, porque nos coloca en una posición externa como simples observadores de la superficie. Se hace necesaria la contemplación para darnos cuenta del lugar al cual pertenecemos y del cual formamos parte activa.

Al contemplar, las imágenes captadas en las pupilas no son procesadas por el razonamiento, quedando libres de cualquier análisis racional que impida encontrar un único eco en el corazón. Podríamos entenderlo como un aparente perderse para encontrarse consigo mismo en el reflejo de la naturaleza. Solo a través de la   contemplación podemos llegar a ser conscientes de la esencia que se nos revela más allá de la mera forma exterior.

La contemplación implica un estado íntimo de serenidad, durante el cual la actividad mental disminuye para dejar una mayor dimensión a los sentidos y rescatarnos del pensamiento superfluo, de la actitud analítica, de la mirada insustancial… En la contemplación, la naturaleza se manifiesta intuitivamente a través de  la mirada interior y se abre paso a la percepción. La realidad se nos revela como parte de nuestro propio ser, una revelación que nos llevará a comprender que, al igual que cualquier otra manifestación del universo, los seres humanos somos naturaleza, tanto en su diversidad como en su integridad. Y que podemos integrar cuerpo y mente para favorecer nuestro equilibrio y sostenibilidad y así CRECER.


 

ESPIRITUALIDAD. EL SILENCIO INTERIOR.

Introducción al Taller de expresión personal II

En ACAI pensamos que la desconexión y el ruido interior provocan ansiedad. Por lo debemos alimentar la calma y el auto conocimiento.

En el descanso de la mente, cuando se despeja el bullicio que nos acontece y el silencio ocupa el lugar de las palabras, los deseos y los pensamientos se diluyen para abrir las puertas a esas regiones profundas de nuestro ser interior, donde habita la esencia inmaterial de la existencia y toma presencia la cualidad espiritual la pincelada o la mancha se expande.

Independientemente de cultos o creencias religiosas, la espiritualidad es una condición de trascendencia inherente al ser que nos lleva al encuentro del sentido de la vida y nos expande más allá de nuestra individualidad, para establecer en la breve intensidad de la experiencia una conexión íntima de plena consciencia con lo que nos rodea y nos define en el espíritu, núcleo incorpóreo que da origen a la espiritualidad.

Gil Quiot

 

Según el razonamiento occidental, la condición intangible del espíritu ha llevado a disgregarlo del cuerpo tangible, creando una dicotomía entre el espíritu relacionado con el ámbito místico religioso— y la materia —asignada al estudio de la ciencia—. Mientras que, según la concepción taoísta, el espíritu —con natural al ser humano— impregna la materia, de manera que, mientras la materia es inerte, ambos evolucionan juntos para constituir un todo indivisible cuerpo-espíritu, en el cual se concilian y articulan las facultades mentales, las condiciones físicas, el pensamiento racional, etc., con la intuición, la consciencia interior, la percepción sutil…Una vez que la materia llega a su fin, el espíritu retorna al origen, al reposo primordial, núcleo de las transformaciones.

En la escritura china, el carácter Shen (espíritu) hace referencia a la cualidad expansiva del principio de la vida, capaz de proyectarse hacia el exterior y manifestarse desde su integridad. Para los taoístas representa la esencia que permite al ser humano expresarse según su condición original física, mental, sensitiva y espiritual, vinculada igualmente con la energía heredada, los sistemas orgánicos, la experiencia emocional, los alimentos que lo nutren, el aire que lo sustenta y su interacción con la naturaleza.

El reconocimiento del Shen se encuentra en la vivencia íntima y singular del ser, relacionada con una percepción sensorial que lleva a la posterior reflexión y al conocimiento intuitivo, sin necesidad de que exista una participación directa del intelecto. Si bien las palabras y conceptos pueden ayudar en cualquier intento de explicar la manifestación espiritual, resulta complejo recurrir a un análisis puramente racional, ya que la elaboración conceptual podría transformarla en un hecho intelectual distante a la verdadera trascendencia que conlleva.

Las palabras del pintor, calígrafo y poeta Su Dong Po: «Entrar en la dimensión espiritual es percibir plenamente la naturaleza para llegar al destino», nos exponen con claridad que, según la visión taoísta, la correspondencia entre el ser humano y la naturaleza representa la piedra angular para la espiritualidad, en la cual se han de fundamentar sus prácticas. No hay otro camino que ser perseverante evitando lo superficial, tanto en la praxis como en el estudio. Aquel que se inicia ha de desarrollar la capacidad de concentrarse plenamente, mantener la confianza y el esmero necesario para alentar su espíritu a surgir en armonía con la naturaleza a través de la contemplación. Ha de dejar a un lado cualquier premura o deseo por llegar, solo así  alcanzará la comprensión de que la práctica en sí misma es el propósito y el destino.

La expresión a través de las artes se nos muestra como una manifestación de la experiencia espiritual. Alquimia en la que confluyen materia y espíritu, la naturaleza original alienta el mundo interior del artista, quien, lejos de pretender una reproducción de la realidad visual, deja al margen cualquier intención de producción, tradición académica o método aprendido, para entregarse al universo de la percepción sin intervención del juicio intelectual, donde se encontrará en la quietud de esa luz interior que le confiere la capacidad de manifestarse y reconocerse en la profundidad de su propio espíritu.

Gil Quiot

Desde el sosiego de la mente, cuando el espacio interior se hace presente en el ser,  la percepción interna se refleja de manera natural en el movimiento libre del pincel. La textura tangible converge con lo intangible en los trazos y manchas que 1 impregnan el papel. Imposible de explicar con palabras, la experiencia se transmuta silenciosamente para trascender los límites personales, quedando siempre una parte sutil sin manifestarse plenamente, una parte que dejará su impronta en el acontecer espiritual del ser.

En el silencio que, sin oponerse a la palabra, sé mantiene presente, acontece la transformación de una realidad que surge en la intimidad del vínculo establecido entre la naturaleza, el ser humano y el arte. Alejado de los criterios meramente estéticos que decretan la belleza como potencial del arte-objeto, el espíritu subyace latente o manifiesto. En la ausencia de un lenguaje explícito, se evidencia la transmisión de un sentimiento invisible y silencioso, a través del cual se abraza la insondable intensidad de la espiritualidad.

Insoportable levedad del ser


 

LA NATURALEZA, NUESTRO MODELO

Introducción al taller de movimiento y trazo.

La naturaleza representa el paradigma del pensamiento taoísta. Fuente y nutriente de vida, en ella se condensan los misterios que armonizan el orden y el caos del universo.

El espacio ilimitado del cielo junto a la extensión delimitada de la tierra conforman ese universo magnificente y virtuoso, creado de manera natural sin artificios, que busca su equilibrio a través de una constante transformación cíclica.

Según el pensamiento taoísta, la presencia del ser humano entre el cielo y la tierra debe su existencia a la condensación de las energías sutiles presentes en los cinco elementos, que, junto a las fuerzas omnipresentes del cosmos, se manifiestan en el cuerpo físico del ser como reflejo de la propia naturaleza que le da la vida y lo sustenta.

 

Auto suficiente y dinámica, la naturaleza se exterioriza con sus propias leyes independientes de la voluntad humana, desvelando en ellas el movimiento interno que lleva de la transformación a la creación. Como única artífice de la vida y de la muerte, sus ciclos claramente definidos influyen sobre todo aquello que la conforma, a fin de autorregularse para mantener el orden natural de una estructura primordial que se sostiene entre el espíritu y la materia.

Como parte integral de la naturaleza, el ser humano se encuentra excepcionalmente dotado de conciencia y voluntad, además de poseer la capacidad de transformar y crear a partir de sus deseos y necesidades. Esta capacidad humana conlleva un elevado nivel de responsabilidad para con el orden y la armonía natural, por lo que cualquier disgregación entre el ser humano y la naturaleza podría llevar al desequilibrio y ruptura de las leyes del propio universo.

 

En orden de evitar posibles acciones que pongan en riesgo la armonía natural del cosmos, según la filosofía taoísta, el ser humano ha de asumir la naturaleza como su modelo a seguir, para lo cual ha de esclarecer su entendimiento, desarrollar su intuición y elevar su conciencia, a fin de ampliar su receptividad para aprender a existir como parte integral activa de un conocimiento ancestral, cuyo origen se funde en el misterio de su propia vida y presencia.

El pensamiento filosófico taoísta, distante del pensamiento occidental, no pretende dar respuestas racionales a los fenómenos o enigmas de la naturaleza, para el taoísmo lo primordial es la Integración entre la naturaleza y el ser humano, como única posibilidad de mantenernos en armonía con el universo. Esta postura integrativa propone la observación sensible e intuitiva de todo nuestro entorno y de las influencias que este ejerce sobre nosotros, a partir de ello hemos de aprender a través de esa experiencia lo que la naturaleza nos enseña como maestra.

Al iniciar el aprendizaje del método en el arte del pincel y de la tinta, se comienza a sentir la necesidad de observar la naturaleza de manera diferente. Ver, mirar, no es suficiente, porque nos coloca en una posición externa como simples observadores de la superficie. Se hace necesaria la contemplación para darnos cuenta del lugar al cual pertenecemos y del cual formamos parte activa.

Al contemplar, las imágenes captadas en las pupilas no son procesadas por el razonamiento, quedando libres de cualquier análisis racional que impida encontrar un único eco en el corazón. Podríamos entenderlo como un aparente perderse para encontrarse consigo mismo en el reflejo de la naturaleza. Solo a través de la   contemplación podemos llegar a,ser conscientes de la esencia que se nos revela más allá de la mera forma exterior.

 

La contemplación implica un estado íntimo de serenidad, durante el cual la actividad mental disminuye para dejar una mayor dimensión a los sentidos y rescatarnos del pensamiento superfluo, de la actitud analítica, de la mirada insustancial… En la contemplación, la naturaleza se manifiesta intuitivamente a través de  la mirada interior y se abre paso a la percepción. La realidad se nos revela como parte de nuestro propio ser, una revelación que nos llevará a comprender que, al igual que cualquier otra manifestación del universo, los seres humanos somos naturaleza, tanto en su diversidad como en su integridad. Y que podemos integrar cuerpo y mente para favorecer nuestro equilibrio y sostenibilidad y así CRECER.

EL ARTE TERAPÉUTICO NOS EQUILIBRA I

CARTA A MIS LECTORES

El poder del afecto en las clases de pintura son la máquina que mueve la terapia del arte.

Anna Couderc, Dra. En Bellas Artes, reflexiona sobre la expresión y la comunicación a través de la pintura y el dibujo, con el reto de rozar la felicidad.

En la asignatura de expresión en segundo de Bellas Artes, su programa empieza con el estudio de los ojos y por el estudio no solo físico, sino también psicológico.

De hecho es uno de los temas que más engancha a los alumnos, y no es por casualidad, ya que el cerebro encuentra las emociones a través de ellos, no en vano está diseñado para reconocer rasgos faciales.

La abstracción de los rostros responde en parte a la necesidad de verificar lo que el otro nos dice, porque la cara es el principal escenario de las emociones, seguidas del tono de voz y del cuerpo en general.

Tu escuela de fotografía en Sabadell. Curso impartido por el Dr. Ricardo Guixà. fotógrafo profesional y profesor de fotografía en las universidades UB y la URLL desde hace 19 años. ¡Acai, 13 años creando contigo!

 

Cuando hacemos retratos, deberíamos preguntar a las mujeres que hace 3.000 eran cortejadas. Por eso las mujeres tienen muchas más facilidades de este tipo. Intuitivamente, con una primera mirada, saben leer en una cara el estado emocional de la persona, son muy sensibles a este tipo de indicadores.

Si bien las personas son capaces de ver las emociones en una cara, y de transmitirlas en un retrato buscando transmitir el carácter y el alma de retratado, es fácil reconocer cuando otra persona está enfadada.

Descubrir indicadores de rabia o de ira, y entonces emulando su expresión, se dispara fácilmente la agresividad. Creemos que es una de las causas de la crispación actual en las manifestaciones.

A veces, por efecto de lo que llamamos neuronas espejo, si uno cree que el otro está enfadado, al unísono pone cara de enfadado. En una pareja, por ejemplo, un simple silencio puede desencadenar una tormenta, porque uno cree que el otro está enfadado, y cualquier gesto que hace lo confirma, y en consecuencia, uno empieza a irritarse también y a modificar la cara, y todo acaba en una bronca, cuando inicialmente no ocurriría.

En estos momentos tan difíciles de pandemia, tenemos hambre de caras, es decir, somos incapaces de reconocer el estado emocional de la otra persona.

 

Sabemos que un bebé quiere ver la cara de su madre. Reclama unos ojos, una sonrisa… incluso los perros se acercan a olerte con ansia, y buscan en los ojos la información que precisan.

Sin embargo, actualmente podemos pasarnos gran parte del día en el trabajo, en los medios de transporte o en la calle, sin encontrarnos con unos ojos.

En Arterapia aflora y se establecen vínculos entre el alumno, sus compañeros, su entorno y sus emociones. Aunque sea en grupos burbuja, esto contribuye a la felicidad del grupo.

Al fin y al cabo el arte es un lenguaje que acaba de completar esa carencia comunicativa.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Uno de los grandes problemas comunicativos, argumenta Anna, es la soledad. Ahora mucha gente dice que se siente sola, y por otra parte, la mayoría de mujeres, están más interesadas por la comunicación que los hombres, se preocupan por saber como acercarse a aquel hombre que al principio sentían tan próximo.

Podemos hablar de una dieta comunicativa que, a través de Arterapia, puede incuso hacer llorar a los que participan, porque afloran muchos sentimientos en el marco adecuado.

Gran parte de la tradición filosófica occidental ha escondido los cuerpos, centrada en la mente, y la tradición religiosa habla de que el alma se salva pero el cuerpo se pudre, incluso las emociones se consideraban un producto del cuerpo, estaban mal vistas.

Utilizando una metáfora actual, los cuerpos han “salido del armario”, y han surgido calificaciones como trans, gay, no binario, etc. en los nuevos discursos de la sociedad. Parece que cuerpo y alma no se hayan encontrado todavía, tiene que haber un puente de ternura entre cuerpo y mente para solucionar muchos problemas de salud mental en la realidad que nos toca vivir.


 

CAJA DE PIGMENTOS

Este archivo se formó oficialmente en 2017 cuando Gustafson se mudó al noroeste del Pacífico, pero trabajar con el material es más que un pasatiempo o una búsqueda intelectual: es una vocación. Después de tener un sueño sobre el ocre, inicialmente lo descartó. Otras experiencias y ansiedades sobre el cambio climático la inspiraron a investigar exactamente qué era el ocre y para qué se usaba. “Me di cuenta de que el ocre y los pigmentos estaban en el corazón del arte y la experiencia estética”, le dice Gustafson a Colossal, y agrega que el mineral se ha relacionado con el procesamiento mental complejo en el homo sapiens moderno. “Proteger las vastas capacidades y el impacto de ocre en la creatividad humana me parece un mandato de la Tierra”, continuó Gustafson. “No se me ocurrió la idea de este proyecto, se me ocurrió y me sentí responsable de hacer todo lo posible para entender y escuchar esa llamada”.

Para acompañarnos en viajes de búsqueda de comida y para recibir actualizaciones sobre el archivo, siga a Heidi Gustafson en Instagram. Para comprar juegos de pigmentos y otros productos del proyecto o para contribuir con sus propias muestras, visite el sitio web de Early Futures.

 

 

 

  

 

El color pigmento: Cuando manejamos colores de forma habitual no utilizamos luces, sino tintas, lápices, rotuladores… en este caso lo que estamos hablando es del color pigmento. Cuando hablamos del color pigmento hablamos de síntesis sustractiva, es decir, de pigmentos que aplicamos sobre las superficies para sustraer a la luz blanca parte de su composición espectral. Todas las cosas (menos los medios transparentes) poseen unas moléculas llamadas pigmentos, que tienen la facultad de absorber determinadas ondas del espectro y reflejar otras.

Interacciones del color: Armonía y contraste
La propiedad más determinante del color tal vez sea su carácter relativo. Ningún color puede ser evaluado al margen de su entorno. En el libro “Interacción del color” Josef Albers afirma que “un mismo color permite innumerables lecturas”. Un mismo tono puede parecer diferente cuando se coloca sobre diferentes fondos, y diferentes colores pueden parecer casi el mismo cuando se asocian a distintos fondos. Como vemos en este ejemplo el mismo elemento y del mismo color contrastado con fondos de diferentes de color hace que parezcan que cambia su tono y su valor. Además de las diferencias de tono, los colores reciben influencias que se reflejan en su luminosidad y oscuridad, calidez y frialdad, brillo y sombra y según los colores que los rodeen. Según Albers, la única forma de ver un color es observarlo en relación con su entorno. Y a pesar de que existe una cantidad ingente de colores, el vocabulario usual cuenta con no más de treinta nombres para denominarlos. Existen dos formas básicas compositivas del color. Una de ellas es laarmoníay la otra elcontraste.
Armonizar:Significa coordinar los diferentes valores que el color adquiere en una composición, es decir, cuando en una composición todos los colores poseen una parte común al resto de los colores componentes.
Armónicas son las combinaciones en las que se utilizan modulaciones de un mismo tono, o también de diferentes tonos, pero que en su mezcla mantienen los unos parte de los mismos pigmentos de los restantes.
En todas las armonías cromáticas, se pueden observar tres colores: uno dominante, otro tónico y otro de mediación.
El tono dominante, que es el más neutro y de mayor extensión (su función es destacar los otros colores que conforman nuestra composición).
El color tónico, normalmente en la gama del complementario del dominante, es el más potente en color y valor.
El de mediación, que su función es actuar como conciliador y modo de transición de los anteriores y suele tener una situación en el círculo cromático próxima a la del color tónico.
La armonía más sencilla es aquella en la que se conjugan tonos de la misma gama o de una misma parte del círculo, aunque puede resultar un tanto carente de vivacidad.
Según diversas teorías la sensación de armonía o concordancia suscitada por una composición gráfica tiene su origen exclusivamente en las relaciones y en las proporciones de sus componentes cromáticos. Sería el resultado de yuxtaponer colores equidistantes en el círculo cromático o colores afines entre sí, o de tonos de la misma gama representados en gradaciones constantes, o del fuerte contraste entre tonos complementarios, o de los contrastes más suavizados entre un color saturado y otro no saturado y también de las relaciones entre las superficies que se asignen a cada valor tonal de nuestra composición.
Cuando se trabaja con colores y tipos es importante consolidar la armonía de los colores, una condición derivada de la elección de los tonos y de su orden sobre el campo visual. Los diseñadores que trabajan con un ordenador pueden mezclar pinturas para crear nuevos tonos seleccionando mezclas de las gamas de colores disponibles.
 
Tonos son todos los que aparecen en el círculo cromático que diseño Munsell más todos aquellos tonos que aparecen en la naturaleza.
La mezcla de colores consiste simplemente en hallar relaciones entre los tonos. Mezclar dos colores para dar un tercero, por ejemplo, crea un puente visual entre los dos primarios. Los terciarios son tonos nacidos de la mezcla, en ciertas proporciones, de los primarios. Colocar un color mezclado entre los dos colores de los que procede no sólo comporta una armoniosa distribución de los tonos, sino que crea una sorprendente ilusión de transparencia. Los dos tonos originales parecen dos hojas de acetato coloreado que se superponen para formar un tercer color.
La habilidad para hallar similitudes entre los tonos favorece en gran medida el proceso de selección del color, pues permite combinar con armonía y equilibrio todos los colores de un diseño. Contraste:Se produce cuando en una composición los colores no tienen nada en común. Existen diferentes tipos de contraste: 
Contraste de tono
 (cuando utilizamos diversos tonos cromáticos). 
Contraste de claro/oscuro
 (el punto extremo está representado por blanco y negro). 
Contraste de saturación
 (se produce por la modulación de un tono puro saturado con blanco, con negro, con gris, o con un color complementario). 
Contraste de cantidad
 (contraposición de lo grande y lo pequeño, de tal manera que ningún color tenga preponderancia sobre otro). 
Contraste simultáneo
 (se produce por la influencia que cada tono ejerce sobre los demás al yuxtaponerse a ellos en una composición gráfica).
Contraste entre complementarios
 (Para lograr algo más armónico conviene que uno de ellos sea un color puro, y el otro esté modulado con blanco o con negro. El tono puro debe ocupar una superficie muy limitada, pues la extensión de un color en una composición debe ser inversamente proporcional a su intensidad). 
Contraste entre tonos cálidos y fríos
. Por ejemplo, en un contraste de claro/oscuro: hay uno o varios colores más aproximado al blanco y uno o varios colores más aproximados al negro.
Escalas y gamas
Escalas cromática y acromática:
 Como ya dijimos anteriormente, se considera que el blanco, el negro y el gris son colores acromáticos, es decir, colores sin color. Pues bien, depende del punto de vista: psicológico o físico. Ya que psicológicamente si son colores puesto que originan en el observador determinadas sensaciones y reacciones. Sin embargo desde el punto de vista físico, la luz blanca no es un color, sino la suma de todos los colores en cuanto a pigmento, el blanco sería considerado un color primario, ya que no puede obtenerse a partir de ninguna mezcla. Por otra parte el negro, por el contrario, es la ausencia absoluta de la luz. Y en cuanto color sería considerado un secundario, ya que es posible obtenerlo a partir de la mezcla de otros. Las escalas pueden ser cromáticas o acromáticas: 1. En las escalas cromáticas: los valores del tono se obtienen mezclando los colores puros con el blanco o el negro, por lo que pueden perder fuerza cromática o luminosidad. 2. Una escala acromática: será siempre una escala de grises, una modulación continua del blanco al negro. La escala de grises se utiliza para establecer comparativamente tanto el valor de la luminosidad de los colores puros como el grado de claridad de las correspondientes gradaciones de este color puro. Por la comparación con la escala de grises (escala test), se pone de relieve las diferentes posiciones que alcanzan los diferentes colores puros en materia de luminosidad. Las gamas y sus tipos: Definimos como gamas a aquellas escalas formadas por gradaciones que realizan un paso regular de un color puro hacia el blanco o el negro, una serie contínua de colores cálidos o fríos y una sucesión de diversos colores.
Las escalas monocromas: son aquellas en las que interviene un solo color, y se forma con todas las variaciones de este color, bien añadiéndole blanco, negro o la mezcla de los dos (gris). Podemos distinguir entre:
o
Escala de saturación, cuando al blanco se le añade un cierto color hasta conseguir una saturación determinada.
o
Escala de luminosidad o del negro, cuando al color saturado se la añade sólo negro.
o
Escala de valor, cuando al tono saturado se le mezclan a la vez el blanco y el negro, es decir , el gris. 1. Las escalas cromáticas: podemos distinguir entre: 1. Escalas altas, cuando se utilizan las modulaciones del valor y de saturación que contienen mucho blanco. 2. Escalas medias, cuando se utilizan modulaciones que no se alejan mucho del tono puro saturado del color. 3. Escalas bajas, cuando se usan las modulaciones de valor y luminosidad que contienen mucho negro. Denominamos escalas policroma, a aquellas gamas de variaciones de dos o más colores, el mejor ejemplo de este tipo de escala sería el arco iris.
                                                                                                                                                                    CÍRCULO CROMÁTICO DE MUNSELL

Aprende a utilizar el círculo cromático para elegir correctamente los colores para pintar tu casa

La voz interior – Carta de un maestro

Rasgado blanco negro

LA VOZ INTERIOR

 

Algún día descubriréis entre los muchos placeres de la vida que el aislamiento, la huida y la evasión son esenciales.

Un paisajista no precisa ni debe perseguir la fiel representación de los elementos: el agua, el aire, las montañas o los árboles, si no su alma y consentimiento, por lo que hay que reflejarse para estar en comunión con la naturaleza.

Descubrir el espíritu de la naturaleza no es fácil, la observación nos permitirá penetrarla, seleccionarla, acogerla, a ser su confidente y a transmitirla con todo el corazón, esa es la tarea de la obra de arte.

Es la huida hacia el principio de la existencia en armonía con el cosmos lo que alimenta nuestro espíritu creador. Al fin y al cabo, cuando reconocemos que bajo el mar hay un bosque a la par que en la montaña, que lo que está arriba… está abajo y que debe haber una conexión, nos hacemos conscientes de que somos una parte muy pequeña del cosmos. Así que camina despacio, viaja despacio, respira despacio y si te encuentras en una disyuntiva como la que plantea san Agustín, no sigas el camino del engaño, por cómodo que te parezca, no te entregues a la vulgar imitación ni te excite el éxito y el juego halagador,  pues caminarás entre arenas movedizas por desatender tu máxima e ilimitada existencia creadora.

Para sentirte bien como “artista” debes reflejarte en tu obra, por que es tu naturaleza…sin tapujos ni veladuras mostrar tu yo auténtico, escuchar la voz interior, ser uno mismo.

Acoger con ánimo entregado el camino del virtuosismo aunque eso incluya poner en valor el sacrificio, incluso el dolor. Por este camino estrecho, pero firme conseguirás el efecto reparador que te inspirará.

Que no te pille desprevenido, siempre un lápiz en la mano.

Sería aconsejable no tirar ningún boceto o, en todo caso, rasgarlos, si fuera preciso y crear, a partir de los retazos y sus cicatrices ese algo que cada uno refleja con sus trazos y nuestro estado de ánimo. En estos tiempos, este desgarro es extrapolable al dolor y la ausencia provocada por la pandemia.

La historia de la humanidad resurge de las cenizas constantemente, sigue tu voz interior y acepta lo que te dice.

Deja para los otros juicios y presunciones, pues no “todo” es para todos!

Práctica de papel rasgado  y collage en el taller de Acai Sabadell

 

Saludos, salud.

Anna Couderc

Sumi-e

SUMI-E, LA NATURALEZA COMO MODELO________________________

Introducida en Japón por los monjes budistas zen a mediados del siglo XIV. Esta practica la interpreto como una danza con los movimientos circulares propios de la mano, el codo o toda la columna.

Esta pintura es monocromática pero rica en semitonos gracias a las aguadas. Se ejecuta a mano alzada con pincel, pero yo uso esponjas, plantas o plumas. Los trazos ágiles, firmes, seguros, se acercan a la expresión natural y espontanea de la emoción del momento.

Ademas de motivos naturales, paisajes, animales o ”stil lives”, la abstracción me seduce por su trascendente inefabilidad.

 

El sumi-e esta íntimamente relacionado con el Zen. El Zen, como usted ya debe saber, es una religión oriental derivada del budismo con profundas raíces en el yoga indio, que en sus tiempos fue practicado por Buda.

El Zen, como el budismo, intenta hallar un camino para extinguir el sufrimiento del hombre; para hallar este camino existe la meditación Zen, base filosófica de la religión Zen. Os hablare del Zen, de las pocas palabras necesarias para expresar el contenido de horas de meditación Zen y del arte del Sumi-e que en unas pocas líneas puede resolver el mas complejo de los modelos; os explicare con imágenes que para pintar el sumi-e, ha de sentarse con el cuerpo erguido y moviendo el pincel, la mano, el brazo y el cuerpo todo al mismo tiempo (con el cual estará recordando la posición rígida del buda sentado, que es la indicada para la meditación Zen –cuerpo erguido, cabeza levantada-); y incluso que siguiendo estas instrucciones, esta manera de sentarse, y esta técnica de pintar, usted estará haciendo salud.

 

Yo personalmente he probado el sumi-e, y francamente, lo he pasado muy bien; lo he encontrado muy divertido. No puedo hablar de experiencia, pero si me atrevo a decir que el éxito esta muy sujeto a mucha practica, mucha paciencia, muchas pruebas… y mucho papel.

Buenos sumi-e.

 

Inspiración en la naturaleza. Tinta China sumi e . Anna Couderc

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La experiencia en ACAI de ramas extrapoladas a arboles en general propone iniciarse en el tema de arboles y sus texturas a partir de ramas secas por ejemplo de Romero. Para empezar con equilibrio la tinta en distintos grados de aguado deberían estar a punto. Practicar primero la presión del pincel y comprobar como este absorbe el agua y la tinta en su punta. Hacer ejercicios de presión con el pincel medida que se comienza y se termina la pincelada.

 

Para hacer los brotes sitúa la punta de los pelos del pincel en posición vertical ‘’ tinta tono medio’’ y sitúa la presión a ambos lados de la línea de la rama. Dibuja unos trazos levantando el pincel con rapidez, con objeto de que el trazo quede en punta.

Recuerda que la técnica de arrastrado es muy seca y que los segmentos y el ritmo de la pincelada pueden quedar entrecortados para dar mayor expresividad.

Hojas: dibuja cada tallo con una línea gruesa que se inicia en el interior de la rama y termina con una detención súbita. Los tallos deben quedar escalonados en la rama.

Para cada hoja grande, dibuje dos trazos con el pincel en posición vertical. Importante saturar el pincel de agua y mojar solo la punta con tinta saturada de esta forma al aplicar el pincel sobre la superficie aparecerá primero la tinta oscura y a continuación la sutileza de la aguada.

 

La naturaleza como modelo requiere muy a menudo distancia media, y de cerca para interpretar los troncos o las ramas con inteligencia y sensualidad así como una flor requiere un trazo ligero suave y curvo, un tronco de sauce, de pino… se expresa con pincel seco y trazos distantes.

Hay muchas clases de arboles y su variedad se expresa a partir de la observación mantenga los ojos en una de sus ramas y podrá interpretar el árbol entero ‘’pino, castaño, cedro, roble, bambu…’’

 

 

 

Anatomía Humana III: Ojos, orejas y nariz

ANATOMÍA HUMANA III

Cejas y ojos

Si sigue estas enseñanzas con un espejo delante, comprobando los aspectos y detalles que te pauto. Seguro aprendes a dibujar ojos con expresión y vidilla.

Mírate al espejo de frente, con la cabeza levantada, agachada, ladeada, o hazte selfies ,con distintos puntos de vista, o sea subiendo y bajando el móvil. Comprueba en cada caso las distintas formas que adoptan las partes del rostro que estamos estudiando… el gran angular puede distorsionar la imagen…   pero es un buen método de estudio.

Al dibujar una ceja, no pienses en ‘’tantos pelos, tantos trazos’’, sino en dar a los trazos la intención necesaria para que imiten la cantidad de pelos y las diferentes intensidades de tono.

Estudia las diferentes formas que adoptan las cejas, según la posición del rostro. Considera la calavera que recubre y recuerda que son dos, que pueden ser simétricas, o no, y que se hallan sobre una superficie curvada, la frente.

Empecemos por observar y estudiar un ojo, visto de frente y de perfil. Como bien sabes, el ojo humano esta formado por una pequeña esfera, situada en esa cavidad ósea llamada cavidad orbitaria, y cubierta y protegida en su parte frontal, por los párpados.

Lo mas importante, de esta sencilla descripción, es recordar que los ojos son esféricos.

En efecto, si pintamos en una pequeña esfera un circulo mas pequeño, y pretendemos dibujarla desde diversos puntos de vista, tendremos, en principio, casi los mismos problemas con que nos encontramos al dibujar los ojos: problemas de escorzo y de perspectiva. Trate de comprender estos problemas, viendo las imágenes siguientes, comprobando que cuanto mas gira la esfera, mas en escorzo vemos el circulito.

Imagina esta misma esfera metida en una cubierta de goma de unos dos milímetros de espesor y supón que ahí efectúas un corte ligeramente curvado hacia abajo.

Al abrir este corte y variar la posición de la esfera, tenemos diferentes escorzos del ojo.

Perpendicularmente al plano de la esfera, formando ángulo recto con la cubierta o parpado, nacen las pestañas. Fíjate en este punto exacto de donde arrancan las pestañas, para comprender mejor, después al dibujarlas, su situación y posición. Los párpados son como “toldos” están por encima y protege…eso también lo hacen las pestañas. Algo que no bebes dibujar hasta el final

 

 

Los ojos vistos por fuera

Arriba de todo, la ceja: debajo mismo, la piel que cubre los músculos que accionan el parpado superior. Claro esta, si esa piel de encima esta tensa, podremos ver dibujar el arco o curva que dibuja el parpado; si no, ese trazo curvado quedara medio oculto por pliegue de esa piel situada encima. El pliegue o bolsa formada por estos tejidos, puede ser tan pronunciado que llegue a ocultar totalmente la forma del parpado.

El ojo se cierra y se abre, mas que nada por la acción del parpado superior como una molusco… pero la niña del ojo se cierra o se abre para defenderse de la luz.

Debemos considerar, por ultimo, que los ojos se hallan sobre una superficie curvada, similar a la de la frente, ofreciendo en sus lados extremos, junto a las sienes, una curva mas cerrada. Debido a ello, el ojo visto de frente no ofrece una abertura simétrica, sino irregular, no como un pez… mas bien como una ballena.

Y como dijera Adolfo Domínguez ”La arruga es bella” y os dará mucho juego con el sistema de tramas bien sea con lápiz de distintos gramajes o con rotring.

Ojos… por pares

Y he aquí los dos ojos, moviéndose los dos a la vez, situados los dos sobre una superficie curvada, siendo los dos de forma esférica…

El hecho de hallarse los dos sobre una superficie curvada, hará que nunca podamos verlos como dos formas idénticas y repetidas; excepto, claro está, cuando aparezcan totalmente vistos de frente. No siendo así, de tres cuartos, por ejemplo, uno de los ojos quedará casi de perfil, mientras el otro será visto mas frontalmente.

El verdadero problema es este y la única solución es fijarse muy bien en lo que dice el modelo, o en imaginarlos como esas dos bolitas de que hablábamos antes, cuando han de dibujarse de memoria.

Si se piensa, por otra parte, que las dos bolitas giran siempre al mismo tiempo y que en definitiva son dos cuerpos idénticos vistos desde distinto ángulo, será casi imposible dibujar ojos bizcos. He aquí una cuestión de simple perspectiva, en la que la posición de un ojo ha de determinar la del otro. Con lo cual damos por terminado, de momento, el estudio de los problemas que plantea el dibujo de los ojos, pasando a la parte siguiente: nariz y orejas.

 

La nariz, las orejas

Empecemos por la nariz diciendo que se dibuja mal muchas veces, por no fijarse, por no pararse en ella, por no tratar de estudiar y comprender como es exactamente. De perfil no ofrece dificultad. De tres cuartos merece una atención especial a la perspectiva, y de frente no hay mas remedio que fijarse muy bien en los contornos y dimensiones de la parte inferior, en las manchas o suaves sombras y brillos que modelan sus lados, su longitud, su profundidad.

Para empezar, Dibujo estructural

La solución para captar correctamente su forma, es prescindir de que la vemos ‘’en tres dimensiones’’. Intente verla como si se tratase de un objeto plano, sin relieve, anulando así el efecto del escorzo, mirándola como un conjunto de luces y sombras, tal como lo veriamos en una lamina o en una fotografia.

Podemos decir que para derribar la barrera del escorzo, solo es necesario:

Ver el modelo sin la tercera dimensión.

 Y otra cosa muy importante también: Tratar de ver el modelo como un cuerpo desconocido, y descifrar su estructura.

Sin pensar que aquello que estamos viendo es una nariz… observando simplemente un conjunto de ‘’manchas’’, e intentando copiar las luces y sombras que estas ofrecen.

Estudie su propia nariz en un espejo; dibujarla en alguna de estas posiciones…

 

Lo dicho sobre la nariz es aplicable también, a las orejas. Quien es capaz de dibujar una oreja de memoria, exactamente como es? Ni falta que hace. Son en si dobleces que precisamente nos distinguen , unos a otros como las huellas dactilares.   Igual de abstractas …pero tan diferentes unas de otras . No es de extrañar que lamentablemente en los campos de concentración nazis , se hicieran fichas fotográficas de la oreja del sujeto para identificarle… vivo o muerto.

 

Mira también las siguientes imágenes con orejas vistas de frente en escorzo por delante y por detrás.

Anatomia Humana II: Manos y pies

La mano y el pie

Ante todo, la mano es un instrumento maravilloso e insustituible, una prolongación del cerebro para hacer posible el ‘’hacer’’ y que logro su plena autonomía cuando el hombre conquisto la posición erecta. Sin la mano, el artesano y el constructor llamado ‘’homo faber’’ por los latinos, no habría existido nunca ni mucho menos se habría llegado a la tecnología moderna. Su gran ductilidad se debe a la eficiencia de su característica conformación ósea, dirigida por un sistema muscular de amplia elasticidad especifica y que encuentra su punto de apoyo en la directa dependencia de los músculos del antebrazo. La mano también tiene su expresividad, determinada en parte por su forma plástica y en parte por sus movimientos. La gesticulación integra y hace mas evidente la variación de expresiones del rostro, mientras que la mano y su forma, junto a su manera de ‘’estar’’ habitual, puede revelar a veces ciertos aspectos del carácter de mejor manera que el rostro mismo.

Dejaros llevar por la intuición ese es mi consejo, porque sabido es que tenemos dos hemisferios en el cerebro; El derecho es intuitivo y el izquierdo de la razón. Si os es posible desconectad el hemisferio izquierdo y dedicad vuestra atención a elementos de la composición relativos al espacio vacío y los huecos. Prestando atención unicamente al espacio vacío descubriréis la forma con muy poca experiencia en anatomía pero una gran experiencia  intuitiva y estética. Nuestro cerebro es un gran ordenador y tiene inteligencia emocional, confiad en el y el ejercicio de dibujar algo tan complejo como manos sera algo divertido.

Del pie podemos decir que si función casi exclusiva es la de caminar y la de mantener la posición erecta. La conformación ósea y el sistema muscular son a primera vista similares a los de la mano, pero obviamente tienen sus características propias. Es interesante hacer notar que los huesos del metatarso están dispuestos como un arco elástico, lo que permite el pie hacer también de amortiguador.

 

 

Anatomia Humana I

Anatomía humana I

 

 

Dibujando la cabeza

Las proporciones para la representación del cuerpo humano es lo que la cinta métrica para el sastre, los axiomas geométricos para el matemático o la estrella polar para el marinero. O sea son la norma universal y el criterio ideal para entender sus partes en relación con el todo, el cuerpo.

Claro que hoy ya no podemos hablar de unas medidas ideales sin enfrentarnos a la desagradable situación de tener que recortar la figura o estirar la figura del cuerpo humano por ejemplo para el estilismo en la moda. Desde los artistas griegos hace mas de 2400 años, se ha considerado que la altura del cuerpo humano equivalía a la longitud de 7 cabezas y media.

 

No obstante los valores de la vida moderna ponen en duda el antiguo sistema modular. Incluso el meticuloso Durero lo rechazo; mas tarde, Miguel Ángel y El Greco la abandonaron completamente para adoptar representaciones humanas expresando la corpulencia o la fragilidad del cuerpo marcando una semántica relativa y propia de su tiempo y el movimiento.

 

 

De todas formas las proporciones deberían formar parte de la etapa de aprendizaje de dibujo. Comparables al meridiano de Greenwitch, deberían entenderse como el punto de partida, y conducir hacia nuevas posibilidades expresivas con el tiempo.

Por eso hoy en lugar de aplicar la longitud de siete cabezas y media de un adulto que apenas midiese 1,65 m, se impone la de ocho cabezas y media de un adulto medio de 1,85 m.

De todas formas los principios sobre las proporciones no son sagrados y las únicas dimensiones absolutas serán las que se justifiquen en la expresión del arte. El artista que conoce estas leyes sabe donde doblegarlas y como quebrantarlas.

 

Proporciones generals y medidas del cuerpo

El cuerpo que aquí trataremos se aparta de la altura tradicional dada en siete cabezas y media de longitud; en cambio, su altura global será de ocho cabezas y tres cuartos. Tomando la cabeza como unidad de medida para determinar las proporciones, resultan las siguientes subdivisiones:

 

1-La parte anterior del torso: tres cabezas de longitud, a partir de una línea horizontal a la altura de los hombros hasta el arco púbico; las líneas de intersección se localizan a) bajo el pecho, b) a la altura del ombligo y c) a la altura del arco púbico

2-La parte posterior del torso: tres cabezas y media de longitud, partiendo de una línea horizontal a la altura de los hombros hasta debajo de los glúteos; las líneas de intersección se localizan a) bajo las escápulas, b) por la mitad del musculo oblicuo externo del abdomen ( a la misma altura que la línea correspondiente que atraviesa horizontalmente el ombligo), c) debajo del coxis (a la altura correspondiente al arco púbico) y d) debajo de los glúteos.

 

3- El cuello: en posición erguida, media cabeza de longitud hasta la fosa yugular.

4- El brazo: dos cabezas y tres cuartos de longitud, desde la articulación del hombro hasta la de la mano; la línea de intersección atraviesa el codo, a la altura de la línea del ombligo. La articulación de la mano esta a la altura del trocánter mayor, o sea, a la de la línea que divide por encima del arco púbico y el extremo del coxis. La mano alarga el brazo en tres cuartos de cabeza, de tal manera que la longitud total es de tres cabezas y media.

5- La pierna: cuatro cabezas de longitud, desde el trocánter mayor hasta el maléolo medial del pie; la línea de intersección pasa por la mitad de la rodilla. El pie alarga la pierna en un cuarto de cabeza, resultando la longitud total de cuatro cabezas y cuarto.

 

6-La mano: tres cuartos de cabeza de longitud o, lo que es lo mismo, la distancia de la barbilla hasta el nacimiento del pelo; la anchura de la mano es de un cuarto de la anchura de la cabeza, o sea la distancia desde el extremo anterior del vómer hasta la punta de la barbilla.

7-El pie: la longitud del pie es la misma que la del antebrazo, o sea, una cabeza y un tercio; la anchura delantera del pie es la mitad de la anchura de la cabeza.

 

Las mujeres del bosque

Paisaje Romantico

Las mujeres del bosque, un proyecto de Ana Couderc

Al norte de la Comunidad Valenciana, en la provincia de Castellón, la ciudad de Morella se erige en un peñón en forma de cono truncado, rodeada de murallas con su castillo en lo alto. Posee numerosos edificios singulares notables, iglesias y calles recurrentes que transportan al visitante al pasado histórico de la ciudad especialmente a la época medieval que fue su tiempo mas glorioso. Su entorno natural, me fascina por los accidentes geológicos que han formado cuevas durante siglos por la precipitación del agua en el interior de la piedra caliza. Esa particularidad la hizo propicia para que en la guerra civil se atrincheraran y vivieran republicanos, y partisanos. Sus huellas todavía son visibles en lo que podemos llamar recuerdos del dolor (suelas de zapato, latas oxidadas, casquillos de balas y ropa abandonada.

Quizás porque mi madre falleció hace dos meses, mi huida a Morella, y sus característicos accidentes geológicos, cuevas y fallas poco a poco me inspiraron los próximos dos cuadros de los que os hablare. Se titulará las mujeres del bosque, en homenaje a esas mujeres que luchaban por su libertad y su supervivencia en un mundo de hombres. Aterradas y dispuestas a enfrentarse a la realidad por dura que esta fuera tras el paso de las fuerzas fascistas, tuvieron que refugiarse en los bosques de Cataluña y Aragón, mientras y durante la guerra civil por ser perseguidas por las fuerzas ocupantes de Franco.

En estos bosques encontraron el apoyo de las fuerzas rebeldes o partisanas, en una guerra idealista. Con ellos compartieron comida, escondites y una vida en pareja.

Así es como surge la inspiración en algunas ocasiones: conoces la historia y las ‘’historias’’ concretas, y despierta en plena concentración de caminar, o en absoluto descanso un recuerdo que parece vivido de vidas anteriores.

 

Así que exponencialmente, y como homenaje a esas mujeres del bosque que sobrevivieron a la cruel guerra civil, por tener un marido ‘’rojo’’ o ser hija de… Surgen de mi imaginario sombrías formas al amanecer entre arboles y formaciones geológicas con agujeros como un gruyer que permiten imaginar escondites y huidas de las balas.

 

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Hermosa fase de inspiración es dibujar con lo que uno tiene mas a mano, la sensación que uno percibe frente la naturaleza. Implicarse de forma intuitiva con la historia de un lugar y dejar volar la imaginación.

 

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Primer cuadro:

Inspirado en el paisaje del Sagrià, del Montsià, Morella, la Font d’en Torres, y otras fuentes como la de la ‘’esperanza‘’ diseminadas por ‘’baumes’’.

Será una escena, una mirada, un recuerdo a esas mujeres que lucharon por su supervivencia por tanto será una escena nocturna en el ocaso entre arboles y tonos apagados por la oscuridad, amortiguados por el gris de la ceniza.

Tengo que transmitir la idea de que la vida es mucho mas fuerte que los problemas, hay que vivir. El amor es una potencia movilizadora. Estoy segura que se unían ellas para colaborar con sus parejas del bosque. Lo que se hace en el bosque se queda en el bosque. El peaje seria alto para sobrevivir, … su cuerpo no seria casto, pero en sus almas vagabundas quedaba sitio para alguien en quien confiar su vida en el bosque.

 

Segundo cuadro:

Construyendo un vinculo entre las mujeres y el bosque este segundo cuadro de grandes dimensiones se evocara el amanecer y como se mimetizan en mi imaginación las mujeres con los arboles. Con pulso firme y sutil pretendo que la aspereza de los arboles se funda con las siluetas de ‘’las mujeres del bosque’’

 

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Se lo dedico a mi madre, también superviviente del totalitarismo machista y de un marido controlador y violento. Ella vivía independiente cual pocas mujeres en los años 50, viajando, trabajando y cuidando de sus padres. Hasta la edad de 36 años. Se casó y a los nueve meses tuvo dos gemelos que también la encasillaron, y obligaron entre unos y otros la dócil esclava que de ella se esperaba ‘’hasta que la muerte nos separe’’.

Por eso es para ella esta manifestación de duelo, atípica, creadora, dolorosa pero esperanzadora, porque la muerte nos libera.

 

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