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    Blog de Anna Couderc
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El número Áureo

La proporción Aurea

El numero de oro o áureo es un numero irracional que representamos con la letra griega phi (Φ). Fue un hallazgo de los griegos de la época clásica y su historia documentada comienza con uno de los libros mas celebres, comentados y reimpresos de la historia: los Elementos de Geometría de Elucides.

phi

El número áureo es la relación o proporción que guardan entre sí dos segmentos de rectas. Fue descubierto en la antigüedad, y puede encontrarse no solo en figuras geométricas, sino también en la naturaleza. A menudo se le atribuye un carácter estético especial a los objetos que contienen este número, y es posible encontrar esta relación en diversas obras de la arquitectura u el arte. Por ejemplo, el Hombre de Vitruvio, dibujado por Leonardo Da Vinci y considerado un ideal de belleza, está proporcionado según el número áureo.

Figura 41 - Cuadratura del circulo                    Proporción áurea del hombre de vitruvio            

Hay números que han intrigado a la humanidad desde hace siglos. Valores como PI -la razón matemática entre la longitud de una circunferencia y su diámetro- o e -la base de los logaritmos naturales-, suelen aparecer como resultado de las más dispares ecuaciones o en las proporciones de diferentes objetos naturales.

El número áureo -a menudo llamado número dorado, razón áurea, razón dorada, media áurea, proporción áurea o divina proporción- también posee muchas propiedades interesantes y aparece, escondido y enigmático, en los sitios más dispares

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Sucesión de la proporción Áurea y el crecimiento progesivo de un cactus

Este número también aparece con mucha frecuencia en el arte y la arquitectura. Por algún motivo, las figuras que están “proporcionadas” según el número áureo nos resultan más agradables. Aunque recientes investigaciones revelan que no hay ninguna prueba que conecte esta proporción con la estética griega, lo cierto es que a lo largo de la historia se ha utilizado para “embellecer” muchas obras. Por ejemplo, el uso de la sección áurea puede encontrarse en las principales obras de Leonardo Da Vinci. Es bien conocido el interés de Leonardo por la las matemáticas del arte y de la naturaleza, y esta proporción no le era indiferente. De hecho, en su estudio de la figura humana, plasmado en el Hombre de Vitruvio, puede verse cómo todas las partes del cuerpo humano guardan relación con la sección áurea. Algunos expertos creen que la gran pintura inacabada de Leonardo, San Jerónimo, que muestra a este santo con un león a sus pies, fue pintada ex profeso de forma que un rectángulo con estas proporciones encajase perfectamente alrededor de la figura central. También el rostro de la Mona Lisa encierra un “rectángulo dorado” perfecto. Obviamente, Leonardo no fue el único en utilizar esta proporción en su obra. Miguel Ángel, por ejemplo, hizo uso del número áureo en la impresionante escultura El David, desde la posición del ombligo con respecto a la altura, hasta la colocación de las articulaciones de los dedos.

 

joconde”Rectángulo dorado” de la Mona Lisa   

La arquitectura no es ajena a este valor matemático. La relación entre las partes, el techo y las columnas del Partenón de Atenas, por ejemplo, también se relacionan mediante el número áureo. Muchos productos de consumo masivo se diseñan siguiendo esta relación, ya que resultan más agradables o cómodos. Las tarjetas de crédito o las cajas de cigarrillos poseen dimensiones que mantienen esta proporción. El número áureo puede encontrarse por todas partes, y a menudo ni siquiera somos consientes de que está allí. Pero en general, cuando algo nos resulta atractivo, esconde entre sus partes esta relación. ¿No es asombroso?

 

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El valor del numero de oro como patrón ideal de belleza no es únicamente una veleidad humana. La naturaleza misma parece otorgar a Φ (phi) un papel especial a la hora de escoger ciertas formas por encima de otras, aunque para percatarse de ello se debe profundizar algo mas en las propiedades del numero de oro. Tomemos a nuestro ya conocido rectángulo áureo y, partiendo de él, restemos un cuadrado de longitud igual al lado corto de aquel. En este proceso conseguiremos un nuevo rectángulo áureo, de tamaño obviamente menor, si repetimos el proceso varias veces obtendremos la figura siguiente:

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Vamos ahora a trazar distintos cuadrantes de circunferencia de un radio igual al lado de cada uno de los cuadrados que hemos ido quitando, y con el centro en el vértice de cada uno de ellos. El dibujo resultante nos quedara como sigue:

500px-Fibonacci_Spiral_GeoGebra.svg

Esta curva sinuosa y elegante es una buena aproximación a la denominada espiral logarítmica. Lejos de ser una mera curiosidad matemática, se puede observar muy fácilmente en nuestro entorno, en un recorrido vertiginoso que va de la concha de los nautilus…

nautilusaureo

…a la forma de los brazos de las galaxias…

galaxiaaurea

…y, de regreso a la naturaleza en tierra firme, a la elegancia sin par de la disposición de los pétalos de una rosa

rosa aurea

Mirando la elegancia de la rosa y la disposición de sus pétalos descubrimos la belleza del crecimiento y se presta a introducir un nuevo concepto matemático: la sucesión de Fibonacci. Dicha serie numérica descrita por este matemático italiano del siglo XIII arranca con los valores 1 y 1 a partir de los cuales cada nuevo termino se genera con la suma de los dos anteriores, los 15 primeros números de esta serie infinita son:

1,1,2,3,5,8,13,21,34,55,89,144,233,277,610

Las relaciones entre la sección áurea y la sucesión de Fibonacci son múltiples e insospechadas y se exploran con mas detalle mas adelante; baste apuntar en esta introducción las asombrosas correspondencias entre el reino abstracto de los números y la realidad palpable, el sueño pitagórico convertido en realidad en un escenario de excepción.

Para ello nos serviremos de la flor del del girasol, cuajada de pepitas:

girasol aureo

Al poco nos daremos cuenta de que las pepitas dibujan espirales concéntricas en sentidos horario y anti horario. Si se cuentan unas y otras, resultan dos números en apariencia anodinos: 21 y 34… Dos números que ya hemos visto antes.

Se trata de dos términos sucesivos de la serie de Fibonacci. Si hiciéramos el mismo ejercicio para el caso de otras flores de girasol, es muy probable que el resultado fuera el mismo o, en su lugar, otro par de términos sucesivos de la misma serie, en especial 55 y 89. La presencia de la proporción áurea en plantas y arboles no se agota con este ejemplo, sino que abarca la disposición de las ramas de algunos arboles, el numero de los pétalos de muchas flores, e incluso la forma de las hojas.

La razón áurea anuncia su presencia en muchas grandes obras arquitectónicas de todas las épocas, como la Gran Pirámide o algunas de las mas notables catedrales góticas francesas. Aunque resulte arriesgado afirmarlo con rotundidad por ejemplo en la fachada de Fidias, del Partenón, la proporción áurea subsiste en la limpieza de sus líneas que encierran una noción de armonía, de valor universal.

Pero así descubrimos que sus diversos elementos pueden dividirse en rectángulos áureos…

partenonaureo2Rectángulo áureo del Partenón    

 

Filosofía y características de lo invisible

Más allá de la memoria visual

 

Como ya ha quedado suficientemente constatado, la fotografía ofrece la posibilidad de guardar una imagen mecánicamente para poder volver a ella cuando el acontecimiento haya pasado, archivando la información visual de manera altamente efectiva. No obstante, si los productos de la cámara proporcionasen únicamente un sucedáneo plano de la visión, seguramente su éxito hubiera sido mucho menor. Me atrevería a afirmar que el secreto de su reputación radica en su capacidad de mostrarnos la realidad de una forma diferente -evidentemente más simple, pero más accesible a la vez- de ampliar los momentos vividos, de hacerlos tangibles, de rebasar nuestros propios límites.

Hacer una fotografía implica conseguir materializar algo parecido a las imprecisas y mudables imágenes cerebrales, (salvando las diferencias ya explicadas) al menos para una amplia mayoría de usuarios. Los materiales fotosensibles asociadas a la cámara aportan la posibilidad de almacenar una representación del mundo que conserva algunos de los elementos básicos de la experiencia visual, dilatando el instante de la observación a costa de una simplificación de la información sensorial y emotiva, y cargada a la vez de una especial fuerza evocadora. Lo curioso es que, perdiendo información gana en precisión, y el instrumento diseñado para representar la naturaleza mediante el influjo de la propia luz, adopta un papel trascendental y aporta una información que multiplica su poder por la fuerza de la simplicidad

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En este sentido se puede decir que la cámara no sólo detiene momentáneamente el transcurso temporal, sino que además lo amplia. Hace visibles detalles y aspectos de la vida que de otra forma pasarían completamente desapercibidos, es decir invisibles. No significa entonces que actúe como un vidente con capacidades sobrenaturales, simplemente revela una información que ya estaba allí, pero que no tenía suficiente relevancia en el momento de su percepción como para elevarse a la consciencia. La fotografía nos da una segunda oportunidad para volver a escudriñar una visión y tomar conocimiento de aquellos aspectos que fueron intrascendentes en su momento pero que ahora la cámara, con la complicidad del operador, ha vuelto importantes. El fotógrafo los ha destacado otorgándoles un valor añadido, incluso cuando su elección ha sido inconsciente, pues esta implícita en la capacidad epistemológica del medio.

 

Muchos de nosotros hemos podido comprobar esta facultad de una imagen fotográfica. Cuantas veces hemos descubierto un rasgo, una particularidad, un dato que fue inadvertido en la vivencia original, tal y como tempranamente señala el mismísimo Talbot en la introducción a primer libro de fotografía de la historia. En El pincel de la naturaleza el sabio inglés escribe: “sucede frecuentemente, además, y este es uno de los encantos de la fotografía, que el operador de la cámara mismo descubre al examinar la obra, tal vez después de transcurrido mucho tiempo, que ha captado muchos detalles que ignoraba inicialmente” (Talbot, 2003; 49). También los primeros espectadores del daguerrotipo contaban asombrados con sus lupas el número de ladrillos de una fachada, como si nunca los hubieran visto. Y ese asombro, por el momento, no parece tener caducidad.

Esta es la situación de la que parte la trama principal del mítico film de Antonioni blow-Up, adaptación del relato original de Cortazar Las babas del diablo. El argumento de la película explica la historia de un fotógrafo que descubre un asesinato, aparentemente sin testigos, gracias su reconstrucción a partir una serie de fotografías tomada en el lugar de los hechos. Por medio de sucesivas ampliaciones de una de las imágenes, el fotógrafo descubre un crimen escondido. Lo que el ojo no pudo ver a simple vista, queda capturado por el material sensible de una cámara fotográfica.

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La ciencia, un nuevo modelo de conocimiento.

 

“Es una constatación obvia que en el seno de la cultura contemporánea, la ciencia a llegado a ser el paradigma del saber”

(Agazzi, 1996: 34)

Gracias al enorme progreso realizado por la ciencia en el período comprendido entre finales del siglo XVIII y principios del XIX, los avances tecnológicos permitieron una sustancial mejora del bienestar en las sociedades occidentales. Como consecuencia, el interés popular por estos descubrimientos se tradujo en un esfuerzo divulgativo por parte de los investigadores que, unido al evidente éxito de sus conquistas, generó una creciente confianza en el método científico y en la veracidad de sus resultados, deviniendo un nuevo paradigma cognoscitivo laico, destinado a rivalizar con los modelos predominantemente religiosos de los siglos anteriores.

Este crédito depositado en la ciencia desde el siglo XIX ha perdurado hasta nuestros días en la vida cotidiana, muy especialmente en los círculos académicos y universitarios, y tiene como piedra angular la fiabilidad otorgada a su procedimiento indagatorio. El rigor en la formulación y aseveración de sus hipótesis ha llegado a ser un estereotipo en el que la ciencia posee una garantía de certeza en su explicación de la realidad. Si a esta característica le añadimos una vertiente práctica que permite emplear los conocimientos por ella alcanzados en la resolución de las dificultades cotidianas de la gente, empezaremos a encontrar las claves de su prestigio y el porqué, actualmente, para una gran mayoría de la población occidental, los científicos son “quienes resuelven los problemas, la última fuente de Verdad” (Nelkin, 1991, p. 134).

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Documentales científicos, con canales específicos en las programaciones televisivas de pago y en abierto, informan y entretienen poniendo al alcance del espectador medio conocimientos de zoología, botánica, biología, astronomía, medicina, etnografía y arqueología, aportándonos imágenes insolitas que no somos capaces de ver con el ojo humano. Por tanto la curiosidad y el auge de esta fotografia de lo invisible es hoy en dia asequible gracias a los telescopios cuyo alcance era impensable hace apenas 100 años o con cámaras tan diminutas que nos muestran información selecta y muy útil de los rincones mas inaccesibles de nuestro cuerpo. Mención especial merece la nanotecnología pero hoy nos centraremos en la naturaleza de las fotografías del cosmos por ese aspecto transcendental e inaccesible con el que el hombre siempre ha suspirado.

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Hace unos dias tras el previsto fallecimiento de Cassini, la NASA liberó toda la colección fotográfica creada por la sonda durante sus largos años de viaje. Sus fotografías de Saturno, especialmente las tratadas en blanco y negro por los especialistas de la agencia espacial, fueron de especial brillantez: revelaron la imagen de un planeta gigante, frío, poderoso y, aunque parezca difícil de creer, emocionante.

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¿Y después de Cassini, qué? Pues bien, nos quedan numerosas sondas explorando nuestro Sistema Solar y tomando fotografías estupendas. Quizá la popular ahora sea Juno, cuyos días transcurren en torno a Júpiter, el planeta más grande en este lado de la Galaxia y quizá uno de los más bonitos.

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No tanto por las fotografías arquetípicas que tenemos de él (sus líneas blancas, rosadas y rojas) sino por las nuevas interpretaciones cromáticas que un pequeño grupo de apasionados por el espacio y la fotografía están volcando en esta plataforma colaborativa abierta por la NASA. La metodología es simple: Juno envía imágenes tomadas cerca de Júpiter en raw, y desde sus casas los científicos-fotógrafos aficionados se dedican a procesar de forma creativa y apasionante sus colores.

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Hace unas semanas, Juno anduvo explorando de cerca el hemisferio sur de Júpiter. Y sobre estas imágenes Gerald Eichstädt y Seán Doran han creado auténticos lienzos impresionistas, repletos de viveza, color y luminosidad, que aportan otra mirada distinta (y mucho más imaginativa) a la imagen que tradicionalmente habíamos traído del planeta. Nubes sinuosas, patrones cromáticos enlazados, un detallismo caótico digno de los autores abstractos y expresionistas del siglo XX.

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Como quiera que Juno envía nuevas fotos de tanto en cuanto, la base de datos sobre Júpiter va aumentando, y está plenamente accesible al público general. Un deleite para los sentidos que revela mucho de los aún inesperados, misteriosos secretos que planetas tan enigmáticos como Júpiter (y el resto de nuestro Sistema Solar) aún esconden. Aquí una pequeña muestra del trabajazo de Eichstädt y Doran.

Según avanza el interés de los lectores, los artículos nos acercan esa visión del mundo exterior incorporando la tecnología y la ciencia se apoya en la fotografia para satisfacer nuestro conocimiento.Una imagen vale mas que mil palabras. en su sentido más amplio entre los contenidos comunes de la información ofrecida habitualmente.

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Ante este panorama, podríamos afirmar sin miedo a equivocarnos que la ciencia nunca ha estado tan presente en la sociedad como en el momento actual (al menos en occidente), pero lo que a simple vista podría parecer una garantía de una ciudadanía informada en una auténtica sociedad del conocimiento empieza a disiparse si se estudia más atentamente el alcance real de esta información. Porque, paradójicamente, los expertos se quejan de la falta de una verdadera comprensión de los resultados, métodos y contenidos generales de las distintas disciplinas científicas en nuestra sociedad.

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Especial mencion a la aportacion del Drc. Ricardo Guixà Frutos, (La ciencia, un nuevo modelo de conocimiento y Más allá de la memoria visual)

Pequeña historia de la acuarela

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A instancias del arte plástico, la acuarela es el nombre con el cual se designa a una técnica que se caracteriza por el empleo de colores disueltos en agua.Técnica pictórica que consiste en usar color disueltos en agua.

Cabe destacarse que los colores empleados al encontrarse diluidos en agua resultan ser mayormente transparentes, siendo ésta la característica más distintiva de este procedimiento artístico.

Incluso, al ser tan traslucidos es posible ver el fondo blanco en el cual han sido plasmados, que también termina actuando en la escena como otra tonalidad símil.

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Cómo es la técnica

La técnica de la acuarela implica la aplicación de capas semi transparentes que se van superponiendo para ir logrando colores más oscuros, es decir, se pinta de claro a oscuro, no pintándose el color blanco, y dejando el blanco del papel para tal color.

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                                                                                                                                                     Acuarela de Ana Couderc con pigmentos puros
Existen varias técnicas para pintar con acuarelas, siendo una de las corrientes la de usar el papel mojado, que se denomina como acuarela húmeda.

Consiste en mojar el papel que se va a usar para pintar y luego se carga con color el pincel y se proceden a dar las pinceladas en dirección horizontal, con suavidad, e inclinándose el papel para que el color se corra y lograr un efecto de degradé.

Una vez que se ha secado la primera capa se podrán superponer otras pinceladas u otras aguadas de color más saturado que el anterior.

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Es importante mencionar a quienes siguen esta técnica que es importante que se seque bien el papel antes de volver a aplicar color porque de lo contrario se mezclaran los colores, un resultado que si no es deseado podría ser considerado un defecto….o bien podría ser un “efecto” deseado que se controla mas o menos con secador para aturar el efecto global.

Y la otra técnica extendida es la de utilizar el papel seco y que se conoce como acuarela seca y cuya principal diferencia es que el papel sobre el cual se trabaja está seco.
Magníficas versiones de la naturaleza y atmósfera de niebla combinan ambas técnicas .

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Por otra parte, las superposiciones de color le aportan una gran valor a la creación, ahora bien, cuando se realicen superposiciones se debe aplicar primero el color más luminoso y cálido.

 

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                                                                                                                                                                                           Acuarela de Ana Couderc

Si se procede al revés, aplicando el color frío obtendremos un resultado diverso, siendo que el color frio termina opacando al cálido y lo ensucia.

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                                   Van Gogh, un artista de acuarelas

El pintor neerlandés Vincent Willem van Gogh es sin dudas uno de los referentes más notables de la acuarela.
Este artista del siglo XIX fue un emblema del postimpresionismo y dejó un notable legado de acuarelas.

Composición de las acuarelas e historia

 

Las acuarelas se hallan compuestas por pigmentos agrupados, ya sea a partir de miel o por goma arábiga.

La goma arábiga consiste de bio moléculas provenientes de la resina de los árboles conocidos como Acacia Seyal y Acacia Senegal, y que es el resultado de un proceso de cicatrización natural acaecido en los mismos y que tiene la misión de cerrar heridas y de esta manera evitar el ingreso de gérmenes.

La resina tiene una coloración amarillenta -transparente y es posible encontrarla en trozos que se asemejan a la resina convertida en mineral transparente : el ámbar . Pero aconsejo comprarla en polvo fino (aunque salga mas cara) ya que machacarla uno mismo es agotador porque dura como un cristal.

 

 

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Se trata de una sustancia milenaria que supo ser empleada por los egipcios para la preparación de productos cosméticos y de perfumes y en su conocido proceso de momificación.

La aplicación de la acuarela por capas es sumamente frecuente para de ese modo ganar en brillantez.

En uno de los lugares del mundo en el que la acuarela se ha convertido en una técnica muy popular es en el Japón, siendo conocida la acuarela con tinta como Sumie.

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El uso de la técnica también es milenario dado que apareció aproximadamente en el año 100 A.C., al tiempo de la aparición del papel.

Su antecedente inmediato es el fresco, que emplea pigmentos con agua sobre el yeso, siendo un fiel exponente de éste el fresco pintado en la Capilla Sixtina. Pero eso hablaremos en otro post cuando nos centremos en el fresco y la encáustica.
En Europa, la acuarela fue empleada por primera vez por el pintor italiano Raffaello Sanzio.

 

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Por otro lado, a aquella obra artística que se efectúa ya sea sobre papel o cartón y que presenta las características anteriormente indicadas, se la denomina como acuarela.

Y a los colores que se utilizan para llevar a cabo la técnica de la acuarela, asimismo, se los denomina a través de la palabra ACUARELA.

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GIRASOLES VIEJOS NO GIRAN AL SOL

GIRASOLES VIEJOS NO MIRAN AL SOL

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El heliotropismo de los girasoles es tan vital como poético. Desvelar su misterio des de la biología no lo hace menos estimulante para una artista como yo. Pero descubrir que los girasoles viejos no giran hacia el sol pero son una estufita para las abejas, me conmueve y provoca una admiración trascendental, espero se transmita en el vanitas que en definitiva es este, mi cuadro de “los girasoles viejos no giran al sol.

Cada mañana, el sol se encuentra a los girasoles que lo siguen en su ruta al oeste. Durante la noche, las flores giran en sentido contrario para que, al llegar la siguiente alborada, el sol se los vuelva a encontrar. Ese movimiento diario se va frenando a medida que las flores maduran hasta que dejan de moverse y se quedan fijas mirando al este. Ahora, un estudio vincula el baile de los girasoles con un reloj interno que marca el crecimiento desigual de sus tallos, provocando el giro. Al dejar de crecer, dejan de girar.

 

irasol 2GIRASOLES VIEJOS NO MIRAN AL SOL. ANNA COUDERC. Medidas: 180 X 160 pintura matérica.

 

El movimiento siguiendo al sol o heliotropismo es uno de los mecanismos más eficaces que han encontrado muchas especies vegetales para su desarrollo. Así se aseguran muchas horas de luz para su fotosíntesis. El problema es que el estímulo ambiental no explica por qué vuelven a girar los girasoles cada noche, cuando ya no hay estímulo, o por qué, una vez desarrollada la flor por completo, dejan de hacerlo.

Para desvelar este y otros misterios de los girasoles, investigadores estadounidenses entablillaron los tallos de plantas jóvenes para impedir que se movieran siguiendo el sol. A otros colocados en macetas los ponían cada atardecer mirando al este, con lo que el siguiente amanecer se encontraban de espaldas a la estrella. Otros ejemplares soportaron una intensa luz azul haciendo las veces de sol durante todo el tiempo. Y algunos sufrieron ciclos de día/noche de 30 horas en vez de 24 en la cámara de crecimiento.

21585552_1528566487200459_2068064687_oDETALLE  de GIRASOLES. ANNA COUDERC. Medidas: 180 X 160 pintura matérica.

Los girasoles manipulados para no seguir el sol tiene un 10% menos de biomasa y hojas más pequeñas

Lo primero que comprobaron los científicos es que seguir al sol es bueno para el desarrollo. Los girasoles manipulados presentaron una pérdida de hasta el 10% de biomasa vegetal y el área de sus hojas era menor que la de las flores no manipuladas. También comprobaron que aquellas que tuvieron el led azul sobre ellas todo el tiempo seguían moviéndose de este a oeste durante varios días. A las que hicieron creer que estaban en días de 30 horas, su giro acabó por ser errático.

Esto confirmaría el papel de un reloj circadiano que marca cuándo y cuánto debe girar el girasol. Aunque el estímulo ambiental (la presencia de luz) es clave, no es el único resorte que explica el movimiento de las flores. Pero el principal resultado de esta investigación, publicada en Science, es el mecanismo por el que los girasoles se mueven: los laterales de sus tallos crecen de forma diferente según sea de día o de noche.

“Durante el día, el lado del tallo a la sombra crece más que el lado iluminado, lo que provoca que se doble hacia el sol”, dice la principal autora de este estudio, Stacey Harmer. “Casi con toda seguridad este proceso está controlado por una ruta de señalización bien conocida en la que intervienen unos fotorreceptores específicos llamados fototropinas y una hormona del crecimiento, la auxina. Las fototropinas activadas provocan una acumulación de auxina en el lado sombreado del tallo, haciendo que crezca más”, añade esta bióloga vegetal de la Universidad de California Davis.

Pero esto sigue sin aclarar por qué los girasoles giran de oeste a este durante la noche. Aquí es donde interviene el ritmo circadiano. Se conoce su rol en el crecimiento de las plantas, pero aquí su trabajo es algo más específico: los investigadores creen que el heliotropismo de los girasoles está provocado por una combinación de este reloj biológico y las fototropinas.

“Necesitamos más estudios, pero en términos generales, creemos que el crecimiento del lado oeste de los tallos está controlado por el reloj circadiano, mientras que el del lado este está manejado por el mecanismo de señalización de los fotorreceptores. Entre los dos, provocan la flexión atrás-adelante que vemos en las plantas que siguen al sol”, comenta Harmer.

Esta conexión entre reloj circadiano y crecimiento explica también por qué los girasoles dejan de girar cuando han madurado. Si el tallo ya no crece más, desaparece el mecanismo que hace que la planta se doble. Pero ¿por qué todos los girasoles viejos se quedan mirando hacia el este y no hacia otra dirección? Porque sacan más provecho del sol de la mañana.

 

girasoles infrarrojosEsta imagen de infrarrojos muestra cómo el girasol se va calentando. Las flores más cálidas atraen más abejas Evan Brown Universidad de Virginia

Los investigadores volvieron varios girasoles maduros hacia el oeste y los grabaron con una cámara de infrarrojos. Comprobaron que los que miraban al este se calentaban más y más rápido que los que habían girado. Lo mejor es que ese calor parece atraer a más polinizadores. Hasta cinco veces más abejas tenían las flores orientadas a oriente. Esto lo confirmaron con una estufa: al aplicar calor sobre los girasoles de occidente, las abejas se interesaban por sus flores.

La bióloga estadounidense reconoce que no se sabe con seguridad por qué las abejas buscan el calor. Pero apunta una posibilidad: “Cuando las abejas están en reposo, su temperatura baja rápidamente al nivel del ambiente, pero sus músculos de las alas deben estar por encima de los 30º para que puedan volar. Podrían temblar para entrar en calor, pero esta contracción muscular requiere energía. Necesitarían gastar menos energía calentándose a sí mismas si visitan una flor cálida que si van a una fría”. Existe otra posibilidad, que están investigando, y es que el calor de la mañana cambiaría la fisiología del girasol, haciéndolo más atractivo para las abejas.

21584293_1528588923864882_988764995_oEl lado del tallo a la sombra crece más que el lado iluminado, lo que provoca que se doble hacia el sol” – Stacey Hamer, bióloga de la Universidad de California Davis

NEW UGLY

NEW UGLY

011617_PA_BANNER_WA_Moschino

Os quiero hablar de Jeremy Scott, que a parte de tener su propia marca es digno sucesor de la conservadora Casa Moshcino. Para los que no lo conocierais ahí va un video de alta costura.

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Si Agata Ruiz de la Prada conquistó ”nuestro corazón” con topos y estrellas, el Pop que revisa Jeremy juega a vestir a la princesita americana aunque para ello recurra a “l’art troubeau”, como una Barbie. Sus disfraces de Mc Donals, caramelos y Palomitas extraídos de la COMIDA BASURA Americana, superan en crítica y en paradoja ( vs la alta costura) a la “lata Campbell” de Warhol. De esta espeluznante reinterpretación nace un estilo provocador, anarquista y en apariencia despreocupado, que Jeremy es capaz de convertir en un icono de identidad puesto que los consumidores de esta alta costura son gente fresca, sin miedo al ridículo y un tanto alocados. Como digiera Mc Luhan, “divirtámonos hasta morir”. Lo cual nos indica que Jeremy es un genio de los negocios y ha sabido darle a la antigua Casa Moshcino, la rebeldía y la línea que provoca emociones. Entre otras, la emoción de comprarlo -que es en sí una emoción poco controlable para personas con dinero-.

 

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Si yo me pongo un vestido de Jeremy Scott con corte Coco Chanel de color rojo y amarillo, estoy diciendo que tengo clase, dinero, que soy atrevida y que me gusta provocar.

Claro que yo no soy Americana ni…. Tan divertida. Pero me identifico más con su línea pre-a-porter como de urban style o oversize y hasta con un punto hiphopero. En definitiva solo hay dos opiniones, o es pésima o te parece original y esto abre el clásico debate de elegancia vs estilo.

 

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Ya no se lleva lo elegante o tradicional, se lleva “tu propio estilo”.

Your own style

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Como colofón y para el próximo post os daremos alguna ideas para diseñar vuestras bambas o camisetas con pinturas fosforecentes y sistemas de transferencia de imágen.

Os puede interesar: http://www.materialesbellasartes.com/pintura-para-tela

Para más información consultad la web: ACAI Sabadell

Inicio del curso de moda el 3 de Octubre, os esperamos!

Pintura sobre seda, 4 consejos

Un par de consejos para amigos de la pintura sobre seda, que os van a ser muy útiles si os iniciáis en este apasionante terreno.

Tras treinta años recorridos de docencia en Bellas Artes de Barcelona, ESDI y mi propia escuela ACAI el conocimiento empírico y la evolución como artista me dan la posibilidad de comentaros cuatro cosas:

1ª La pintura sobre seda es un arte temperamental, porque muchas veces es un ejercicio de pintura directa, es decir, de mancha, frotado y trabajo húmedo, como la acuarela.

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2ª Eso quiere decir, que como novato piense primero siempre en que necesitas, prepara el bodegón  de tintes, pinceles, esponjas, alcohol, sal, recipientes blancos o transparentes para ver el color como realmente es, trapos, tinfix para difuminar diluido en agua destilada con antelación.

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3ª Porque si se seca una parte independiente de tinte, quedara separado de otras áreas y surgirá una mancha como un mapa delimitado. Ahora bien, este defecto también puedes usarlo como un efecto de textura y relieve. Sensacion de piedra, de agua, de nubes o simplemente textura y abstracción.

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TODO DEFECTO PUEDE SER UN EFECTO

4ª Control, no dejes que suceda lo inesperado: un pincel de cada color, guta para aislar, tiempo para dejar secar esta guta y aplicar primero tintes pálidos o luminosos y a continuación los tintes saturados, del mismo modo que harías en una acuarela.

Captura de pantalla 2017-06-15 a las 12.33.11Ana Couderc, pintura sobre seda, work in progress

Como colofón un comentario, los ‘’artistas’’-por naturaleza sufren o padecen el síndrome del aislamiento. Como resultado de este individualismo, a menudo se encuentran reinventando la rueda, porque no poseen la destreza profesional, la información técnica o los contactos necesarios para avanzar en esta especialidad.

Si tienes interés en mejorar y evolucionar, abre tu mente y manténteme al corriente de las ultimas informaciones, consulta nuestra web. Esta escuela fundada en el 2000 en Sabadell, propone numerosos talleres intensivos de tres meses o cuatro sesiones para mejorar la comunicación entre artistas, diseñadores, miembros de la industria de la moda y educadores del mundo textil. Estáis todos invitados.

 

Canciás un territorio poético

Proyecto Peña Cancías y Rio Ara

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Cambios

¿Qué es el tiempo? Un misterio sin realidad propia y omnipotente. Es una condición del mundo fenomenal, un movimiento mezclado y unido a la existencia de los cuerpos en el espacio y a su movimiento. Pero ¿habría tiempo si no hubiese movimiento? ¿Habría movimiento si no hubiese tiempo? ¡Es inutil preguntar! ¿Es el tiempo función del espacio? ¿O es lo contrario? ¿Son ambos una misma cosa? ¡Es inutil continuar preguntando! El tiempo es activo, produce. ¿Qué produce? Produce el cambio.El ahora no es el entonces, el aquí no es el allí, pues entre ambas cosas existe siempre el movimiento. Pero como el movimiento por el cual se mide el tiempo es circular y se cierra sobre si mismo, ese movimiento y ese cambio se podrían calificar perfectamente de resposo y de inmovilidad.

Tomas Man, La Montaña Magica,pag 511

Mi intención es continuar mi reflexión entorno al paisaje no solo desde la distancia contemplativa del observador, sino también desde la experiencia al interior del recor­rido. Recorridos hechos alrededor de un territo­rio especifico la PENA CANCIAS pero también a través del ejercicio de representación donde el tiempo pueda abrir el relato del quehacer pictórico y del montaje en video. Me interesa pre­star especial atención a cómo surge la imagen a través de capas de sedimentación, que al igual que el paisaje se acumulan gesto tras gesto, paso tras paso, imagen tras secuencia.

Partiendo de una mirada romántica los óxidos se funden con las betas de las rocas y me siento observadora y confidente de esta naturaleza… busco emplazar prob­lemáticas de orden geográfico y documental para expandir mi reflexión sobre el paisaje en un territorio concreto. Y de esta manera sugerir una narración donde la experiencia revele concep­ciones simbólicas para asumir la naturaleza parte de nuestro ter­ritorio. Una excusa para entrelazar mi vida a esa montaña. Y quizás así volver a nociones ancestrales que conciben el territorio parte del propio cuerpo.

 

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Del paisaje Romántico al paisaje Global

 La imagen de un sujeto que posa su mirada en el infinito, su presencia de espaldas ante nosotros y su figura dispuesta al más allá trae inmediatamente la referencia romántica de Caspar David Friedrich, en la cual el individuo absorbido en su interior encuentra un posible regocijo en el paisaje exterior. La vigencia de este recurso trae de nuevo preguntas sobre nuestra relación con el paisaje, donde la pérdida de aquel estado ideal de fusión con la naturaleza es más que evidente. Este referente abre un espacio para observar la distancia y ubicarse en el límite que esta separación evoca.

Rafael Argullol (2000) describe esta mirada, la del sujeto sobre el entorno “como contradictoria mirada al infinito” la cual seduce y a la vez inquieta. La atracción del abismo, título del libro donde el autor reflexiona sobre la pintura romántica, define esa fascinación por la naturaleza pero al mismo tiempo el drama de su separación, pues según el autor, el paisaje trágico exhibe la incisión entre el hombre y la naturaleza, idea que atraviesa todo el libro:

“..el paisajismo romántico, lejos de ser una genérica “pintura de paisaje”, es, primordialmente la representación artística de una determinada comprensión –y aprehensión- de la Naturaleza. En otras palabras, la Naturaleza, tal como la ve o mejor dicho , la interpreta y expresan los pintores románticos no es puramente un marco físico al que se accede mediante una descripción de su corteza, de su epidermis, sino, al contrario, un espacio omnicomprensivo, profundo, esencial, con valor cósmico más, asimismo, con valor civilizatorio”

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En esta introducción quiero abrir la reflexión a la validez de esta imagen para representar la relación del hombre con la naturaleza dentro de un contexto global, en el cual el territorio es cada vez más cercano y a la vez más ajeno y políticamente más complejo. Un sentimiento común de desterritorialización aparece. Migración, desplazamientos, desigualdad, turismo, viajes, producción, contaminación y consumo desmesurado han generado una movilidad inevitable y vertiginosa; causando la pérdida de raíces, un territorio extraño, sucio y sublime.

Como afirma Anna Maria Guasch (2016, p 27) el paisaje Global plantea “una nueva manera de concebir y ordenar el mundo”, un mundo que deja de ser infinito al perderse en la línea de horizonte para ser agarrado entre las manos. Un globo mayoritariamente caminado, habitado, explorado, cartografiado, explotado hasta un nivel que quizás nunca antes llegamos a creer. Se concibe el mundo como un globo, al cual le damos vueltas a nuestro antojo. Esta concepción trae nuevos órdenes geo- políticos y multiculturales, donde la diferencia y el éxodo promueven la continua lucha por el territorio. Esto genera muros y fronteras visibles e invisibles de acuerdo a diferencias de capital, de raza o de religión.

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El paisaje global es nuestra obra colectiva, es la tierra que labramos. Es la era del hombre sobre la naturaleza, es la fuerza humana que transforma el globo; el Antropoceno, el nuevo panorama, es consecuencia de nuestro hacer, es la evidencia para nuestros sentidos de una situación en riesgo cada día es más crítica y abismal. Davis y Turpin, introducen el libro: Art in the Anthopocene(2015), uno de los primeros proyectos editoriales y compilador que intentan esclarecer desde diversas perspectivas la relación del arte con esta nueva era geológica:

En primer lugar, argumentamos que el Antropoceno es principalmente un fenómeno sensorial: La experiencia de vivir en un mundo cada vez más reducido y tóxico. En segundo lugar, la forma en que hemos llegado a comprender el Antropoceno ha sido frecuentemente enmarcada a través de modos visuales, es decir, a través de la visualización de datos, imágenes satelitales, modelos climáticos y otros legados de la “tierra entera”. Tercero, el arte proporciona un sitio poliárquico de experimentación para “vivir en un mundo dañado”. (Davis y Turpin, C. 2015, p 6)

Esta es la concepción de territorio que me interesa indagar, en la mirada que está dispuesta a asumir esta responsabilidad con ánimos de encontrar alternativas a la distancia. Una mirada que pareciera tomar conciencia de lo que significa aquella separación. Una atención al estado actual quizás de culpa o de fervor individual por lo natural.

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Me interesa abrir el espacio temporal de la contemplación tanto del paisaje exterior como el paisaje interior a través de la mirada que reconoce la distancia y busca formas poéticas para concebir y aprehender la naturaleza parte del propio cuerpo. Una nueva manera para concebir la naturaleza, no fuera ni distante sino parte de nuestro propio sistema orgánico. De esta manera se concibió el Anthropocene Project Proyecto colectivo entre artistas y científicos en la Haus der Kulturen der Welt de Berlín en la cual:

“La naturaleza ya no es una fuerza separada de la actividad humana, la naturaleza no es un obstáculo, tampoco un armonioso otro. La humanidad forma la naturaleza. Humanidad y naturaleza son una misma cosa, incrustada en el registro geológico reciente” (Guach, 2016, p212).

Peña cacias

El video del ascenso a Peña Cancias lo concibo como un territorio de viaje y superación , ya que padezco Fibromialgia severa, eso me obliga a descansar a menudo y contemplar el territorio y su historia con calma , hasta hacerme confidente de las piedras, las texturas …el rio que fluye….

Esa mirada personal de atmósferas a través de una experiencia al interior del recorrido, será el espacio donde se tracen narrativas tanto geográficas como ecológicas hacia un espacio simbólico de afectos. Un ejercicio de representación donde el tiempo pueda abrir el relato del viaje a las capas del paisaje. Busco abrir preguntas sobre diversas concepciones de ese territorio y emplazar problemáticas de orden concreto, como el deshielo de los nevados, la curiosidad por lo inhóspito, historias locales y ficciones personales que se tejen alrededor de la Peña . Y de esta manera sugerir una narración pictórica donde la experiencia revela diversos vínculos con el territorio. Una excusa para entrelazar mi vida y mis dificultades a esa montaña y quizás así volver a nociones ancestrales del paisaje que conciben el territorio como parte de nuestro propio cuerpo.

 

Procesos comparados- Cézane-Hokusai

Inexorablemente el motivo de la “montaña” obliga a estudiar a Paul Cézanne : A sus 80 pinturas del natural de su montaña mítica; obras que denotan cierta anomalía característica de la contemplación del paisaje francés del siglo XIX.y a comprender la importancia dela liberación del color Vs las formas básicas en 3 dimensiones . Pero como no a Katsushika Hokusai y su liberalismo pictórico en el SXIX. El Monte FUGI y le Montein Sainte-Victorie siguen siendo los iconos pictóricos de la imagineria visual de la “montaña” en la história del arte

El paisaje y en especifico la “peña” -ni siquiera una montaña- , surge como imagen representativa, pera de crear una relación simbólica con el territorio, es una excusa para sumergirse en el proceso pictórico, en un concepto formal y liberador de las formas versus el tema “la montaña” desde diferentes lugares y den diferentes épocas de año. Esto me permite hacer un recorrido espacial y temporal a trvés de la “Peña “

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Su materia pesada y su color me inquieta. Y su atmósfera y nieblas me atrapan. En la distancia el paisaje se presenta como excusa, para pintar y filmar aquello que me conmueve y asusta. El vértigo de la altura y su hostilidad. Ello otorga a su ascensión en mis condiciones un ejercicio de peregrinaje y reverencia a su naturaleza. Po eso propongo elaborar una filmación que se ajusta a la propuesta en estratos como mi pintura y sus óxidos para componer imágenes en movimiento” moving” que no estática naturaleza de la humanidad en estos momentos. En el momento que los los movimientos se encuentran y contrastan, lo estático de la imagen chocará con el dinamismo de la ascensión y en estas imágenes superpuestas flotará la DUALITAT entre lo que es natural y cambiante asi como la capacidad de capturar el momento que ya pasó. Que ya es recuerdo.

Este proyecto no es solo dedicado a la Peña Cancias, sino a la acción entregada de Cézanne a su montaña o a la de Hokusai al Fuji (centro del mundo para la cultura japonesa) . Es un estudio comparado de procesos muy distintos pero de similares reflexiones. Quizás se trate de la necesidad de crear una imagen de aquello que es importante : el territorio de cada persona en este planeta, debería ascender a su cumbre y vivirla lejos de los pinceles ; conquistarla paso a paso y hacerla mía a pesar de la fibromialgia .

Hokusai

“Por mucho tiempo carecí del poder y del saber para pintar la Sainte-Victoire, porque imaginaba la sombra cóncava, como los otros, que no miran, mientras que, fíjese, es convexa verdad, huye de su centro. En lugar de adentrarse, se evapora se fluidifica. Participa, toda azulada, de la vibración ambiental del aire.

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“La montaña arriba y abajo. Otro hexagrama duplicado. Una montaña junto a otra, el movimiento se dirige al interior, después llega el detenimiento. En concordancia lo móvil con lo inmóvil, se da el tiempo de observación, de aquietar la espalda y meditar en ello. Desde el centro y alcanzada la quietud en el corazón, se liberan las intenciones egoístas, manteniendo el pensamiento justo en la postura presente.

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Economia Circular por Ana Couderc

Economia circular

Nuestro planeta y nuestra economía no podrán sobrevivir si mantenemos el enfoque de ‘’toma,fabrica,utiliza y tira’’ para generar crecimiento sostenible empezando por europa debemos desconfiar del modelo de desarrollo que hoy por hoy no se ajusta ya a las necesidades de un mundo globalizado, sabemos que los recursos naturales son finitos y tenemos que encontrar un modo racional de utilizarlos el desafio no solo esta en manos de las empresas sino también de los pequeños gestos del ciudadano, del diseñador , del artista, del arquitecto…

Obligatoriamente, tenemos que elegir entre matener el modelo económico lineal, que abarca desde la extracción de los recursos hasta la eliminación de los residuos, o avanzar hacia otro modelo circular, mas inteligente dirigido a ‘’cerrar el ciclo de la vida’’ de los productos, los servicios, los residuos, los materiales, el agua y la energía.

 

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Energia sostenible fotografia abstracta de descargas eléctricas obra de Ricardo Guixa Frutos 2017.

 

Como nos interesa reducir todo los posible la generacion de residuos y aprovechar al máximo aquellos desechos cuya producción no se ha podido evitar es básico y fundamental esta economía circular cuyo objetivo es el valor de los productos, los materiales y los recursos se mantengan en el ciclo productivo durante el mayor tiempo posible, es decir que las botellas reciclen, que el algodón se recicle…

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Bamba hecha a partir de materiales reciclados como el yute o pneumaticos

 

La economía actual sigue el esquema de tomar, fabricar, consumir y eliminar, Lo cual implica una perdida significatva de recursos y genera una gran dependencia de las materias primas.

 Si nada cambia y no actuamos se agotaran todas las fuentes de suministro tarde o temprano. Algunas predicciones apuntan a que en el siglo XXI el crecimiento de la población llegara a 9.700 millones de personas en el 2050 asi que el aumento de consumo per capita aumentara la desigualdad social, la pobreza, la degradación del medio ambiente y el uso insostenible de los ecosistemas. Si no queremos hipotecar el futuro de las próximas generaciones tenemos que modificar nuestra forma de producir y consumir por ello y aunque ya hemos cambiado el chip, debemos pasar a la acción, diseñadores, arquitectos y empresas deben apuntarse al nuevo modelo y promover formas mas innovadoras y eficientes de producir y consumir, asi ayudaríamos a preservar los recuros, reducir el impacto ambiental de los procesos económicos, inyectar valor a los productos de desecho y ofrecer a los consumidores productos mas duraderos y innovadores, ello contribuiría al ahorro de las familias.

 

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Iglu hecho a partir de neveras recicladas, para promover el consumo de unas mas eficientes.

 

Ademas estas actividad emergente es también creadora de riqueza y empleo, EcoEmbes(la organización sin animo de lucro que se dedica a la recuperación de envases en toda España), quisiera aplicar una normativa especifica que crearía mas de 400.000 empleos en la Union Europea, 52.000 de ellos en España y como plus supondría un ahorro de 480.000 millones de euros, lo equivalente a entre el 3% y el 4% del PIB Europeo.

 

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Ricard Guixà Frutos 2017

 

La Economía circular no solo es deseable sino que, de alcanzarla constituiría uno de los mayores éxitos alcanzados por el ser humano a lo largo de su historia, os puede interesar también la Federación Española de Recuperación y Reciclaje (FERR) la principal organización de reciclaje de residuos en nuestro país.

 

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‘’Quien algo quiere algo le cuesta’’

 

La economía circular se lo merece, porque como toda transformación profunda exigiría que tanto organizaciones como ciudadanos pongan de su parte, es importante que desde el momento de la fabricación, los productos o materias primas sean ya reutilizables, reparables, actualizables y una vez convertidos en residuos sean reciclables.

La industria tendrá que minimizar las sustancias nocivas de los materiales para reducir su impacto sobre la salud y el medio ambiente. La industria textil y farmacéutica debe informar a los consumidores de forma clara y transparente sobre las características de lo que nos llevamos a casa: si es reparable o no, donde encontrar piezas de recambio etc etc… con estos datos los ciudadanos seremos conscientes de las consecuencias de sus elecciones y impulsaremos el avanza hacia una economía circular.

 

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Tinte natural sobre seda de Ana Couderc a partir de cochinilla, granada etc..

 

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https://www.instagram.com/p/BUj263tgIvw/

En el próximo post os daré un par de consejos para que os atrevais a pintar sobre seda http://www.materialesbellasartes.com/pintura-para-tela ya que por naturaleza los artistas sufren o padecen el sindrome del aislamiento, como resultado de este individualismo a menudo se encuentran inventando la rueda, porque carecen de la destreza profesional y la informacion tecnica o contactos necesarios para avanzar en esta especialidad. ACAI Sabadell y sus intensivos de Julio proponen de la mano de la Doctora Ana Couderc mejorar y evolucionar y mantenerte al corriente de los ultimos tintes y los ya conocidos.

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Pátina con sulfuro potásico

Pátina con sulfuro potásico

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En el taller de ACAI se sabe cuando hemos usado sulfuro de potasa porque huele a huevos podridos. Aunque la ventilación sea la adecuada, es lo que tiene trabajar con este producto. Claro que a los artistas no les afecta o resisten el hedor porque es superior la expectativa de los resultados. Esos colores envejecidos sobre el pan de oro , la plata o aleaciones de acero plateado- son bellísimas, nos evocan a las betas de los minerales, al paso del tiempo, y coincidiréis conmigo en que poseen una elegancia WABI SABI .

Puede ser divertido y espontáneo, por un lado e impredecible por el otro. El sulfuro te da sorpresas…sorpresas te da la vida….
De hecho llevo investigando 10 años y os ofrezco una serie de experimentos para no perdáis el tiempo: soluciones, recetas, y las respuestas a algunas de las preguntas más frecuentes acerca del uso con el metal.
Con un poco de conocimiento también te sentirás menos intimidado, y una vez que te das cuenta de que la pátina se puede quitar, podrá sentirse libre de experimentar sin preocuparse por arruinar una pieza que ha pasado horas creando.

El sulfuro de potasio, es un colorante químico utilizado para poner una pátina sobre el metal. Se presenta en forma líquida o sólida.

El líquido se puede utilizar directamente de la botella. El sólido se llama “LOS” y se vende generalmente en pequeños trozos, que se mezclan con el agua según sea necesario. El que viene en formato líquido tiene una vida útil de 2 meses, si tienes suerte.
Por esta razón, prefiero comprar el sólido y hacer mi propia solución, mezclando sólo lo puedo usar en una sola sesión.
Yo lo guardo en un recipiente opaco y hermético, y marco el frasco con mucha claridad, deben ser almacenados en un lugar seco, oscuro, porque el aire o la luz lo va a debilitar.

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Hígado de Azufre (sulfato de potasio)

Materiales:

-Azufre (sulfuro de potasio)

-Agua (destilada)

-Bicarbonato sódico

-Jabón

-Un trapo o papel de cocina.

-Guantes y delantal de plástico.

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Receta

Cazuela vieja o recipiente de cristal, para ver la ebullición.

Cuchara de plástico para mezclar.

Un pedazo de hígado de azufre sólido de mas o menos un centímetro.

Pote de vidrio o plástico hermético.

Para mezclar tu propia solución, poner la masa en un recipiente con agua caliente a unos 70 grados y revuelva.

El color de la solución debe ser de un color amarillo muy pálido.

En esta concentración, tendrá un mayor control sobre los resultados.

Una solución demasiado fuerte puede provocar una reacción del metal tan rápida que es posible que no pueda controlarla.

Otra posibilidad que acelera los tonos negros es mezclar en una cazuela –sólo destinada a este uso de potingues químicos – agua con un poco de Azufre, a temperatura de ebullición. Para acelerar la coloración se puede:

-Usar mas o menos calor

-Mas o menos concentración de sulfuro de potasa.

Investiga a priori con objetos pequeños o chapas de diversas aleaciones y anota el proceso y resultados. Las imágenes del móvil serán tu mejor aliado para reproducir y controlar resultados y coloraciones.

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Detalles de ejecución

“LOS” indiscriminadamente afectará a todos los metales. Por eso se requiere mucho cuidado con los elementos usados con estos químicos ya que cualquier contacto con una joya o metal que no sea deseado, le provocará una pátina también.

Aunque no necesites herramientas especiales o equipos, es posible que desees establecer reglas lógicas en el estudio para evitar la contaminación de otros artículos y proyectos. Una estantería no metálica (por razones obvias) para almacenaje de botes bien etiquetados con su fórmula y fecha de elaboración. Otra estantería para recipientes de plástico , -Aquí en ACAI usamos las cubetas de fotográfia mas viejas, a modo de reciclaje. Y la parte inferior los sacos y latas de polvo de hierros, de bronce, de cobre, latón etc…así como la cal en polvo, la piedra pómez o la escayola.

OJO, los productos antagónicos que NUNCA debes mezclar como el amoniaco y la lejía debes mantenerlos a una distancia prudencialmente opuesta. Recuerda LEJÍA al lavabo…amoniaco a la estantería de ácidos y corrosivos.

Hay varias maneras de trabajar, pero recuerda esto, el secreto para “controlar el proceso” es la temperatura a la que se trabaja, junto con la concentración de la solución. Como se dije antes, la solución debe ser de color amarillo pálido para un mejor control. La temperatura afecta la rapidez con que los colores se “desarrollan” Cuanto más caliente se trabaja, más rápidamente que los colores se moverá del claro al oscuro. El proceso es más o menos de la siguiente manera: oro, rosa, magenta, azul, púrpura, gris bronce y negro.

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El sulfato está activo siempre o sea apenas ponga la pieza dentro comenzará a colorearse.

Para acelerar la coloración, puede ser por calor o por concentración. Yo prefiero el calentamiento de la pieza porque me da más control.
Calentar si es necesario con soplete, hasta que esté entre tibio y caliente, y luego sumergirlo en la solución LOS.
Vamos a observar el color durante un par de segundos, luego retiras y pones en el agua fría para retardar el desarrollo. Repite esta progresión hasta llegar al color deseado.

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Recordatorio

Se pueden pintar sobre el cuadro preparado con polvo de hierro cobre , bronce u aleaciones ; piezas o esculturas, con brocha o pincel, o bien usar la técnica de inmersión (usando siempre unas pinzas y guantes, o grúas y mono innifugo….) en lugar súper mega ventilado.

 

Agente de paro: el bicarbonato sódico

Por último, enjuagar la pieza en agua jabonosa con bicarbonato de sodio diluido para eliminar cualquier residuo que pueda seguir desarrollándose. La manguera o la “Vaporeta “ son una alternativa para piezas de gran tamaño. (Nota: no frotar la pieza con una pasta de bicarbonato de soda y jabón o una mezcla espesa, porque la al ser sales abrasivas eliminará pátina.) y no lo queremos, ¿verdad?.

Body art, la danza y el cuerpo

Body art, la danza y el cuerpo

Yves Klein 28 de abril de 1928 – 6 de junio de 1962

Empezare hablando de los ‘’pinceles vivientes’’ de Klein.

De Yves Klein -el hombre que invento el color azul Klein- que en realidad era azul ultramar, o de la controversia que ha vuelto a surgir con Anish Kapoor ya que quería agenciarse para el solito ‘’el rosa mas rosa del mundo’’, vamos a centrarnos en su técnica body art porque se basa en la acción painting donde las modelos eran ‘’pinceles humanos’’. En si, esto no tiene nada de feminista pero este artista neo dadaísta aficionado a los gestos grandiloquentes y al espectáculo deleito en los convulsivos años 60 con sus happenings como por ejemplo ‘’antropometrias en la época azul’’

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Tal vez su performance más notorio tuvo lugar en marzo de 1960, en la inauguración de su exposición “Antropometrías de la Época Azul” en París. En esa ocasión Klein apareció ante el público vestido con un frac blanco, dirigiendo a tres modelos desnudas que se cubrían con una pintura azul pegajosa.

Mientras tanto, nueve músicos tocaban su Sinfonía monótona-silencio, que consistía en una sola nota interpretada durante 20 minutos, seguida por otros 20 minutos de silencio. Los cuerpos de las modelos pintadas eran impresos en un lienzo blanco, lo que Klein describió como “pinceles vivientes”.

“El genio de Klein es cada vez más evidente”, dice Catherine Wood, curadora de arte contemporáneo y performance del conocido museo londinense Tate Modern. “Ha sido tildado por algunos historiadores de arte como un charlatán o, debido al uso que hacía de modelos desnudas, como convencional y sexista, pero sus estrategias eran juguetonamente críticas y han adquirido una influencia significativa para las nuevas generaciones, Se podría decir que era un bromista crítico como Duchamp”.

Otro enfoque podría presentarnos un Klein que se mueve en torno a conceptos influenciados por la filosofía zen, que él mismo describe como “le Vide”, “the Void” en inglés (el vacío). El “le vide” de Klein es una especie de nirvana que es “mudo” o posee pocas influencias de las palabras; se trata de una zona neutral donde uno mismo está inspirado a prestar atención sólo a sus propias sensibilidades, y queda expuesto a la “realidad” como oposición de la “representación”. Klein presenta su obra en formas que son reconocidas como arte ―pinturas, un libro, una composición musical― pero se encarga de eliminar el contenido de tal forma que se pueda realizar: cuadros sin pintura, libros sin palabras, composiciones musicales sin música, permaneciendo tan sólo la cáscara, tal y como si estuviera allí el arte. De esta forma Klein intentó crear para la audiencia sus “Zonas de Sensibilidad Pictórica e Inmaterial” y evitaba representar los objetos de una forma subjetiva o artística. Klein deseaba que sus obras se representaran por la huella que habían dejado: la imagen de su ausencia.

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El trabajo de Klein tiene referencias fuertes a los contextos teóricos/arte-históricos así como a la filosofía/metafísica, y su trabajo de alguna forma ayudó a combinar todos ellos. El intento fue claro: empujó a la audiencia y al público en general a experimentar un estado donde una idea pudiera simultáneamente ser “sentida” así como “comprendida”.

Kazuo Shiraga 12 de Agosto, 1924 – 8 de Abril, 2008

Kazuo Shiraga, fue un artista japonés mayormente conocido por sus practicas de pintura performativa. Estuvo muy influenciado por el movimiento Expresionista americano. Es muy común ver comparaciones entre Kazuo y el drip de Jackson Pollock, pero Kazuo Shiraga tenia una practica que requería más texturas mejoradas y grosor general de la pieza.

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En 1955, Shiraga creó su pieza más famosa, llamada The Callenging Mud. No usó nada más que su propio cuerpo, girando y retorciéndose en un montón de barro, registrando todo el proceso para convertir su método en una variante del arte de performance.

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Las obras basadas en la performance del grupo Gutai ampliaron el informalismo y la action painting hasta transformarlos en actos rituales de agitación.

De Kazuo debemos resaltar también el concepto de pintura como experiencia ya que su cuerpo es la expresión máxima del pincel como en el caso de Klein, indaga en las posibilidades del color, la materia y el movimiento, siendo el lienzo el único limite de un arte tan vivencial

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Shigeko Kubota 2 de Agosto, 1924 – 23 de Julio, 2015

Con formación en escultura en la Universidad de Tokio y posteriormente en la New York University y en la New School of Social Research, en Nueva York. Kubota desarrolla sus primeras obras a partir de los años sesenta, que incluyen vídeos, performances y videoesculturas. Entre las performances de Kubota, se destaca “Vagina Paiting” (1965), presentada en el contexto del “Perpetual Fluxus Festival”, en la Cinemateque, Nueva York.

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Los primeros vídeos de Kubota reflexionan sobre las relaciones entre Occidente y Oriente a través de la construcción audiovisual en forma de diarios. El primero de la serie es “Europe on 1/2 inch a day” (1972), una visión muy particular de la Europa en los años setenta. Es participante activa del Movimiento Fluxus en los años sesenta, influenciada sobre todo por las ideas de Marcel Duchamp y John Cage, a los que dedica el vídeo “Marcel Duchamp y John Cage” (1972) y la videoescultura “Duchampiana: Nude Descending a Staircase” (1976).

Además, como otros videoartistas en los años setenta, se interesa por la manipulación de la imagen electrónica a través de sintetizadores como, por ejemplo, en el vídeo “Video girls and video songs for Navajo sky” (1973). En 1972 organiza junto con las artistas Charlotte Moorman, Susan Milano y Steina Vasulka, entre otras, el primer festival de vídeo femenino, en el espacio The Kitchen, en Nueva York.

La obra de Kubota es exhibida en diversos festivales y muestras internacionales, como en las ediciones sexta y octava de la documenta, en Kassel y en la Bienal de Venecia (1990).

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Carolee Schneemann 12 de Octubre, 1939

Carolee Schneemann es una artista visual estadounidense, conocida por sus discursos sobre el cuerpo, la sexualidad y de género. Su obra se caracteriza principalmente por la investigación de las tradiciones visuales, los tabúes, y el cuerpo del individuo en relación a las entidades sociales. Sus obras se han exhibido en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, y el London National Film Theatre. Schneemann ha enseñado en varias universidades, incluyendo el California Institute of the Arts, la School of the Art Institute of Chicago, la Hunter College y la Universidad Rutgers, donde fue la primer profesora de arte contratada. Además, ha publicado ampliamente, produciendo obras, tales como Cézanne, She Was a Great Painter “Cézanne, fue una gran pintora” (1976) y More than Meat Joy: Performance Works and Selected Writings “Más de carne Alegría: Obras de rendimiento y Escritos seleccionados” (1997).

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Las obras de Schneemann se han asociado con una variedad de clasificaciones de arte como Fluxus, Neo-Dada, Beat Generation, y Happening, ni mas ni menos.

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En este espacio descubriréis mucho mas arte relacionado con el cuerpo con su máxima intensidad relacionada con la experiencia de pintar con el cuerpo pero también con la experiencia participativa de grupos de personas neófitas en estas artes. El yoga, la danza y la respiración pueden ser un aliado importantísimo para expresar el abandono de las tensiones o las pasiones mas secretas. Hay quien lo llama Arterapia, atentos al próximo post.

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ARTERAPIA COMO HERRAMIENTA DE PEDAGOGIA III

La realidad es simultanea: las imágenes revelan que somos seres holográficos, que vivimos múltiples historias, muchas veces nos quedamos atrapados en una visión de nuestra personalidad y perdemos la riqueza de nuestra multiplicidad. De esa forma perdemos también flexibilidad, espontaneidad y creatividad.  A continuacion os mostramos unos ejemplos muy sencillos de la manipulcion del papel para transformar sus dos dimensiones en tres.iomages Desde hacer una pelota a representar la belleza en una rosa. Acai Sabadell

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Las personas que no consiguen expresar sus miedos se bloquean y con ello pierden las tres cualidades ya nombradas, en el caso de los niños que han sufrido acosos o tragedias bélicas al principio necesitan retroceder y representar la escena del pasado en la que pueden expresar sus conflictos

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El miedo distorsiona: El miedo distorsiona nuestra visión del mundo, así que las imágenes que manifiestan enfermos mentales al principio son formas aterradoras. Veo la imagen como si la hubieran metido en el fondo de un armario oscuro como si fuera ropa abandonada sale por primera vez, y esta arrugada y enmohecida. Esto hace de esa imagen que parezca maligna, diabólica o enfermiza. En realidad lo que nos parece extraño es lo que tortura al paciente. De todas formas el dar forma a una imagen y contemplarla como testigo es arterapia ya que comienza el proceso de deshacer las distorsiones con perseverancia, conseguir que salga la bestia que llevamos dentro es un principio de liberación

Os compartimos un articulo sobre pinturas hechas por enfermos mentales.  Link

Una discapacidad que provoco un don en Judith Scott

 El caso de Judith es excepcionalmente positivo porque la intención dota de facultades y es un ejercicio de superación pero sobretodo tenemos ante nosotros una artista que goza de la escultura que tiene un sentido no practico ni figurativo pero si constructivo (ha diseñado sus propias técnicas, ata, envuelve y vuelve a atar, asi sucesivamente y no concibe la obra acabada hasta que se le ocurre empezar de nuevo otro objeto que envolver.

Tener una clara intención de lo que queremos hacer incluso de una forma muy general pero muy activa, y perseverante hace que sea muy efectivo el proceso de creación escultórica ella no puede expresarse con palabras pero necesita acción y material para manifestarse por eso no dejes cerca de sus ojos un bolso o unos zapatos porque como un gusanito de seda lo integrara en su obra y nunca mas lo vas a ver. Si le preguntas ‘’quiero saber el significado de esa imagen’’ su respuesta es muy sencilla, ‘’soy yo’’ lo cual demuestra que el arte le ha servido para transfigurarse.

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La atención transforma: Actuar sobre la materia y vivir con ella disfrutar de cada hallazgo para esconderlo y rellenar su escultura, sin otra intención que envolverla, es catártico. Cuando la ropa no esta arrinconada en un armario, la vida vuelve a fluir a través de ella en atención a Judith Scott le dedicamos esta canción para que siempre sonria y reclame lo que quiera del presente.

 

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Sus obras son una extension de ella misma. Y las quiere por encima de todo.

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ARTERAPIA COMO HERRAMIENTA DE PEDAGOGIA II

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Textura visual obtenida a partir de la luz por descargas electricas. Una obra de Ricardo Guixà

Un arte existencial: Es un arte que parte de la conciencia pero que no es consciente de la técnica sino que trabaja de forma intuitiva, a veces empezamos sin orden ni concierto.Otras requerimos la comprension de la tecnica, para olvidarnos de ella y automatizar nuestra experiencia del arte.

Solo para que quede claro distinguiremos entre las texturas visuales y las texturas reales. Las texturas visuales se pueden obtener desde la tecnica de frotage (frotando sobre una superficie rugosa) o podemos visualizarlas a traves de la fotografia. El caso que os muestro primero es una fotografia de Ricardo Guixà, que obtiene estas texturas visuales a partir de descargas electricas, es un ejemplo de como el arte de la casualidad controlada se convierte en un efecto de energia. Por otro lado debemos diferenciar las texturas reales tal y como son, por ejemplo la corteza de un arbol, el mimbre de una silla, la rugosidad de una pared o la urdimbre de un saco de yute o rejillas de cualquier material. Vamos a experimentar sin complicaciones, de forma aleatoria y frotar sobre cualquier superficie con ceras.

Me voy a explicar, propongo experimentar la transferencia de texturas sobre folios.

Textures inorganiques (hurdimbre plastico)                                                                                                Textura Organica, hecha por la mano del hombre (hurdimbre caña)

 

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Textura real de piedra organica                                                                                                  Textura de ramitas organica

 

Se trata de levantarse de la mesa ,de circular y descubrir el entorno a través de sus texturas. Para ello necesitamos ceras de colores y utilizar el color por el color, es decir, porque si, porque me siento mas atraído por el rojo, como las fichas del parchís. Una vez tenemos recopiladas muchas texturas de las paredes, arboles, de las sillas, de tramas de mallas, de tierra. Estas las compartiremos en una mesa común y desde ese desorden o caos jugaremos con la fibra del papel rasgando o por ejemplo arrugando y pintando por encima la superficie arrugada, esa locura de texturas sin concierto será el punto de partida para la creación de imágenes o labor de creación que con frecuencia es el punto de partida del arte. No hay buen ni mal arte: Bellas Artes, decoración bonita o elegante, o decorativismo.

Proceso de rasgado

Todos esos términos hablan de un producto terminado, las imágenes, sin embargo son un idioma universal. Las experimentamos continuamente en los sueños, en la mente, cuando escuchamos música, leemos un poema, cuando nos acarician, cuando percibimos un aroma que nos evoca un recuerdo. Tenemos incluso imágenes de personas o lugares que nunca hemos visitado.

La técnica de collage será el camino que dará forma a nuestras imágenes, la superposición o separación que dejamos entre los pedazos rasgados (sensación de dolor), darán forma a una imagen personal abstracta o no, hay quien montara un circulo, otra separara mucho los pedazos insistiendo en la idea de fractura o superpondrá los papeles en función de la trama creando un patchwork de creación personal desafiando las leyes estrictas del arte figurativo. Muchas personas se bloquean al iniciar el proceso por eso es interesante desarrollar esta experiencia en grupo. O se preguntan que hare con el resultado, me lo van a criticar? Hay un montón de dibujos mas bonitos que el mío… Pero y que pasa si me gusta que el proceso de crear imágenes sea sin condicionamientos, sin prejuicios solo para expresarme; El arte tampoco exige que uno cambie su vida, será el valor que tu des a tus imágenes y el gozo que produce aprender lo que aporte algo a tu vida.

 

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Texturas reales, aqui os aporto una seleccion de algunas de las texturas reales que hemos experimentado en ACAI Sabadell a partir de procesos quimicos, como oxidos de cobre, hierro, tecnicas de drippin, con el unico objetivo de crear texturas organicas. Algunas de las texturas tienen un gramaje muy pequeño y otras un volumen considerable, como ramas pegadas, carton o trozos de madera que aportan a la obra una tendencia a la tridimensionalidad.

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Textura visual decapado sobre fotografia. Proceso analogico.

 

 

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Pieza de tela convertida en bronze. Textura real de la serie Dialogos sobre la Mujer 2016.

Arterapia I

Arterapia como herramienta de pedagogía.

 

-No hay barrera, cerradura ni cerrojo que pueda imponerse a la libertad de mi mente-

Virginia Wolf

 

El arterapia es una herramienta que a través de la pintura, el dibujo y la fotografía describe un viaje hacia uno mismo, hacia el autodescubrimiento y por tanto es un camino de encuentro con el alma. En la expresión artística…

Para encontrar ese camino de liberación no es preciso ser un artista consumado si bien todas las personas somos diamantes en bruto y tenemos alguna habilidad particular que podemos descubrir a través de ciertos ejercicios cultivando así nuestra riqueza creativa. En los próximos tres posts os orientare a través de técnicas matericas, de pintura y escultura. Lo menos importante será ‘’la calidad del resultado’’; puesto que lo que nos importa es la experiencia en si, ósea el proceso de autoconocimiento, de autoexpresión y llámese como se le quiera llamar la conexión con nuestro yo profundo.

Yo Ana Couderc doctora en Bellas Artes os explicare alguna experiencia hecha en la universidad de Bellas Artes de la asignatura de experimentación de segundo, pero también dibujos, manchas y esculturas de niños de 8 a 12 años.

 

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Vamos a experimentar con materiales:

El desconocimiento de las técnicas de escultura, no impide sino que constituye la esencia del proceso de creación artística este tipo de conocimiento no intelectual nos lleva a la creación a través de la emoción y del cuerpo, el ejercicio siguiente parte de un cubo de barro, y el ejercicio según la propia personalidad de cada persona es llegar a encontrarse a gusto con los misterios y la manipulación mediante el cambio.

Es decir que nos gustaría transformar este cubo de barro de 12×12 cm por ejemplo (es abarcable con las manos), en otra cosa.

 

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Creamos una atmosfera en la mesa de confianza en el proceso, propongo objetos para su manipulación, desde cuerdas, trozos de madera, cucharas, la suela de un zapato, mallas de la cebolla y damos a entender que todo es posible, estrujar, cortar, extraer o añadir (técnica de adición). El proceso de creación nos arrastra libres del pensamiento o del juicio consciente y uno mismo se centra en motivos y sentimientos misteriosos como el dolor, la rabia, la desesperación, el anhelo, la esperanza o el miedo. Las tensiones personales o crisis familiares se trasladan al objeto. El dejar huella y saber que se puede seguir cambiando y modelar de nuevo nos libera de todo compromiso el resultado no lo valoraremos según criterios estéticos sino como imagen mental (realidad interior).

De forma muy similar podemos experimentar con un cubo de gomaespuma de colchón (12x12cm). Algunas personas que sentían que su vida era marginal o incomoda tras experiencias como estas que empiezan por la respiración y una música relajante han comentado que obtuvieron sensación de calma, estado muy necesario para que la vida tenga sentido así que plantéate el arte es mi forma de saber quien soy

 

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No creo que el arte cure ni que repare, lo que hace es restaurar la conexión con nuestro yo interior que siempre esta esperando ser escuchado, en los hospitales por ejemplo este ejercicio seria muy adecuado siempre que se le proporcione al paciente los mas cotidianos elementos para su manipulación pajitas de beber, esparadrapo, tijeras etc.

El proceso de utilizar materiales y luchas con sus cualidades y limitaciones inherentes es un terreno maravilloso para resolver dificultades propias.

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 HOMENAJE   A   LAS   MUJERES   ARTISTAS   II

 

 

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 Ana Couderc 2016

 

Con frequencia banalizamos el paradigma de belleza de la feminidad y nos disfrazamos para ejercer un poder magnético sobre los hombres o mujeres.

Para introducir el tema desde un punto de vista epistemologico, os invito a visitar estas paginas.

 

 

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Maniqui*

Ana Couderc 2016

Me quejo y con razón del maltrato psicológico  de las empresas que nos tienen cogidas por el mango (de la sarten) si pides media jornada, no estas dando el 100% en la empresa. Si sales de una reunión porque los pechos te explotan por la lactancia, estas desatendiendo y priorizando a la familia (tema que no se contempla) personalmente nunca he tenido una baja por maternidad, aunque seguramente a mi marido se la hubieran dado 6 meses. Y aunque me invitaron desde la universidad a dedicarme a mis hijos me reclamaron a los dos años porque echaban de menos mi experiencia y mi talante. Los hombres lo tienen muy difícil, deben demostrar ser valientes, altos, atléticos, positivos, modernos y empáticos con sus jefes. Las mujeres debemos conformarnos con que se nos tenga en cuenta como un favor ya que somos el sexo débil. Y nuestro reto es volver a casa enteras para hacer una segunda jornada de trabajo. Cuando en mexico me decían las mujeres que trabajaban como directivas en Cemex con hombres a su cargo, que la mujer mexicana era 99% corazón, se referían exactamente a que ante la igualdad en el trabajo no se correspondia en casa ya que se sentían culpables por no atender al 100% a su familia. Donde esta el respeto… cómo no favorecer a la mujer trabajadora, si no atendemos a su instinto maternal.

Como artista aunque no activista, no puedo evitar en mis performance, cuadros o fotografias comunicar o expresar un sentimiento de protesta o revindicar la libertad absoluta de la mujer sobre su cuerpo y la igualdad en todos los aspectos con el hombre.

El arte puede actuar de instrumento portavoz de una generacion, de una cultura y hacer visible el lema…

Como educadora he tenido la oportunidad de educar en feminismo en todos los ambitos desde la universidad al hogar, desde moda (ESDI) a bellas artes (BBAA San Jorge) y en la asociacion ACAI. Porque hacer visible es muy eficaz y una forma directa que permite mostrar al mundo desde indignacion a compasion y revindicar esa libertad. Estas reflexiones abren puertas a la lucha y permiten procesar y razonar sobre el hecho de que en la actualidad todavia hay muchisimas mujeres alienadas por la religion, por una cultura patriarcal, machista y por el falso concepto de que la mujer es el sexo debil.

El proyecto que me ocupa actualmente es una interpretacion de los burkas como jaulas con forma humana. Un espacio vacio que presenta el vacio existencial de las mujeres en ciertas sociedades.

Para seguir el proceso de su elaboracion podeis visitar mi instagram.

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Homenaje a las mujeres artistas

Homenaje a las mujeres artistas

 

Con vértigo inicio este post para representar discriminadamente a las mujeres que han resaltado por su notoriedad en la sociedad de su momento el arte o la política. Ellas son un paradigma de eficacia y brillantez intelectual, no por eso quisiera menospreciar a todas las mujeres famosas o no, reconocidas o olvidadas anónimas, madres, o amigas. Porque ellas desde la discreción y el anonimato cuidan de nuestros mayores y crian a los niños/niñas del futuro.

 

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Remontemonos al mundo medieval de Umberto Eco, con imagineria nos transporta al tenebroso ‘’thriller’’ de la vida monacal de la edad media en un monasterio donde los monjes se dedican durante siglos a preservar la cultura y la tradición escrita. Crear pacientemente las extraordinarias ilustraciones de los códices miniados no era solo un trabajo de hombres. Aunque la novela en su mistica interpretación solo represente a la mujer como objeto de tentacion sabemos para empezar que, hasta el siglo XIII, los monasterios europeos eran complices, es decir, cobijaban —aunque en edificios separados— a monjes y monjas. Ambos sexos compartían el trabajo de los escribanos, en los talleres donde se copiaban e iluminaban los manuscritos, por los llamados emanuenses y iluminadores. La mayor parte de estos códices carecen de firma, lo que hace imposible su atribución. Pero algunos contienen sorpresas: por ejemplo, el códice de los Comentarios al Apocalipsis de Beato de Liébana que se conserva en la catedral de Gerona, es una obra maestra del género. El libro se terminó el 6 de julio de 975 en el scriptorium del monasterio de San Salvador de Tábara (Zamora), y está firmado por “Emeterio, monje y sacerdote” y “Ende, pintora (pictrix) y sierva de Dios”. Como quien dice anónimo, o tapado como un palimsesto se manifiesta el primer nombre de mujer para la historia del arte español.

 

En ese universo mayoritariamente masculino, Sofonisba Anguissola (1532-1625), que durante 13 años retrató a los miembros de la familia de Felipe II. Lavinia Fontana (1552-1614), que pintó para el Papa Clemente VIII y llegó a cobrar por sus retratos lo mismo que el gran Van Dyck. Artemisia Gentileschi (1593-1652), que ganó tanto dinero con sus espléndidos cuadros que pudo casar a sus hijas con nobles españoles, previo pago de enormes dotes. Judith Leyster (1609-1660), que alcanzó un gran éxito en Holanda. Luisa Roldán, La Roldana (1652-1704), exquisita escultora de cámara —el máximo honor de la época— de Carlos II y de Felipe V. Rosalba Carriera (1675-1757), favorita en muchos palacios e introductora de la técnica del pastel en la Francia del rococó. Angelica Kauffmann (1741-1807), que se enriqueció en Inglaterra con sus obras neoclásicas. Elisabeth Vigée-Lebrun (1755-1842), retratista preferida de María Antonieta y codiciada por la nobleza de toda Europa. Constance Charpentier (1767-1849), premiada en varios de los famosos salones parisinos de su tiempo. O Rosa Bonheur (1822-1899), famosísima en medio mundo gracias a sus cuadros de animales.

 

Casi la mitad dirige una compañía global y en total controlan alrededor de 1 billón de dólares en ingresos. No hay ninguna colombiana entre ellas.

La canciller alemana, Angela Merkel, es die nummer eins en el raking de Forbes y Hillary Clinton, ocupa el segundo lugar en este top de 2016.

Casi un tercio de estas mujeres dirige una nación o juega un papel importante en su formulación de políticas; juntas gobiernan o influyen directamente en más de 3,600 millones de personas. Casi la mitad dirige una compañía global; nueve han construido un negocio de 1,000 millones de dólares o más. En total controlan alrededor de 1 billón de dólares en ingresos.

Cuatro métricas determinan esta lista: el dinero (fortuna personal, ventas de sus compañías, PIB nacional); presencia en los medios; influencia ejercida a través de múltiples esferas, y su éxito en la realización de cambios en su organización, empresa o país.

Esta es la lista completa de las 100 mujeres más poderosas del mundo según forbes:

1 Angela Merkel
Canciller/Alemania

2 Hillary Clinton
Candidata presidencial/EU

3 Janet Yellen
Presidenta/Reserva Federal/EU

4 Melinda Gates
Copresidenta/Bill & Melinda Gates Foundation/EU

5 Mary Barra
CEO/General Motors/EU

6 Christine Lagarde
Directora gerente/FMI/Francia

7 Sheryl Sandberg
COO/Facebook/EU

8 Susan Wojcicki
CEO/YouTube/EU

9 Meg Whitman
CEO/HP/EU

10 Ana Patricia Botín
Presidenta/Banco Santander/España

11 Ginni Rometty
CEO/IBM/EU

12 Park Geun-hye
Presidenta/Corea del Sur

13 Michelle Obama
Primera dama/EU

14 Indra Nooyi
CEO/PepsiCo/EU

15 Angela Ahrendts
Senior VP/Apple/EU

16 Abigail Johnson
CEO/Fidelity Investments/EU

17 Tsai Ing-wen
Presidenta/Taiwán

18 Michelle Bachelet
Presidenta/Chile

19 Federica Mogherini
Directora de Asuntos Exteriores/Unión Europea/Italia

20 Safra Catz
Co-CEO/Oracle/EU

21 Oprah Winfrey
Empresaria/EU

22 Helen Clark
Administradora/Programa de Desarrollo de la ONU/Nueva Zelanda

23 Sotomayor, Ginsburg, Kagan
Juezas/Suprema Corte/EU

24 Marillyn Hewson
CEO/Lokheed Martin/EU

25 Arundhati Battacharya
Presidenta/Banco Central de India/India

26 Aung San Suu Kyi
Consejera estatal/Myanmar

27 Ruth Porat
CFO/Alphabet/EU

28 Anna Wintour
Directora artística/Condé Nast/EU

29 Reina Elizabeth II
Monarca/Reino Unido

30 Ho Ching
CEO/Temasek/Singapur

31 Adena Friedman
Presidenta/Nasdaq/EU

32 Irene Rosenfeld
CEO/Mondelez/EU

33 Loretta Lynch
Fiscal general/EU

34 Ursula Burns
CEO/Xerox/EU

35 Lucy Peng
CEO/Ant Financial Services Group/China

36 Sheikh Hasina Wajed
Primer ministro/Bangladesh

37 Sri Mulyani
Directora gerente/Banco Mundial/Indonesia

38 Margaret Chan
Directora general/OMS/China

39 Drew Gilpin Faust

Presidenta/Universidad de Harvard/EU

40 Chanda Kochhar
CEO/ICICI Bank/India

41 Samantha Power
Embajadora/ONU/EU

42 Pollyana Chu
CEO/Kingston Securities/Hong Kong

43 Sheikha Lubna Al Qasimi
Ministra de Cooperación internacional y Desarrollo/EAU

44 Amy Hood
CFO/Microsoft/EU

45 Beth Comstock
Vicepresidenta/GE/EU

46 Kolinda Grabar-Kitarović
Presidenta/Croacia

47 Bonnie Hammer
Presidenta/NBCUniversal Cable Entertainment/EU

48 Ertharin Cousin
Directora Ejecutiva/Programa Mundial de Alimentos de la ONU/EU

49 Laurene Powell Jobs
Filántropa/EU

50 Nicola Sturgeon
Primer ministro/Escocia/Reino Unido

51 Gina Rinehart
Empresaria-activista/Australia

52 Bidhya Devi Bhandari
Presidenta/Nepal

53 Dana Walden
Co-CEO/Fox Television Group/EU

54 Phebe Novakovic
CEO/General Dynamics/EU

55 Marissa Mayer
CEO/Yahoo!/EU

56 Elvira Nabiullina
Gobernadora/Banco de Rusia/Rusia

57 Rosalind Brewer
CEO/Sam’s Club/EU

58 Peng Liyuan
Primera dama/China

59 Nemat (Minouche) Shafik
Vicegobernadora/Banco de Inglaterra/Reino Unido

60 Mary Callahan Erdoes
CEO/Asset Management/JPMorgan/EU

61 Zhou Qunfei
Presidenta/Lens Technology/Hong Kong

62 Nguyen Thi Phuong Thao
Presidenta/Sovico Holdings/Vietnam

63 Dong Mingzhu
Presidenta/Gree Electric Appliances/China

64 Güler Sabanci
Presidenta/Sabanci Holding/Turquía

65 Lubna Olayan
CEO/Olayan Financing/Arabia Saudita

66 Susan Cameron
CEO/Reynolds American/EU

67 Donna Langley
Presidenta/Universal Pictures/Reino Unido

68 Katharine Viner
Editora en jefe/The Guardian/Reino Unido

69 Wang Feng Ying
CEO/Great Wall Motor Co./China

70 Arianna Huffington
Editora en jefe/Huffington Post/EU

71 Diane von Fustenberg
Fundadora/DVF/EU

72 Dalia Grybauskaité
Presidenta/Lituania

73 Tory Burch
Fundadora-CEO/Tory Burch/EU

74 Mary Jo White
Presidenta/SEC/EU

75 Kaci Kullman Five
Presidenta/Comité Noruego del Nobel/Noruega

76 Gwynne Shotwell
COO/SpaceX/EU

77 Kiran Mazumdar-Shaw
Presidenta/Biocon/India

78 Zanny Minton Beddoes
Editora en jefe/The Economist/Reino Unido

79 Miuccia Prada
Co-CEO/Prada/Italia

80 Folorunsho Alakija
Empresaria/Nigeria

81 Solina Chau
Cofundadora/Horizon Ventures/Hong Kong

82 Judy Faulkner
Fundadora y CEO/Epic Systems/EU

83 Ellen Johnson-Sirleaf
Presidenta/Liberia

84 Fabiola Gianotti
Directora general/CERN/Italia

85 Lynn Good
CEO/Duke Energy/EU

86 Mary Meeker
Socia/Kleiner Perkins Caufield & Byers/EU

87 Patricia Harris
CEO/Bloomberg Philantropies/EU

88 Eliza Manningham-Buller
Presidenta/Wellcome Trust/Reino Unido

89 Irina Bokova
Directora general/Unesco/Bulgaria

90 Sara Blakely
Fundadora-filántropa/Spanx/EU

91 Raja Easa Al Gurg
Directora gerente/Easa Saleh Al Gurg Group/EAU

92 Debra Cafaro
CEO/Ventas/EU

93 Shobhana Bhartia
Presidenta/HT Media/India

94 Greta Van Susteren
Presentadora/Fox News/EU

95 Heather Bresch
CEO/Mylan/EU

96 Ameenah Gurib-Fakim
Presidenta/Mauritania

97 Risa Lavizzo-Mourey
CEO/Robert Wood Johnson Foundation/EU

98 Lee Boo-jin
CEO/Hotel Shilla/Corea del Sur

99 Beth Brooke-Marciniak
Vicepresidenta global/EY/EU

100 Jenny Lee
Socia gerente/GGV Capital/Singapur

101 La doctora Ana Couderc con experiencia en la universidad de bellas artes de Barcelona y de diseño de moda, interiorismo, producto y grafico, aporta sus conocimientos también en la escuela ACAI Sabadell.

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Wabi Sabi Textil o Tejido de vida

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WABI SABI

La percepción japonesa de la belleza como hemos visto en la tradición estética y filosófica wabi sabi tiene como base la apreciación de la estética de las cosas y/o el ideal de imperfección que a diferencia de la estética occidental se expresa en elementos esenciales caracterizados por ser un objeto simple o un producto único.

Para los amantes del wabi sabi es un concepto que destaca las características de lo inacabado, imperfecto o reciclado. La naturaleza de los objetos de hecho y su belleza se revela plenamente a pesar del tiempo a través de la contemplación.

Otro antiguo concepto clave de la cultura japonesa es el Mottainai que defiende que nada se debe desperdiciar.

Esta idea es fundamental en el proceso de crear por ejemplo lo que os voy a explicar sobre los textiles Boro    de peincipios de la primera mitad del siglo XX… e incluso se ha actualizado por diseñadores de la + rabiosa actualidad y renterpretado por artistas . Estos llamados “tejidos de vida” son mucho+ que un kimono, una manta o una lámpara o una mesa…su crudeza  i espíritu MOTTAINAI  me fascina  desde el punto de vista artístico.

El objetivo es reutilizar, reciclar y respetar los materiales artesanos que reflejan este espíritu Mottainai  como vais a ver.

 

BORO O ‘’TEJIDO DE VIDA’’

El termino japonés Boro puede ser libremente traducido por ‘’drapeado’’ hecho a base de trapos. Esto designa un método ingenioso que consiste en remendar i zurcir diferentes tejidos teñidos posteriormente por separado o juntos con el tinte índigo. Esta técnica se desarrollo en todo el territorio japonés a finales del siglo XVIII hasta mediados del siglo XX.

Teniendo en cuenta que todos las vestimentas que se fabricaban a mitad del siglo XIX en su gran mayoría eran de factura rural japonesa y autosuficiente. Casi todo era cultivado y recolectado. Nada se perdía. Todos los objetos cotidianos eran reparados, reutilizados, transformados o reciclados hasta el fin de sus días. El proceso de reparación era fundamental y practicado tanto en las ciudades como en el campo.

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En el siglo XX destaca la practica de Boro o tejido de vida, apreciado por sus cualidades estéticas, en cuanto a trabajo artístico y ese ‘’plus’’ moderno. Esta reutilización y transformación de objetos y tejidos desarrollo nuevas practicas ingeniosas, capaces de servir a un bien común y de ayudar a restaurar el equilibrio de nuestro medio ambiente. Es lo que desde ACAI llamamos dar una segunda, tercera o cuarta oportunidad tanto a tejidos pobres como el saco como a objetos , muebles e incluso espacios exhauridos por el inexorable paso del tiempo.

  • Tinte indigo

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  • Tintado

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  • Prenda Reciclada

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En Japón antes de que se popularizase el algodón en el siglo XVIII los campesinos que representaban cerca del 95% de la población usaban ropas y capas teñidas a partir de plantas originarias de su país como el cáñamo, ortiga-de china, moreras, glicinias y ortigas. Porque de hecho aunque los campesinos cultivasen el algodón su utilización estaba reservada a los nobles.

El algodón era una fibra revolucionaria que absorbía muy bien el tinte índigo (un colorante a base de una planta autóctona de color azul).

El algodón era apreciado por sus características térmicas versus la paja y el cáñamo que usaban los campesinos, considerada de menos calidad pero de fácil acceso para los pobres campesinos (90% de la población Japonesa a principios de s. XX). Por eso existía todo un proceso de reciclaje que transformaba los pedazos de tejidos dañanados y desechados para ser vendidos a peso por los vendedores ambulantes. Estos comerciantes  los revendían en los puertos de la costa del norte de Japón que a su vez los hacia llegar a manos de pequeños talleres que teñían y recomponían piezas recosidas a mano con mucha habilidad i sentido de la estética. Cada tipo de zurcido tiene un nombre..cada teñido otro… pero lo siempre característico son las tonalidades aveces casuales del amarillo índigo los azules índigo.

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HOY, este discurso sobre el reciclaje y los textiles Boro continúan actualmente concebido como un ejercicio delicado de diseño de moda textil. Estos tejidos reflejan de forma sensible una percepción actual del mundo. Desde un punto de vista histórico evoca una percepción del presente en cuanto a instante efímero, construido por diferentes y superpuestas capas de historia, algunas visibles y otras parcialmente ocultas. Seria como entender el mundo como un ‘’patchwork’’ de fragmentos creados a nuestra propia imagen incompleta, a pesar de la globalización ; lo cual me parece tan poético y evocador como un “vanitas” Barroco. “Vanitas Vanitatis”, “capen diem”o “tempus fugi” …no son tan antagónicos como parecen y desde un punto de vista occidental nos remiten a la vida como proceso reversible….nada se pierde todo se transforma .

me gustaria hacer incapié desde un punto de vista estético o Boro como  respuesta lógica de la cultura popular y a los leitmotifs del arte contemporáneo, de la pintura cubista de Picasso y de las esculturas ‘’readymade’’ de Duchamp, del pop art de los artistas contemporáneos como Kurt Schwitters, Paul Klee, Henri Matisse, Robert Rauschenberg o El Anatsui que realzan materiales humildes convirtiéndolos en Arte Povera , todo un campo paralelo a investigar para los que os inicies en este pradigma de belleza japonesa.

A dia de hoy ya se vislumbra en el diseño un ‘’look’’ vintage desde artefactos históricos como radios antiguas o teléfonos antiguos (precursores de ropas y estilo punk, de tejanos rasgados); la verdad el boro es realmente una inspiración para diseñadores de la mas rabiosa actualidad. Esta practica encuentra complices en nuestras distintas culturas y modalidades. En Bangladesh por ejemplo la arquitectura alemana de Anna Heringer es un ejemplo de diseño y adaptación al medio tanto en arquitectura como en diseño textil. Mi enhorabuena !

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Encontrareis multiples complicidades con tradiciones locales de reciclaje a partir de los saris demasiado usados, recurriendo al reciclado a traves de sus propias cooperativas.

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Sari reciclado

 

EL ARTE DE LA ESCRITURA EN LA PIEL

EL ARTE DE LA ESCRITURA EN LA PIEL

 

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New tattoo Studio Bejiing.
Tatuar es para diversas culturas un acto ritual y simbólico que en nuestro mundo moderno se ha convertido en una práctica cada vez más frecuente, aunque significativa para quien lleva en la piel un símbolo, dibujo o lengua escrita. Decidir tatuarse un mensaje escrito conlleva la elección no sólo del mensaje, sino de la tipografía más adecuada en forma, grosor, tamaño, color, diseño, así como el lugar del cuerpo donde lo llevarás.

Pensar en una tipografía involucra considerar estos elementos, la importancia de un diseño tipográfico con el cual el trazo de tu mensaje se acople, implica cumplir el objetivo más importante: que te sientas cómodo con él.

Considerar la tipografía como un elemento clave en el diseño involucra un proceso que puedes realizar en un trabajo colaborativo con el tatuador si bien es algo mas que una cuestión de estilo.

El estilo tradicional occidental, refleja la estética del renacimiento, y el estilo moderco, hijo de la filosofía de diseño germano-suiza. Muchas tipografías adoptan el nombre de su tipógrafo , quien las diseñó. Así por ejemplo muchas tipografías modernas GOUDY STILE nacieron de la mano del mas prolífero diseñador americano Frederic Goudy en los años 30 . Otras especialistas en el campo del diseño de tipos fueron a priori : Desde Garamond, Baskerville, Bodoni…. Adrian Futiguer en los años 50 con la creación del tipo “Univers”. Todos ellos reinterpretan a los clásicos y su revisión de tipos antiguos les lleva a los caracteres mas novedosos como “almohadilla” “arroba” “asterisco“ y tantos otros signos… que aplicados en la comunicación actual han adquirido valor simbólico…

 

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El orígen de los símbolos, años 50. Diseñados por Fredic Wiliam Goudy, Jan Tschichold, Johm Barkerville, Paul Renner, Eric Gill y Adrian Frutiger.

Para otro capítulo dejaré el estudio de aquellos signos que han desaparecido o tienden a desaparecer cono el de el “párrafo “ que apenas se utiliza si no es acompañado de la numeración de un capítulo. Es este caso se pone entre él y el número un espacio. Aquí lo vamos a rescatar por gusto , por su delicada sinuosidad y porque de tan abstracta se acerca a los ideogramas orientales como un dibujo en el espacio que nos remite al camino andado. El dinamismo está garantizado. Así puedes ver la película cada 5 años sin aburrirte como con la tradicional “Benhur” que repiten todas las navidades.

Añadimos una página que resume en 10 estilos muy básicos algunas de las tipografías que es pueden interestar por una u otra razón, insistiendo simpre que investigar, tomarse el tiempo adecuado y recurrir a las fuentes siempre será una fuenta de inspiración más adecuada: http://culturacolectiva.com/8-tipografias-para-hacerte-el-tatuaje-perfecto/

Escribe en tu piel. Tatúa con “seny” (internacionalmente conocido como “sentido común”)

“Dissegnare e una cosa mentale “ decía Leonardo da Vinci , refiriéndose a que dibujar es un ejercicio intelectual. No soy de repetir frases de cualquiera , pero si hay que pillar un modelo que sea de los “Maestros”. Así que vamos a pensar en la escritura como un ente primordial, la letra dibujada. Y si hablamos de escritura y de piel, no puedo por menos referirme a una película maravillosa de los 80 que me impactó, precisamente por el tema de escribir en la piel de un amante y la codicia de poseer ese el secreto de ese libro tatuado en la piel de un ser humano. Además el juego de pantallas, del que puedes escoger observar, convierten la película en “tu” película. Como todo arte es difícil de explicar o totalmente inefable….su figuración narrativa y construcción de imágenes con variaciones sobre una misma retícula de pantalla recrean distintos puntos de vista a la manera de un cómic o estructuras y variaciones de una página. No es cuento mas : “The pillow book” del director Peter Greeneway. Hechas las presentaciones que os parece si apostamos al juego de los trazos con las líneas de tu propio cuerpo. Aquí os presento diez estilos tipográficos para iniciarnos en el tema.

Orientales

Abarca tipologías variadas de las letras de la familia de lenguas del mandarín, a las cuales englobamos como chinas, pueden implicar una caligrafía de estilo pequeño y trazos finos, o bien gruesos.

EL ARTE DE LA IMPERANCIA – WABI SABI IV

EL ARTE DE LA IMPERANCIA – WABI SABI IV

 

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Restos arqueológicos de los primeros inmigrantes asiáticos.

http://jornadabc.mx/tijuana/24-03-2016/angeles-del-desierto-la-esperanza-de-migrantes

 

¿Podemos aceptar el hecho de que lo feo, puede ser interpretado como la no-belleza y atraernos?.

Os sugiero un ejercicio, dinámico y enriquecedor que se produce entre uno y algo mas : …

La belleza puede aparecer espontáneamente en cualquier lugar y cualquier momento dependiendo de las circunstancias. Por ejemplo, un hierro oxidado o lo rechazas por peligroso o lo ensalzas en el contexto y punto de vista adecuados para adquirir un estado de alteración de la conciencia;  “Un momento extraordinario de poesía y gracia”, como a mi me gusta  ensalazr en el ejercicio de la creación.  Ya sé se que es una visión panteista de la creación ….

 

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Maria Baraldés. Graduada en Bellas Artes en 2015.

Alumnos de bellas arte de Sant jordi de Barcelona y  de ACAi Sabadell,  ejercitan el desgaste más tàgico de la memoria: Borrar las imàgenes del recuerdo.

Posiblemente si olvidamos la  humilde procedencia e imperfeción , de los acabados y le damos un propósito que no se base convencionalmente en paradigmas de lo “bello “, podamos valorar y disfrutar de lo sencillo, – que no grotesco- , y así  estimular el  sentido de la estética efímera y la poeticidad de lo opuesto.

 

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Escultura de Graziano Spinosi, 2013.

Podéis encontrar más obras wabi – sabi de zapatos en el siguient link: http://aquicoral.blogspot.com.es/2013/03/graziano-spinosi-escultura.html

 

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Zapata madera wabi sabi.

EL ARTE DE LA IMPERMANENCIA II

EL ARTE DE LA IMPERMANENCIA II

 

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Fotografia de Kate Moss realizada por Albert Watson, Marrakech, 1993

Si sois de los que recogéis troncos que ha traído el mar, si admiráis el desgaste en las rocas erosionadas por el agua, o la piel de la cebolla translúcida a punto de desmaterializarse… Si os gustan esos detalles sencillos de sombras e iridiscencias creadas por la distorsión de la luz al travesar una superficie, os encantará esta post.

Hablaré de las “cualidades” que nos ofrecen ciertos materiales que envejecen bien y que nos atraen una y otra vez por su atractivo efímero. Seguimos hablando de esa esencia wabi-sabi, que no solo encontramos en esculturas, espacios o jardines diseñados aposta, sino también en la moda. A propósito de la calada, el punto, la desestructuración del patronaje y la característica del urdimbre nos permiten una comprensión “del paso del tiempo”, del gusto delicado de los materiales…

Todos esos detalles nos dan un conocimiento sobre el universo que se va agotando, y esa comprensión puede ser también comunicada a través de la moda a sus usuarios. Podemos relacionar la filosofía wabi-sabi con la estética beat, punk, grunge u otras manifestaciones antiestéticas, que aunque pudieran parecer pobres o feas para algunos tienen mucho arte.

 

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Chaqueta tradicional japones -Boro-. Cosido con mucho arte.

Hoy en día muchos diseñadores y artesanos trabajan con mucha sensibilidad y rechazan el prototipo de belleza dulcificada. A través de sus materiales i visión de lo desgastado expresan el tiempo congelado. Este kimono por ejemplo está hecho de pedazos y son vulnerables a los efectos del paso del tiempo, de la decoloración… Respira fragilidad y esta cosido totalmente a mano, porque esa es una de las cualidades artesanas del wabi-sabi.

El trabajo manual no finge dedicación, por el contrario denota un camino de mimo personalizado a su usuario. Su imperfección en la semejanza de los tintes, aunque armónico nos habla acerca de su impermanencia. El lavado a piedra envejece la superficie del tejido de algodón, ningún tinte es igual a otro por eso provoca en nuestra sensibilidad la dulzura de lo antiguo. Un valor añadido.

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Detalle de un pantalón desgarrado

Para acabar, os ofrezco una de mis esculturas textiles de la serie camisas de fuerza.

 

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Obra de Anna Couderc , Serie camisas de fuerza, tejido manipulado y oxidado,  2016

EL ARTE DE LA IMPERMANENCIA PARA ARTISTAS, DISEÑADORES Y FILÓSOFOS.

EL ARTE DE LA IMPERMANENCIA PARA ARTISTAS, DISEÑADORES Y FILÓSOFOS.

 

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Composición (collage) y simplicidad vs vetas de viejas maderas

Muy relacionado con Zen, aquel sufrimiento que impresionará a Budha y que le llevaron a renunciar al mundo material y a encontrar respuestas en los enigmas de la vida son la base de una corriente o sensibilidad que hoy en día y a través de monjes taoístas se aplica con pulcritud y serenidad en interiores en objetos y por artistas. Las ideas, como suele ocurrir, se transmitieron de un discípulo a otro y o con el paso de los siglos recibió influencias del movimiento taoísta, se fusionó con nuevas ideas importadas de la India y formó la escuela Ch’ang del budismo (aconsejo leer sobre Tao-te Ching –Clásico de la vida y su poder, del siglo III antes de Cristo-). Otros filósofos como Chuang-Tsé incorporan ideas que en el taoísmo se describen como: el arte de existir en el mundo y hace hincapié en que la persona ha de intentar que su vida fluya de la misma manera que lo hace el agua, el Tao. Son conceptos místicos, vagos, oscuros y profundos, pero des de los tiempos más remotos esa ausencia, esa esencia de sinceridad debería impregnar todas las cosas. Volverse uno como el Tao sería aceptar el fluir natural de la vida, descartando cualquier doctrina y conocimiento aprendido. Por eso la restauración en armonía de un objeto desahuciado permite la aceptación de la irregularidad, del paso del tiempo y de sus defectos.

 

WABI-SABI

Wabi-sabi es una corriente japonesa estética y de comprensión del mundo basada en la fugacidad e impermanencia. Deriva de la afirmación budista de las Tres Características de la Existencia: Impermanencia, Inquietud y el Vacío.

Esta corriente refiere a aquella belleza imperfecta, impermanente e incompleta. Algunas características de la estética wabi-sabi son la asimetría, aspereza, sencillez o ingenuidad, modestia e intimidad, y además un proceso natural. El wabi-sabi ocupa la misma posición en la estética japonesa que en Occidente ocupan los ideales griegos de belleza y perfección.

Cultiva todo lo que es auténtico reconociendo tres sencillas realidades: nada dura, nada está acabado y nada es perfecto.

 

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Un libro muy aconsejable para iniciarse en este concepto

 

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La imperfección es bella.

Os propongo hacer una imperfección sobre materiales orgánicos y objetos elaborados a mano, quizás obsoletos o deteriorados por el paso del tiempo, lo cual nos lleva a una metáfora y una aceptación justamente del “tiempo” como vanitas de la vida.

En el próximo post, os hablaré de diseño con influencias Wabi-Sabi melancólico pero con la más rabiosa actualidad.