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    Blog de Anna Couderc
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Anatomia Humana I

Anatomía humana I

 

 

Dibujando la cabeza

Las proporciones para la representación del cuerpo humano es lo que la cinta métrica para el sastre, los axiomas geométricos para el matemático o la estrella polar para el marinero. O sea son la norma universal y el criterio ideal para entender sus partes en relación con el todo, el cuerpo.

Claro que hoy ya no podemos hablar de unas medidas ideales sin enfrentarnos a la desagradable situación de tener que recortar la figura o estirar la figura del cuerpo humano por ejemplo para el estilismo en la moda. Desde los artistas griegos hace mas de 2400 años, se ha considerado que la altura del cuerpo humano equivalía a la longitud de 7 cabezas y media.

 

No obstante los valores de la vida moderna ponen en duda el antiguo sistema modular. Incluso el meticuloso Durero lo rechazo; mas tarde, Miguel Ángel y El Greco la abandonaron completamente para adoptar representaciones humanas expresando la corpulencia o la fragilidad del cuerpo marcando una semántica relativa y propia de su tiempo y el movimiento.

 

 

De todas formas las proporciones deberían formar parte de la etapa de aprendizaje de dibujo. Comparables al meridiano de Greenwitch, deberían entenderse como el punto de partida, y conducir hacia nuevas posibilidades expresivas con el tiempo.

Por eso hoy en lugar de aplicar la longitud de siete cabezas y media de un adulto que apenas midiese 1,65 m, se impone la de ocho cabezas y media de un adulto medio de 1,85 m.

De todas formas los principios sobre las proporciones no son sagrados y las únicas dimensiones absolutas serán las que se justifiquen en la expresión del arte. El artista que conoce estas leyes sabe donde doblegarlas y como quebrantarlas.

 

Proporciones generals y medidas del cuerpo

El cuerpo que aquí trataremos se aparta de la altura tradicional dada en siete cabezas y media de longitud; en cambio, su altura global será de ocho cabezas y tres cuartos. Tomando la cabeza como unidad de medida para determinar las proporciones, resultan las siguientes subdivisiones:

 

1-La parte anterior del torso: tres cabezas de longitud, a partir de una línea horizontal a la altura de los hombros hasta el arco púbico; las líneas de intersección se localizan a) bajo el pecho, b) a la altura del ombligo y c) a la altura del arco púbico

2-La parte posterior del torso: tres cabezas y media de longitud, partiendo de una línea horizontal a la altura de los hombros hasta debajo de los glúteos; las líneas de intersección se localizan a) bajo las escápulas, b) por la mitad del musculo oblicuo externo del abdomen ( a la misma altura que la línea correspondiente que atraviesa horizontalmente el ombligo), c) debajo del coxis (a la altura correspondiente al arco púbico) y d) debajo de los glúteos.

 

3- El cuello: en posición erguida, media cabeza de longitud hasta la fosa yugular.

4- El brazo: dos cabezas y tres cuartos de longitud, desde la articulación del hombro hasta la de la mano; la línea de intersección atraviesa el codo, a la altura de la línea del ombligo. La articulación de la mano esta a la altura del trocánter mayor, o sea, a la de la línea que divide por encima del arco púbico y el extremo del coxis. La mano alarga el brazo en tres cuartos de cabeza, de tal manera que la longitud total es de tres cabezas y media.

5- La pierna: cuatro cabezas de longitud, desde el trocánter mayor hasta el maléolo medial del pie; la línea de intersección pasa por la mitad de la rodilla. El pie alarga la pierna en un cuarto de cabeza, resultando la longitud total de cuatro cabezas y cuarto.

 

6-La mano: tres cuartos de cabeza de longitud o, lo que es lo mismo, la distancia de la barbilla hasta el nacimiento del pelo; la anchura de la mano es de un cuarto de la anchura de la cabeza, o sea la distancia desde el extremo anterior del vómer hasta la punta de la barbilla.

7-El pie: la longitud del pie es la misma que la del antebrazo, o sea, una cabeza y un tercio; la anchura delantera del pie es la mitad de la anchura de la cabeza.

 

Anatomía Humana III: Ojos, orejas y nariz

ANATOMÍA HUMANA III

Cejas y ojos

Si sigue estas enseñanzas con un espejo delante, comprobando los aspectos y detalles que te pauto. Seguro aprendes a dibujar ojos con expresión y vidilla.

Mírate al espejo de frente, con la cabeza levantada, agachada, ladeada, o hazte selfies ,con distintos puntos de vista, o sea subiendo y bajando el móvil. Comprueba en cada caso las distintas formas que adoptan las partes del rostro que estamos estudiando… el gran angular puede distorsionar la imagen…   pero es un buen método de estudio.

Al dibujar una ceja, no pienses en ‘’tantos pelos, tantos trazos’’, sino en dar a los trazos la intención necesaria para que imiten la cantidad de pelos y las diferentes intensidades de tono.

Estudia las diferentes formas que adoptan las cejas, según la posición del rostro. Considera la calavera que recubre y recuerda que son dos, que pueden ser simétricas, o no, y que se hallan sobre una superficie curvada, la frente.

Empecemos por observar y estudiar un ojo, visto de frente y de perfil. Como bien sabes, el ojo humano esta formado por una pequeña esfera, situada en esa cavidad ósea llamada cavidad orbitaria, y cubierta y protegida en su parte frontal, por los párpados.

Lo mas importante, de esta sencilla descripción, es recordar que los ojos son esféricos.

En efecto, si pintamos en una pequeña esfera un circulo mas pequeño, y pretendemos dibujarla desde diversos puntos de vista, tendremos, en principio, casi los mismos problemas con que nos encontramos al dibujar los ojos: problemas de escorzo y de perspectiva. Trate de comprender estos problemas, viendo las imágenes siguientes, comprobando que cuanto mas gira la esfera, mas en escorzo vemos el circulito.

Imagina esta misma esfera metida en una cubierta de goma de unos dos milímetros de espesor y supón que ahí efectúas un corte ligeramente curvado hacia abajo.

Al abrir este corte y variar la posición de la esfera, tenemos diferentes escorzos del ojo.

Perpendicularmente al plano de la esfera, formando ángulo recto con la cubierta o parpado, nacen las pestañas. Fíjate en este punto exacto de donde arrancan las pestañas, para comprender mejor, después al dibujarlas, su situación y posición. Los párpados son como “toldos” están por encima y protege…eso también lo hacen las pestañas. Algo que no bebes dibujar hasta el final

 

 

Los ojos vistos por fuera

Arriba de todo, la ceja: debajo mismo, la piel que cubre los músculos que accionan el parpado superior. Claro esta, si esa piel de encima esta tensa, podremos ver dibujar el arco o curva que dibuja el parpado; si no, ese trazo curvado quedara medio oculto por pliegue de esa piel situada encima. El pliegue o bolsa formada por estos tejidos, puede ser tan pronunciado que llegue a ocultar totalmente la forma del parpado.

El ojo se cierra y se abre, mas que nada por la acción del parpado superior como una molusco… pero la niña del ojo se cierra o se abre para defenderse de la luz.

Debemos considerar, por ultimo, que los ojos se hallan sobre una superficie curvada, similar a la de la frente, ofreciendo en sus lados extremos, junto a las sienes, una curva mas cerrada. Debido a ello, el ojo visto de frente no ofrece una abertura simétrica, sino irregular, no como un pez… mas bien como una ballena.

Y como dijera Adolfo Domínguez ”La arruga es bella” y os dará mucho juego con el sistema de tramas bien sea con lápiz de distintos gramajes o con rotring.

Ojos… por pares

Y he aquí los dos ojos, moviéndose los dos a la vez, situados los dos sobre una superficie curvada, siendo los dos de forma esférica…

El hecho de hallarse los dos sobre una superficie curvada, hará que nunca podamos verlos como dos formas idénticas y repetidas; excepto, claro está, cuando aparezcan totalmente vistos de frente. No siendo así, de tres cuartos, por ejemplo, uno de los ojos quedará casi de perfil, mientras el otro será visto mas frontalmente.

El verdadero problema es este y la única solución es fijarse muy bien en lo que dice el modelo, o en imaginarlos como esas dos bolitas de que hablábamos antes, cuando han de dibujarse de memoria.

Si se piensa, por otra parte, que las dos bolitas giran siempre al mismo tiempo y que en definitiva son dos cuerpos idénticos vistos desde distinto ángulo, será casi imposible dibujar ojos bizcos. He aquí una cuestión de simple perspectiva, en la que la posición de un ojo ha de determinar la del otro. Con lo cual damos por terminado, de momento, el estudio de los problemas que plantea el dibujo de los ojos, pasando a la parte siguiente: nariz y orejas.

 

La nariz, las orejas

Empecemos por la nariz diciendo que se dibuja mal muchas veces, por no fijarse, por no pararse en ella, por no tratar de estudiar y comprender como es exactamente. De perfil no ofrece dificultad. De tres cuartos merece una atención especial a la perspectiva, y de frente no hay mas remedio que fijarse muy bien en los contornos y dimensiones de la parte inferior, en las manchas o suaves sombras y brillos que modelan sus lados, su longitud, su profundidad.

Para empezar, Dibujo estructural

La solución para captar correctamente su forma, es prescindir de que la vemos ‘’en tres dimensiones’’. Intente verla como si se tratase de un objeto plano, sin relieve, anulando así el efecto del escorzo, mirándola como un conjunto de luces y sombras, tal como lo veriamos en una lamina o en una fotografia.

Podemos decir que para derribar la barrera del escorzo, solo es necesario:

Ver el modelo sin la tercera dimensión.

 Y otra cosa muy importante también: Tratar de ver el modelo como un cuerpo desconocido, y descifrar su estructura.

Sin pensar que aquello que estamos viendo es una nariz… observando simplemente un conjunto de ‘’manchas’’, e intentando copiar las luces y sombras que estas ofrecen.

Estudie su propia nariz en un espejo; dibujarla en alguna de estas posiciones…

 

Lo dicho sobre la nariz es aplicable también, a las orejas. Quien es capaz de dibujar una oreja de memoria, exactamente como es? Ni falta que hace. Son en si dobleces que precisamente nos distinguen , unos a otros como las huellas dactilares.   Igual de abstractas …pero tan diferentes unas de otras . No es de extrañar que lamentablemente en los campos de concentración nazis , se hicieran fichas fotográficas de la oreja del sujeto para identificarle… vivo o muerto.

 

Mira también las siguientes imágenes con orejas vistas de frente en escorzo por delante y por detrás.

Anatomia Humana II: Manos y pies

La mano y el pie

Ante todo, la mano es un instrumento maravilloso e insustituible, una prolongación del cerebro para hacer posible el ‘’hacer’’ y que logro su plena autonomía cuando el hombre conquisto la posición erecta. Sin la mano, el artesano y el constructor llamado ‘’homo faber’’ por los latinos, no habría existido nunca ni mucho menos se habría llegado a la tecnología moderna. Su gran ductilidad se debe a la eficiencia de su característica conformación ósea, dirigida por un sistema muscular de amplia elasticidad especifica y que encuentra su punto de apoyo en la directa dependencia de los músculos del antebrazo. La mano también tiene su expresividad, determinada en parte por su forma plástica y en parte por sus movimientos. La gesticulación integra y hace mas evidente la variación de expresiones del rostro, mientras que la mano y su forma, junto a su manera de ‘’estar’’ habitual, puede revelar a veces ciertos aspectos del carácter de mejor manera que el rostro mismo.

Dejaros llevar por la intuición ese es mi consejo, porque sabido es que tenemos dos hemisferios en el cerebro; El derecho es intuitivo y el izquierdo de la razón. Si os es posible desconectad el hemisferio izquierdo y dedicad vuestra atención a elementos de la composición relativos al espacio vacío y los huecos. Prestando atención unicamente al espacio vacío descubriréis la forma con muy poca experiencia en anatomía pero una gran experiencia  intuitiva y estética. Nuestro cerebro es un gran ordenador y tiene inteligencia emocional, confiad en el y el ejercicio de dibujar algo tan complejo como manos sera algo divertido.

Del pie podemos decir que si función casi exclusiva es la de caminar y la de mantener la posición erecta. La conformación ósea y el sistema muscular son a primera vista similares a los de la mano, pero obviamente tienen sus características propias. Es interesante hacer notar que los huesos del metatarso están dispuestos como un arco elástico, lo que permite el pie hacer también de amortiguador.

 

 

Las mujeres del bosque

Paisaje Romantico

Las mujeres del bosque, un proyecto de Ana Couderc

Al norte de la Comunidad Valenciana, en la provincia de Castellón, la ciudad de Morella se erige en un peñón en forma de cono truncado, rodeada de murallas con su castillo en lo alto. Posee numerosos edificios singulares notables, iglesias y calles recurrentes que transportan al visitante al pasado histórico de la ciudad especialmente a la época medieval que fue su tiempo mas glorioso. Su entorno natural, me fascina por los accidentes geológicos que han formado cuevas durante siglos por la precipitación del agua en el interior de la piedra caliza. Esa particularidad la hizo propicia para que en la guerra civil se atrincheraran y vivieran republicanos, y partisanos. Sus huellas todavía son visibles en lo que podemos llamar recuerdos del dolor (suelas de zapato, latas oxidadas, casquillos de balas y ropa abandonada.

Quizás porque mi madre falleció hace dos meses, mi huida a Morella, y sus característicos accidentes geológicos, cuevas y fallas poco a poco me inspiraron los próximos dos cuadros de los que os hablare. Se titulará las mujeres del bosque, en homenaje a esas mujeres que luchaban por su libertad y su supervivencia en un mundo de hombres. Aterradas y dispuestas a enfrentarse a la realidad por dura que esta fuera tras el paso de las fuerzas fascistas, tuvieron que refugiarse en los bosques de Cataluña y Aragón, mientras y durante la guerra civil por ser perseguidas por las fuerzas ocupantes de Franco.

En estos bosques encontraron el apoyo de las fuerzas rebeldes o partisanas, en una guerra idealista. Con ellos compartieron comida, escondites y una vida en pareja.

Así es como surge la inspiración en algunas ocasiones: conoces la historia y las ‘’historias’’ concretas, y despierta en plena concentración de caminar, o en absoluto descanso un recuerdo que parece vivido de vidas anteriores.

 

Así que exponencialmente, y como homenaje a esas mujeres del bosque que sobrevivieron a la cruel guerra civil, por tener un marido ‘’rojo’’ o ser hija de… Surgen de mi imaginario sombrías formas al amanecer entre arboles y formaciones geológicas con agujeros como un gruyer que permiten imaginar escondites y huidas de las balas.

 

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Hermosa fase de inspiración es dibujar con lo que uno tiene mas a mano, la sensación que uno percibe frente la naturaleza. Implicarse de forma intuitiva con la historia de un lugar y dejar volar la imaginación.

 

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Primer cuadro:

Inspirado en el paisaje del Sagrià, del Montsià, Morella, la Font d’en Torres, y otras fuentes como la de la ‘’esperanza‘’ diseminadas por ‘’baumes’’.

Será una escena, una mirada, un recuerdo a esas mujeres que lucharon por su supervivencia por tanto será una escena nocturna en el ocaso entre arboles y tonos apagados por la oscuridad, amortiguados por el gris de la ceniza.

Tengo que transmitir la idea de que la vida es mucho mas fuerte que los problemas, hay que vivir. El amor es una potencia movilizadora. Estoy segura que se unían ellas para colaborar con sus parejas del bosque. Lo que se hace en el bosque se queda en el bosque. El peaje seria alto para sobrevivir, … su cuerpo no seria casto, pero en sus almas vagabundas quedaba sitio para alguien en quien confiar su vida en el bosque.

 

Segundo cuadro:

Construyendo un vinculo entre las mujeres y el bosque este segundo cuadro de grandes dimensiones se evocara el amanecer y como se mimetizan en mi imaginación las mujeres con los arboles. Con pulso firme y sutil pretendo que la aspereza de los arboles se funda con las siluetas de ‘’las mujeres del bosque’’

 

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Se lo dedico a mi madre, también superviviente del totalitarismo machista y de un marido controlador y violento. Ella vivía independiente cual pocas mujeres en los años 50, viajando, trabajando y cuidando de sus padres. Hasta la edad de 36 años. Se casó y a los nueve meses tuvo dos gemelos que también la encasillaron, y obligaron entre unos y otros la dócil esclava que de ella se esperaba ‘’hasta que la muerte nos separe’’.

Por eso es para ella esta manifestación de duelo, atípica, creadora, dolorosa pero esperanzadora, porque la muerte nos libera.

 

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Anatomía de una flor I

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Anatomia de una flor I

Dibujando una flor I

Para empezar a dibujar flores nos conviene hacer una buena punta al lápiz y nos conviene observar por partes la morfología de una de ellas, o sea conocer su estructura. Las flores, son los órganos sexuales de las plantas no os voy a explicar su vinculación con los insectos pero si os la detallo gráficamente.

Los estambres están compuestos de unos delgados filamentos con los sacos del polen, que es donde se acumula el polvillo del polen. Son los elementos masculinos de la flor. De ahí que “hacer un polvo ” tenga connotaciones sexuales” claro…  y el pistilo es el órgano interno que está formado por un tubito, que termina en un abultamiento llamado ovario, donde se guardan los óvulos, y claro esta es la parte femenina de la flor.

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La flor completa se compone de un tallo, un cáliz, una corola, unos estambres y un pistilo. La verdad es que el tallo se llama pedúnculo, y el cáliz esta formado por unas hojas verdes llamadas sépalos. La corola, se compone de los pétalos y es la parte que da el aspecto característico y particularmente caprichoso a cada flor.

Esto es lo básico en una flor completa. Y os digo completa, porque hay flores que no tienen todas sus partes. A Algunas les falta la corola, por lo que el pistilo es la parte mas interesante. Estas flores se llaman apétalas. Como compensación en estas flores se desarrolla bastante el cáliz. Sin embargo en otros casos (en la flor del fresno, por ejemplo) no solo falta la corola sino también el cáliz. A estas flores provistas unicamente de órganos reproductores, se las llama ”desnudas”. Por ultimo, podemos encontrar flores ”neutras” que tienen corola y cáliz, pero no órganos reproductores, lo que no deja de ser una paradoja muy curiosa.

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Puestos ya hablemos de su posible estructura. Con respecto a su forma pueden ser actinomorfas, o de simetría radiada como la margarita o en espiral como la rosa que en ACAI Sabadell la estudiamos abriendo su corola para descubrir que “la esvástica” en su modalidad mas curva, nos evoca el movimiento y crecimiento de la flor.

Scan4                                                                            Estudios diversos de alumnos der ACAI Sabadell de diseño gáfico y artístico.

 

Podemos encontrarlas de simetría bilateral, o sea que tienen dos planos de simetría. Por ejemplo las que tienen forma de corazón como los pensamientos.

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Flores zigomorfas, estas solo tienen un plano de simetría. Por ejemplo, las pertenecientes al genero de las labiadas y por ultimo observad lo caprichosas que son las flores asimétricas, como las de la familia de las cannáceas.

 

Las que mas vais a encontrar son las de simetría radial (actinomorfas) y las que solo poseen un solo plano de simetría (las zigomorfas) y esto no es todo lo que mola de la descripción de una flor dibujada. En cuanto a su estructura de crecimiento, observareis la esvástica como estructura básica para definir y sintetizar el movimiento de la flor al crecer. Seguramente lo habéis asociado siempre a la espiral de la flor al abrirse o al cerrarse y es un acierto.

 

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Como puedes ver se trata de una rosa, con una corola especialmente generosa. Observar vuestro modelo si es posible del natural y tratad de descubrir desde un punto de vista formal, que es lo que os parece mas difícil de dibujar.

Como ya he dicho, dibujar una flor no consiste solo en imitar su perfil, sino comprender la especial formación de sus partes, por eso es aconsejable estudiar los pétalos por separado, su perfil sinuoso, que partes son cóncavas o convexas y para acabar si los bordes son curvos, lisos o dentados.

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Si eres paciente dibujando pétalos, aprenderás a ver lo que antes solo mirabas y al fin y al cabo para empezar a practicar no te de pena deshojarla para dibujarla desde el mayor numero posible de puntos de vista.

El encaje de la rosa completa

Para empezar, me gustaría desmentir que las fases deban ser pautas estrictas, ahora bien si queremos representar una rosa realista, te doy estas pautas para hacer un acercamiento, emético de la misma.

1-Encaje

2-Dibujo a linea

3-Sombreado

De hecho es el mismo proceso que se sigue para resolver cualquier dibujo.

Otro consejo, empieza con un lápiz duro, por ejemplo un 2H… Encontrareis hasta el 6H. ”H” de hard.

 

El dibujo a linea a continuación servirá para encajar las partes, por eso es importante que marques la estructura de crecimiento a partir del eje que corresponde al tallo según la posición en la que hayas colocado la rosa…tumbada o erguida en un vaso .

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Pon especial atención a tu punto de vista que es ni mas ni menos el de tus ojos en linea recta pero que no necesariamente es en frente. Bien no te compliques en poco tiempo tendrás encajada la flor. Lo único que te exige es un esfuerzo de atención visual al que no estas acostumbrado. No importa, estoy segura de que seguirás intentándolo.

Tras el dibujo a linea que podríamos calificar de impreciso puedes retocar con goma y detallar los pliegues y rebordes de los pétalos, hasta completar el modelo, ahora lo harás con un 4 o 5HB.

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Sombreado, ahora que tenemos marcados los teóricos limites de la corola y sus partes nos falta el volumen. Para conseguirlo hay que sombrear identificando las sombras o sea de que forma la luz incide sobre los cuerpos y crea sombras en ellos. Ese es el factor que nos permite apreciar el volumen y su grosor, también se le llama a este proceso de sombreado  ”valoración”.

En esta etapa es importante la observación minuciosa antes de disponernos a un rayado o valoración general con un lápiz blando, por ejemplo, un 3B o 5B  (B de blando) el sistema de sombreado por medio de trazos te facilitara distinguir las zonas de sombra y codificaras según mas lineas juntas o menos la intensidad de la sombra, buscando un tono mas oscuro, harás los trazos mas abundantes; con un trazo mas claro y sin apretar las áreas menos oscuras.

Estos trazos pueden ser paralelos, o formando tramas yuxtapuestas incluso estos trazos pueden adaptarse a la forma curva o girada de los pétalos.
Existen otras técnicas para sombrear y valorar la suavidad de esta flor.La técnica del difumino de papel es mas compleja y requiere cierta habilidad para fundir los trazos o las manchas del lápiz blando con un lápiz especial de papel (para evitar la yema de los dedos) en todo caso mucho ojo con esta técnica de difuminado porque puede quedar demasiado retocado.

Difuminada copiaERROR…horror….delito…una aproximación de difuminado con el “dedito” que reduce nuestro ejercicio a un gris medio soso , sin valoraciones de sombras ni ánimo de expresión. Requiere volver a empezar con un método mas complejo. ACAI te mostrará el camino más corto para aprender a mirar, un poquito de paciencia y concentración. Sigamos…

Acabado

Si bien estas tres fases son básicas en un dibujo de carácter realista eso no quita que resolvamos nuestro dibujo haciendo caso omiso y empezando por ejemplo por la mancha y reforzando lo al final con detalles lineales, trazos directos o sensibilizando el papel. Un trabajo que requiera trazo directo con grafito u otra técnica seca como ceras puede muy bien expresar la belleza que asociamos a esta flor. Nos podemos plantear distintas valoraciones respecto al concepto de belleza, reforzando el carácter efímero delicado incluso el concepto de ”vanitas” (vanitas vanitatis) valorando la mancha con un trazo directo o una sombra intensa o transparente con aguadas, y técnicas húmedas como la acuarela.

 

En el campo de los tatuajes la rosa siempre ha merecido gran atención porque se  asocia a la belleza. Desde una linea limpia o difuminados grandilocuentes por sus atributos seduce tanto hombres como mujeres.

tatuatjesroses

 

Consideración final

Bien; tanto si adoptamos un sistema clásico, académico, como si lo rechazas para experimentar con tintas o el trazo, ambos métodos requieren un meticuloso ejercicio de observación y concentración así poco a poco, tendrás la ocasión de familiarizarte con las formas, los volúmenes, su morfología y mas adelante emprender otros caminos relacionado con las emociones y el sincretismo de técnicas y con el tiempo ,mas que un profesional, te vas a sentir ”confidente” de la naturaleza.

roses                                                                        Acuarela de mancha y síntesis emocional de Anna Couderc. Ejercicio directo sin dibujo previo. Ejemplo de master class ACAI Sabadell.Enero 2018. Para perder el miedo !

Link con la web de http://www.couderc-guixa.es con la obra extensa de vanitas de flores.

El número Áureo

La proporción Aurea

El numero de oro o áureo es un numero irracional que representamos con la letra griega phi (Φ). Fue un hallazgo de los griegos de la época clásica y su historia documentada comienza con uno de los libros mas celebres, comentados y reimpresos de la historia: los Elementos de Geometría de Euclides.

phi

El número áureo es la relación o proporción que guardan entre sí dos segmentos de rectas. Fue descubierto en la antigüedad, y puede encontrarse no solo en figuras geométricas, sino también en la naturaleza. A menudo se le atribuye un carácter estético especial a los objetos que contienen este número, y es posible encontrar esta relación en diversas obras de la arquitectura u el arte. Por ejemplo, el Hombre de Vitruvio, dibujado por Leonardo Da Vinci y considerado un ideal de belleza, está proporcionado según el número áureo.

Figura 41 - Cuadratura del circulo                    Proporción áurea del hombre de vitruvio            

Hay números que han intrigado a la humanidad desde hace siglos. Valores como PI -la razón matemática entre la longitud de una circunferencia y su diámetro- o e -la base de los logaritmos naturales-, suelen aparecer como resultado de las más dispares ecuaciones o en las proporciones de diferentes objetos naturales.

El número áureo -a menudo llamado número dorado, razón áurea, razón dorada, media áurea, proporción áurea o divina proporción- también posee muchas propiedades interesantes y aparece, escondido y enigmático, en los sitios más dispares

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Sucesión de la proporción Áurea y el crecimiento progesivo de un cactus

Este número también aparece con mucha frecuencia en el arte y la arquitectura. Por algún motivo, las figuras que están “proporcionadas” según el número áureo nos resultan más agradables. Aunque recientes investigaciones revelan que no hay ninguna prueba que conecte esta proporción con la estética griega, lo cierto es que a lo largo de la historia se ha utilizado para “embellecer” muchas obras. Por ejemplo, el uso de la sección áurea puede encontrarse en las principales obras de Leonardo Da Vinci. Es bien conocido el interés de Leonardo por la las matemáticas del arte y de la naturaleza, y esta proporción no le era indiferente. De hecho, en su estudio de la figura humana, plasmado en el Hombre de Vitruvio, puede verse cómo todas las partes del cuerpo humano guardan relación con la sección áurea. Algunos expertos creen que la gran pintura inacabada de Leonardo, San Jerónimo, que muestra a este santo con un león a sus pies, fue pintada ex profeso de forma que un rectángulo con estas proporciones encajase perfectamente alrededor de la figura central. También el rostro de la Mona Lisa encierra un “rectángulo dorado” perfecto. Obviamente, Leonardo no fue el único en utilizar esta proporción en su obra. Miguel Ángel, por ejemplo, hizo uso del número áureo en la impresionante escultura El David, desde la posición del ombligo con respecto a la altura, hasta la colocación de las articulaciones de los dedos.

 

joconde”Rectángulo dorado” de la Mona Lisa   

La arquitectura no es ajena a este valor matemático. La relación entre las partes, el techo y las columnas del Partenón de Atenas, por ejemplo, también se relacionan mediante el número áureo. Muchos productos de consumo masivo se diseñan siguiendo esta relación, ya que resultan más agradables o cómodos. Las tarjetas de crédito o las cajas de cigarrillos poseen dimensiones que mantienen esta proporción. El número áureo puede encontrarse por todas partes, y a menudo ni siquiera somos consientes de que está allí. Pero en general, cuando algo nos resulta atractivo, esconde entre sus partes esta relación. ¿No es asombroso?

 

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El valor del numero de oro como patrón ideal de belleza no es únicamente una veleidad humana. La naturaleza misma parece otorgar a Φ (phi) un papel especial a la hora de escoger ciertas formas por encima de otras, aunque para percatarse de ello se debe profundizar algo mas en las propiedades del numero de oro. Tomemos a nuestro ya conocido rectángulo áureo y, partiendo de él, restemos un cuadrado de longitud igual al lado corto de aquel. En este proceso conseguiremos un nuevo rectángulo áureo, de tamaño obviamente menor, si repetimos el proceso varias veces obtendremos la figura siguiente:

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Vamos ahora a trazar distintos cuadrantes de circunferencia de un radio igual al lado de cada uno de los cuadrados que hemos ido quitando, y con el centro en el vértice de cada uno de ellos. El dibujo resultante nos quedara como sigue:

500px-Fibonacci_Spiral_GeoGebra.svg

Esta curva sinuosa y elegante es una buena aproximación a la denominada espiral logarítmica. Lejos de ser una mera curiosidad matemática, se puede observar muy fácilmente en nuestro entorno, en un recorrido vertiginoso que va de la concha de los nautilus…

nautilusaureo

…a la forma de los brazos de las galaxias…

galaxiaaurea

…y, de regreso a la naturaleza en tierra firme, a la elegancia sin par de la disposición de los pétalos de una rosa

rosa aurea

Mirando la elegancia de la rosa y la disposición de sus pétalos descubrimos la belleza del crecimiento y se presta a introducir un nuevo concepto matemático: la sucesión de Fibonacci. Dicha serie numérica descrita por este matemático italiano del siglo XIII arranca con los valores 1 y 1 a partir de los cuales cada nuevo termino se genera con la suma de los dos anteriores, los 15 primeros números de esta serie infinita son:

1,1,2,3,5,8,13,21,34,55,89,144,233,277,610

Las relaciones entre la sección áurea y la sucesión de Fibonacci son múltiples e insospechadas y se exploran con mas detalle mas adelante; baste apuntar en esta introducción las asombrosas correspondencias entre el reino abstracto de los números y la realidad palpable, el sueño pitagórico convertido en realidad en un escenario de excepción.

Para ello nos serviremos de la flor del del girasol, cuajada de pepitas:

girasol aureo

Al poco nos daremos cuenta de que las pepitas dibujan espirales concéntricas en sentidos horario y anti horario. Si se cuentan unas y otras, resultan dos números en apariencia anodinos: 21 y 34… Dos números que ya hemos visto antes.

Se trata de dos términos sucesivos de la serie de Fibonacci. Si hiciéramos el mismo ejercicio para el caso de otras flores de girasol, es muy probable que el resultado fuera el mismo o, en su lugar, otro par de términos sucesivos de la misma serie, en especial 55 y 89. La presencia de la proporción áurea en plantas y arboles no se agota con este ejemplo, sino que abarca la disposición de las ramas de algunos arboles, el numero de los pétalos de muchas flores, e incluso la forma de las hojas.

La razón áurea anuncia su presencia en muchas grandes obras arquitectónicas de todas las épocas, como la Gran Pirámide o algunas de las mas notables catedrales góticas francesas. Aunque resulte arriesgado afirmarlo con rotundidad por ejemplo en la fachada de Fidias, del Partenón, la proporción áurea subsiste en la limpieza de sus líneas que encierran una noción de armonía, de valor universal.

Pero así descubrimos que sus diversos elementos pueden dividirse en rectángulos áureos…

partenonaureo2Rectángulo áureo del Partenón    

 

Filosofía y características de lo invisible

Más allá de la memoria visual

 

Como ya ha quedado suficientemente constatado, la fotografía ofrece la posibilidad de guardar una imagen mecánicamente para poder volver a ella cuando el acontecimiento haya pasado, archivando la información visual de manera altamente efectiva. No obstante, si los productos de la cámara proporcionasen únicamente un sucedáneo plano de la visión, seguramente su éxito hubiera sido mucho menor. Me atrevería a afirmar que el secreto de su reputación radica en su capacidad de mostrarnos la realidad de una forma diferente -evidentemente más simple, pero más accesible a la vez- de ampliar los momentos vividos, de hacerlos tangibles, de rebasar nuestros propios límites.

Hacer una fotografía implica conseguir materializar algo parecido a las imprecisas y mudables imágenes cerebrales, (salvando las diferencias ya explicadas) al menos para una amplia mayoría de usuarios. Los materiales fotosensibles asociadas a la cámara aportan la posibilidad de almacenar una representación del mundo que conserva algunos de los elementos básicos de la experiencia visual, dilatando el instante de la observación a costa de una simplificación de la información sensorial y emotiva, y cargada a la vez de una especial fuerza evocadora. Lo curioso es que, perdiendo información gana en precisión, y el instrumento diseñado para representar la naturaleza mediante el influjo de la propia luz, adopta un papel trascendental y aporta una información que multiplica su poder por la fuerza de la simplicidad

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En este sentido se puede decir que la cámara no sólo detiene momentáneamente el transcurso temporal, sino que además lo amplia. Hace visibles detalles y aspectos de la vida que de otra forma pasarían completamente desapercibidos, es decir invisibles. No significa entonces que actúe como un vidente con capacidades sobrenaturales, simplemente revela una información que ya estaba allí, pero que no tenía suficiente relevancia en el momento de su percepción como para elevarse a la consciencia. La fotografía nos da una segunda oportunidad para volver a escudriñar una visión y tomar conocimiento de aquellos aspectos que fueron intrascendentes en su momento pero que ahora la cámara, con la complicidad del operador, ha vuelto importantes. El fotógrafo los ha destacado otorgándoles un valor añadido, incluso cuando su elección ha sido inconsciente, pues esta implícita en la capacidad epistemológica del medio.

 

Muchos de nosotros hemos podido comprobar esta facultad de una imagen fotográfica. Cuantas veces hemos descubierto un rasgo, una particularidad, un dato que fue inadvertido en la vivencia original, tal y como tempranamente señala el mismísimo Talbot en la introducción a primer libro de fotografía de la historia. En El pincel de la naturaleza el sabio inglés escribe: “sucede frecuentemente, además, y este es uno de los encantos de la fotografía, que el operador de la cámara mismo descubre al examinar la obra, tal vez después de transcurrido mucho tiempo, que ha captado muchos detalles que ignoraba inicialmente” (Talbot, 2003; 49). También los primeros espectadores del daguerrotipo contaban asombrados con sus lupas el número de ladrillos de una fachada, como si nunca los hubieran visto. Y ese asombro, por el momento, no parece tener caducidad.

Esta es la situación de la que parte la trama principal del mítico film de Antonioni blow-Up, adaptación del relato original de Cortazar Las babas del diablo. El argumento de la película explica la historia de un fotógrafo que descubre un asesinato, aparentemente sin testigos, gracias su reconstrucción a partir una serie de fotografías tomada en el lugar de los hechos. Por medio de sucesivas ampliaciones de una de las imágenes, el fotógrafo descubre un crimen escondido. Lo que el ojo no pudo ver a simple vista, queda capturado por el material sensible de una cámara fotográfica.

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La ciencia, un nuevo modelo de conocimiento.

 

“Es una constatación obvia que en el seno de la cultura contemporánea, la ciencia a llegado a ser el paradigma del saber”

(Agazzi, 1996: 34)

Gracias al enorme progreso realizado por la ciencia en el período comprendido entre finales del siglo XVIII y principios del XIX, los avances tecnológicos permitieron una sustancial mejora del bienestar en las sociedades occidentales. Como consecuencia, el interés popular por estos descubrimientos se tradujo en un esfuerzo divulgativo por parte de los investigadores que, unido al evidente éxito de sus conquistas, generó una creciente confianza en el método científico y en la veracidad de sus resultados, deviniendo un nuevo paradigma cognoscitivo laico, destinado a rivalizar con los modelos predominantemente religiosos de los siglos anteriores.

Este crédito depositado en la ciencia desde el siglo XIX ha perdurado hasta nuestros días en la vida cotidiana, muy especialmente en los círculos académicos y universitarios, y tiene como piedra angular la fiabilidad otorgada a su procedimiento indagatorio. El rigor en la formulación y aseveración de sus hipótesis ha llegado a ser un estereotipo en el que la ciencia posee una garantía de certeza en su explicación de la realidad. Si a esta característica le añadimos una vertiente práctica que permite emplear los conocimientos por ella alcanzados en la resolución de las dificultades cotidianas de la gente, empezaremos a encontrar las claves de su prestigio y el porqué, actualmente, para una gran mayoría de la población occidental, los científicos son “quienes resuelven los problemas, la última fuente de Verdad” (Nelkin, 1991, p. 134).

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Documentales científicos, con canales específicos en las programaciones televisivas de pago y en abierto, informan y entretienen poniendo al alcance del espectador medio conocimientos de zoología, botánica, biología, astronomía, medicina, etnografía y arqueología, aportándonos imágenes insolitas que no somos capaces de ver con el ojo humano. Por tanto la curiosidad y el auge de esta fotografia de lo invisible es hoy en dia asequible gracias a los telescopios cuyo alcance era impensable hace apenas 100 años o con cámaras tan diminutas que nos muestran información selecta y muy útil de los rincones mas inaccesibles de nuestro cuerpo. Mención especial merece la nanotecnología pero hoy nos centraremos en la naturaleza de las fotografías del cosmos por ese aspecto transcendental e inaccesible con el que el hombre siempre ha suspirado.

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Hace unos dias tras el previsto fallecimiento de Cassini, la NASA liberó toda la colección fotográfica creada por la sonda durante sus largos años de viaje. Sus fotografías de Saturno, especialmente las tratadas en blanco y negro por los especialistas de la agencia espacial, fueron de especial brillantez: revelaron la imagen de un planeta gigante, frío, poderoso y, aunque parezca difícil de creer, emocionante.

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¿Y después de Cassini, qué? Pues bien, nos quedan numerosas sondas explorando nuestro Sistema Solar y tomando fotografías estupendas. Quizá la popular ahora sea Juno, cuyos días transcurren en torno a Júpiter, el planeta más grande en este lado de la Galaxia y quizá uno de los más bonitos.

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No tanto por las fotografías arquetípicas que tenemos de él (sus líneas blancas, rosadas y rojas) sino por las nuevas interpretaciones cromáticas que un pequeño grupo de apasionados por el espacio y la fotografía están volcando en esta plataforma colaborativa abierta por la NASA. La metodología es simple: Juno envía imágenes tomadas cerca de Júpiter en raw, y desde sus casas los científicos-fotógrafos aficionados se dedican a procesar de forma creativa y apasionante sus colores.

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Hace unas semanas, Juno anduvo explorando de cerca el hemisferio sur de Júpiter. Y sobre estas imágenes Gerald Eichstädt y Seán Doran han creado auténticos lienzos impresionistas, repletos de viveza, color y luminosidad, que aportan otra mirada distinta (y mucho más imaginativa) a la imagen que tradicionalmente habíamos traído del planeta. Nubes sinuosas, patrones cromáticos enlazados, un detallismo caótico digno de los autores abstractos y expresionistas del siglo XX.

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Como quiera que Juno envía nuevas fotos de tanto en cuanto, la base de datos sobre Júpiter va aumentando, y está plenamente accesible al público general. Un deleite para los sentidos que revela mucho de los aún inesperados, misteriosos secretos que planetas tan enigmáticos como Júpiter (y el resto de nuestro Sistema Solar) aún esconden. Aquí una pequeña muestra del trabajazo de Eichstädt y Doran.

Según avanza el interés de los lectores, los artículos nos acercan esa visión del mundo exterior incorporando la tecnología y la ciencia se apoya en la fotografia para satisfacer nuestro conocimiento.Una imagen vale mas que mil palabras. en su sentido más amplio entre los contenidos comunes de la información ofrecida habitualmente.

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Ante este panorama, podríamos afirmar sin miedo a equivocarnos que la ciencia nunca ha estado tan presente en la sociedad como en el momento actual (al menos en occidente), pero lo que a simple vista podría parecer una garantía de una ciudadanía informada en una auténtica sociedad del conocimiento empieza a disiparse si se estudia más atentamente el alcance real de esta información. Porque, paradójicamente, los expertos se quejan de la falta de una verdadera comprensión de los resultados, métodos y contenidos generales de las distintas disciplinas científicas en nuestra sociedad.

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Especial mencion a la aportacion del Drc. Ricardo Guixà Frutos, (La ciencia, un nuevo modelo de conocimiento y Más allá de la memoria visual)

Pequeña historia de la acuarela

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A instancias del arte plástico, la acuarela es el nombre con el cual se designa a una técnica que se caracteriza por el empleo de colores disueltos en agua.Técnica pictórica que consiste en usar color disueltos en agua.

Cabe destacarse que los colores empleados al encontrarse diluidos en agua resultan ser mayormente transparentes, siendo ésta la característica más distintiva de este procedimiento artístico.

Incluso, al ser tan traslucidos es posible ver el fondo blanco en el cual han sido plasmados, que también termina actuando en la escena como otra tonalidad símil.

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Cómo es la técnica

La técnica de la acuarela implica la aplicación de capas semi transparentes que se van superponiendo para ir logrando colores más oscuros, es decir, se pinta de claro a oscuro, no pintándose el color blanco, y dejando el blanco del papel para tal color.

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                                                                                                                                                     Acuarela de Ana Couderc con pigmentos puros
Existen varias técnicas para pintar con acuarelas, siendo una de las corrientes la de usar el papel mojado, que se denomina como acuarela húmeda.

Consiste en mojar el papel que se va a usar para pintar y luego se carga con color el pincel y se proceden a dar las pinceladas en dirección horizontal, con suavidad, e inclinándose el papel para que el color se corra y lograr un efecto de degradé.

Una vez que se ha secado la primera capa se podrán superponer otras pinceladas u otras aguadas de color más saturado que el anterior.

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Es importante mencionar a quienes siguen esta técnica que es importante que se seque bien el papel antes de volver a aplicar color porque de lo contrario se mezclaran los colores, un resultado que si no es deseado podría ser considerado un defecto….o bien podría ser un “efecto” deseado que se controla mas o menos con secador para aturar el efecto global.

Y la otra técnica extendida es la de utilizar el papel seco y que se conoce como acuarela seca y cuya principal diferencia es que el papel sobre el cual se trabaja está seco.
Magníficas versiones de la naturaleza y atmósfera de niebla combinan ambas técnicas .

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Por otra parte, las superposiciones de color le aportan una gran valor a la creación, ahora bien, cuando se realicen superposiciones se debe aplicar primero el color más luminoso y cálido.

 

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                                                                                                                                                                                           Acuarela de Ana Couderc

Si se procede al revés, aplicando el color frío obtendremos un resultado diverso, siendo que el color frio termina opacando al cálido y lo ensucia.

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                                   Van Gogh, un artista de acuarelas

El pintor neerlandés Vincent Willem van Gogh es sin dudas uno de los referentes más notables de la acuarela.
Este artista del siglo XIX fue un emblema del postimpresionismo y dejó un notable legado de acuarelas.

Composición de las acuarelas e historia

 

Las acuarelas se hallan compuestas por pigmentos agrupados, ya sea a partir de miel o por goma arábiga.

La goma arábiga consiste de bio moléculas provenientes de la resina de los árboles conocidos como Acacia Seyal y Acacia Senegal, y que es el resultado de un proceso de cicatrización natural acaecido en los mismos y que tiene la misión de cerrar heridas y de esta manera evitar el ingreso de gérmenes.

La resina tiene una coloración amarillenta -transparente y es posible encontrarla en trozos que se asemejan a la resina convertida en mineral transparente : el ámbar . Pero aconsejo comprarla en polvo fino (aunque salga mas cara) ya que machacarla uno mismo es agotador porque dura como un cristal.

 

 

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Se trata de una sustancia milenaria que supo ser empleada por los egipcios para la preparación de productos cosméticos y de perfumes y en su conocido proceso de momificación.

La aplicación de la acuarela por capas es sumamente frecuente para de ese modo ganar en brillantez.

En uno de los lugares del mundo en el que la acuarela se ha convertido en una técnica muy popular es en el Japón, siendo conocida la acuarela con tinta como Sumie.

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El uso de la técnica también es milenario dado que apareció aproximadamente en el año 100 A.C., al tiempo de la aparición del papel.

Su antecedente inmediato es el fresco, que emplea pigmentos con agua sobre el yeso, siendo un fiel exponente de éste el fresco pintado en la Capilla Sixtina. Pero eso hablaremos en otro post cuando nos centremos en el fresco y la encáustica.
En Europa, la acuarela fue empleada por primera vez por el pintor italiano Raffaello Sanzio.

 

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Por otro lado, a aquella obra artística que se efectúa ya sea sobre papel o cartón y que presenta las características anteriormente indicadas, se la denomina como acuarela.

Y a los colores que se utilizan para llevar a cabo la técnica de la acuarela, asimismo, se los denomina a través de la palabra ACUARELA.

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GIRASOLES VIEJOS NO GIRAN AL SOL

GIRASOLES VIEJOS NO MIRAN AL SOL

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El heliotropismo de los girasoles es tan vital como poético. Desvelar su misterio des de la biología no lo hace menos estimulante para una artista como yo. Pero descubrir que los girasoles viejos no giran hacia el sol pero son una estufita para las abejas, me conmueve y provoca una admiración trascendental, espero se transmita en el vanitas que en definitiva es este, mi cuadro de “los girasoles viejos no giran al sol.

Cada mañana, el sol se encuentra a los girasoles que lo siguen en su ruta al oeste. Durante la noche, las flores giran en sentido contrario para que, al llegar la siguiente alborada, el sol se los vuelva a encontrar. Ese movimiento diario se va frenando a medida que las flores maduran hasta que dejan de moverse y se quedan fijas mirando al este. Ahora, un estudio vincula el baile de los girasoles con un reloj interno que marca el crecimiento desigual de sus tallos, provocando el giro. Al dejar de crecer, dejan de girar.

 

irasol 2GIRASOLES VIEJOS NO MIRAN AL SOL. ANNA COUDERC. Medidas: 180 X 160 pintura matérica.

 

El movimiento siguiendo al sol o heliotropismo es uno de los mecanismos más eficaces que han encontrado muchas especies vegetales para su desarrollo. Así se aseguran muchas horas de luz para su fotosíntesis. El problema es que el estímulo ambiental no explica por qué vuelven a girar los girasoles cada noche, cuando ya no hay estímulo, o por qué, una vez desarrollada la flor por completo, dejan de hacerlo.

Para desvelar este y otros misterios de los girasoles, investigadores estadounidenses entablillaron los tallos de plantas jóvenes para impedir que se movieran siguiendo el sol. A otros colocados en macetas los ponían cada atardecer mirando al este, con lo que el siguiente amanecer se encontraban de espaldas a la estrella. Otros ejemplares soportaron una intensa luz azul haciendo las veces de sol durante todo el tiempo. Y algunos sufrieron ciclos de día/noche de 30 horas en vez de 24 en la cámara de crecimiento.

21585552_1528566487200459_2068064687_oDETALLE  de GIRASOLES. ANNA COUDERC. Medidas: 180 X 160 pintura matérica.

Los girasoles manipulados para no seguir el sol tiene un 10% menos de biomasa y hojas más pequeñas

Lo primero que comprobaron los científicos es que seguir al sol es bueno para el desarrollo. Los girasoles manipulados presentaron una pérdida de hasta el 10% de biomasa vegetal y el área de sus hojas era menor que la de las flores no manipuladas. También comprobaron que aquellas que tuvieron el led azul sobre ellas todo el tiempo seguían moviéndose de este a oeste durante varios días. A las que hicieron creer que estaban en días de 30 horas, su giro acabó por ser errático.

Esto confirmaría el papel de un reloj circadiano que marca cuándo y cuánto debe girar el girasol. Aunque el estímulo ambiental (la presencia de luz) es clave, no es el único resorte que explica el movimiento de las flores. Pero el principal resultado de esta investigación, publicada en Science, es el mecanismo por el que los girasoles se mueven: los laterales de sus tallos crecen de forma diferente según sea de día o de noche.

“Durante el día, el lado del tallo a la sombra crece más que el lado iluminado, lo que provoca que se doble hacia el sol”, dice la principal autora de este estudio, Stacey Harmer. “Casi con toda seguridad este proceso está controlado por una ruta de señalización bien conocida en la que intervienen unos fotorreceptores específicos llamados fototropinas y una hormona del crecimiento, la auxina. Las fototropinas activadas provocan una acumulación de auxina en el lado sombreado del tallo, haciendo que crezca más”, añade esta bióloga vegetal de la Universidad de California Davis.

Pero esto sigue sin aclarar por qué los girasoles giran de oeste a este durante la noche. Aquí es donde interviene el ritmo circadiano. Se conoce su rol en el crecimiento de las plantas, pero aquí su trabajo es algo más específico: los investigadores creen que el heliotropismo de los girasoles está provocado por una combinación de este reloj biológico y las fototropinas.

“Necesitamos más estudios, pero en términos generales, creemos que el crecimiento del lado oeste de los tallos está controlado por el reloj circadiano, mientras que el del lado este está manejado por el mecanismo de señalización de los fotorreceptores. Entre los dos, provocan la flexión atrás-adelante que vemos en las plantas que siguen al sol”, comenta Harmer.

Esta conexión entre reloj circadiano y crecimiento explica también por qué los girasoles dejan de girar cuando han madurado. Si el tallo ya no crece más, desaparece el mecanismo que hace que la planta se doble. Pero ¿por qué todos los girasoles viejos se quedan mirando hacia el este y no hacia otra dirección? Porque sacan más provecho del sol de la mañana.

 

girasoles infrarrojosEsta imagen de infrarrojos muestra cómo el girasol se va calentando. Las flores más cálidas atraen más abejas Evan Brown Universidad de Virginia

Los investigadores volvieron varios girasoles maduros hacia el oeste y los grabaron con una cámara de infrarrojos. Comprobaron que los que miraban al este se calentaban más y más rápido que los que habían girado. Lo mejor es que ese calor parece atraer a más polinizadores. Hasta cinco veces más abejas tenían las flores orientadas a oriente. Esto lo confirmaron con una estufa: al aplicar calor sobre los girasoles de occidente, las abejas se interesaban por sus flores.

La bióloga estadounidense reconoce que no se sabe con seguridad por qué las abejas buscan el calor. Pero apunta una posibilidad: “Cuando las abejas están en reposo, su temperatura baja rápidamente al nivel del ambiente, pero sus músculos de las alas deben estar por encima de los 30º para que puedan volar. Podrían temblar para entrar en calor, pero esta contracción muscular requiere energía. Necesitarían gastar menos energía calentándose a sí mismas si visitan una flor cálida que si van a una fría”. Existe otra posibilidad, que están investigando, y es que el calor de la mañana cambiaría la fisiología del girasol, haciéndolo más atractivo para las abejas.

21584293_1528588923864882_988764995_oEl lado del tallo a la sombra crece más que el lado iluminado, lo que provoca que se doble hacia el sol” – Stacey Hamer, bióloga de la Universidad de California Davis

NEW UGLY

NEW UGLY

011617_PA_BANNER_WA_Moschino

Os quiero hablar de Jeremy Scott, que a parte de tener su propia marca es digno sucesor de la conservadora Casa Moshcino. Para los que no lo conocierais ahí va un video de alta costura.

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Si Agata Ruiz de la Prada conquistó ”nuestro corazón” con topos y estrellas, el Pop que revisa Jeremy juega a vestir a la princesita americana aunque para ello recurra a “l’art troubeau”, como una Barbie. Sus disfraces de Mc Donals, caramelos y Palomitas extraídos de la COMIDA BASURA Americana, superan en crítica y en paradoja ( vs la alta costura) a la “lata Campbell” de Warhol. De esta espeluznante reinterpretación nace un estilo provocador, anarquista y en apariencia despreocupado, que Jeremy es capaz de convertir en un icono de identidad puesto que los consumidores de esta alta costura son gente fresca, sin miedo al ridículo y un tanto alocados. Como digiera Mc Luhan, “divirtámonos hasta morir”. Lo cual nos indica que Jeremy es un genio de los negocios y ha sabido darle a la antigua Casa Moshcino, la rebeldía y la línea que provoca emociones. Entre otras, la emoción de comprarlo -que es en sí una emoción poco controlable para personas con dinero-.

 

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Si yo me pongo un vestido de Jeremy Scott con corte Coco Chanel de color rojo y amarillo, estoy diciendo que tengo clase, dinero, que soy atrevida y que me gusta provocar.

Claro que yo no soy Americana ni…. Tan divertida. Pero me identifico más con su línea pre-a-porter como de urban style o oversize y hasta con un punto hiphopero. En definitiva solo hay dos opiniones, o es pésima o te parece original y esto abre el clásico debate de elegancia vs estilo.

 

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Ya no se lleva lo elegante o tradicional, se lleva “tu propio estilo”.

Your own style

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Como colofón y para el próximo post os daremos alguna ideas para diseñar vuestras bambas o camisetas con pinturas fosforecentes y sistemas de transferencia de imágen.

Os puede interesar: http://www.materialesbellasartes.com/pintura-para-tela

Para más información consultad la web: ACAI Sabadell

Inicio del curso de moda el 3 de Octubre, os esperamos!

Pintura sobre seda, 4 consejos

Un par de consejos para amigos de la pintura sobre seda, que os van a ser muy útiles si os iniciáis en este apasionante terreno.

Tras treinta años recorridos de docencia en Bellas Artes de Barcelona, ESDI y mi propia escuela ACAI el conocimiento empírico y la evolución como artista me dan la posibilidad de comentaros cuatro cosas:

1ª La pintura sobre seda es un arte temperamental, porque muchas veces es un ejercicio de pintura directa, es decir, de mancha, frotado y trabajo húmedo, como la acuarela.

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2ª Eso quiere decir, que como novato piense primero siempre en que necesitas, prepara el bodegón  de tintes, pinceles, esponjas, alcohol, sal, recipientes blancos o transparentes para ver el color como realmente es, trapos, tinfix para difuminar diluido en agua destilada con antelación.

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3ª Porque si se seca una parte independiente de tinte, quedara separado de otras áreas y surgirá una mancha como un mapa delimitado. Ahora bien, este defecto también puedes usarlo como un efecto de textura y relieve. Sensacion de piedra, de agua, de nubes o simplemente textura y abstracción.

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TODO DEFECTO PUEDE SER UN EFECTO

4ª Control, no dejes que suceda lo inesperado: un pincel de cada color, guta para aislar, tiempo para dejar secar esta guta y aplicar primero tintes pálidos o luminosos y a continuación los tintes saturados, del mismo modo que harías en una acuarela.

Captura de pantalla 2017-06-15 a las 12.33.11Ana Couderc, pintura sobre seda, work in progress

Como colofón un comentario, los ‘’artistas’’-por naturaleza sufren o padecen el síndrome del aislamiento. Como resultado de este individualismo, a menudo se encuentran reinventando la rueda, porque no poseen la destreza profesional, la información técnica o los contactos necesarios para avanzar en esta especialidad.

Si tienes interés en mejorar y evolucionar, abre tu mente y manténteme al corriente de las ultimas informaciones, consulta nuestra web. Esta escuela fundada en el 2000 en Sabadell, propone numerosos talleres intensivos de tres meses o cuatro sesiones para mejorar la comunicación entre artistas, diseñadores, miembros de la industria de la moda y educadores del mundo textil. Estáis todos invitados.

 

Canciás un territorio poético

Proyecto Peña Cancías y Rio Ara

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Cambios

¿Qué es el tiempo? Un misterio sin realidad propia y omnipotente. Es una condición del mundo fenomenal, un movimiento mezclado y unido a la existencia de los cuerpos en el espacio y a su movimiento. Pero ¿habría tiempo si no hubiese movimiento? ¿Habría movimiento si no hubiese tiempo? ¡Es inutil preguntar! ¿Es el tiempo función del espacio? ¿O es lo contrario? ¿Son ambos una misma cosa? ¡Es inutil continuar preguntando! El tiempo es activo, produce. ¿Qué produce? Produce el cambio.El ahora no es el entonces, el aquí no es el allí, pues entre ambas cosas existe siempre el movimiento. Pero como el movimiento por el cual se mide el tiempo es circular y se cierra sobre si mismo, ese movimiento y ese cambio se podrían calificar perfectamente de resposo y de inmovilidad.

Tomas Man, La Montaña Magica,pag 511

Mi intención es continuar mi reflexión entorno al paisaje no solo desde la distancia contemplativa del observador, sino también desde la experiencia al interior del recor­rido. Recorridos hechos alrededor de un territo­rio especifico la PENA CANCIAS pero también a través del ejercicio de representación donde el tiempo pueda abrir el relato del quehacer pictórico y del montaje en video. Me interesa pre­star especial atención a cómo surge la imagen a través de capas de sedimentación, que al igual que el paisaje se acumulan gesto tras gesto, paso tras paso, imagen tras secuencia.

Partiendo de una mirada romántica los óxidos se funden con las betas de las rocas y me siento observadora y confidente de esta naturaleza… busco emplazar prob­lemáticas de orden geográfico y documental para expandir mi reflexión sobre el paisaje en un territorio concreto. Y de esta manera sugerir una narración donde la experiencia revele concep­ciones simbólicas para asumir la naturaleza parte de nuestro ter­ritorio. Una excusa para entrelazar mi vida a esa montaña. Y quizás así volver a nociones ancestrales que conciben el territorio parte del propio cuerpo.

 

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Del paisaje Romántico al paisaje Global

 La imagen de un sujeto que posa su mirada en el infinito, su presencia de espaldas ante nosotros y su figura dispuesta al más allá trae inmediatamente la referencia romántica de Caspar David Friedrich, en la cual el individuo absorbido en su interior encuentra un posible regocijo en el paisaje exterior. La vigencia de este recurso trae de nuevo preguntas sobre nuestra relación con el paisaje, donde la pérdida de aquel estado ideal de fusión con la naturaleza es más que evidente. Este referente abre un espacio para observar la distancia y ubicarse en el límite que esta separación evoca.

Rafael Argullol (2000) describe esta mirada, la del sujeto sobre el entorno “como contradictoria mirada al infinito” la cual seduce y a la vez inquieta. La atracción del abismo, título del libro donde el autor reflexiona sobre la pintura romántica, define esa fascinación por la naturaleza pero al mismo tiempo el drama de su separación, pues según el autor, el paisaje trágico exhibe la incisión entre el hombre y la naturaleza, idea que atraviesa todo el libro:

“..el paisajismo romántico, lejos de ser una genérica “pintura de paisaje”, es, primordialmente la representación artística de una determinada comprensión –y aprehensión- de la Naturaleza. En otras palabras, la Naturaleza, tal como la ve o mejor dicho , la interpreta y expresan los pintores románticos no es puramente un marco físico al que se accede mediante una descripción de su corteza, de su epidermis, sino, al contrario, un espacio omnicomprensivo, profundo, esencial, con valor cósmico más, asimismo, con valor civilizatorio”

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En esta introducción quiero abrir la reflexión a la validez de esta imagen para representar la relación del hombre con la naturaleza dentro de un contexto global, en el cual el territorio es cada vez más cercano y a la vez más ajeno y políticamente más complejo. Un sentimiento común de desterritorialización aparece. Migración, desplazamientos, desigualdad, turismo, viajes, producción, contaminación y consumo desmesurado han generado una movilidad inevitable y vertiginosa; causando la pérdida de raíces, un territorio extraño, sucio y sublime.

Como afirma Anna Maria Guasch (2016, p 27) el paisaje Global plantea “una nueva manera de concebir y ordenar el mundo”, un mundo que deja de ser infinito al perderse en la línea de horizonte para ser agarrado entre las manos. Un globo mayoritariamente caminado, habitado, explorado, cartografiado, explotado hasta un nivel que quizás nunca antes llegamos a creer. Se concibe el mundo como un globo, al cual le damos vueltas a nuestro antojo. Esta concepción trae nuevos órdenes geo- políticos y multiculturales, donde la diferencia y el éxodo promueven la continua lucha por el territorio. Esto genera muros y fronteras visibles e invisibles de acuerdo a diferencias de capital, de raza o de religión.

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El paisaje global es nuestra obra colectiva, es la tierra que labramos. Es la era del hombre sobre la naturaleza, es la fuerza humana que transforma el globo; el Antropoceno, el nuevo panorama, es consecuencia de nuestro hacer, es la evidencia para nuestros sentidos de una situación en riesgo cada día es más crítica y abismal. Davis y Turpin, introducen el libro: Art in the Anthopocene(2015), uno de los primeros proyectos editoriales y compilador que intentan esclarecer desde diversas perspectivas la relación del arte con esta nueva era geológica:

En primer lugar, argumentamos que el Antropoceno es principalmente un fenómeno sensorial: La experiencia de vivir en un mundo cada vez más reducido y tóxico. En segundo lugar, la forma en que hemos llegado a comprender el Antropoceno ha sido frecuentemente enmarcada a través de modos visuales, es decir, a través de la visualización de datos, imágenes satelitales, modelos climáticos y otros legados de la “tierra entera”. Tercero, el arte proporciona un sitio poliárquico de experimentación para “vivir en un mundo dañado”. (Davis y Turpin, C. 2015, p 6)

Esta es la concepción de territorio que me interesa indagar, en la mirada que está dispuesta a asumir esta responsabilidad con ánimos de encontrar alternativas a la distancia. Una mirada que pareciera tomar conciencia de lo que significa aquella separación. Una atención al estado actual quizás de culpa o de fervor individual por lo natural.

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Me interesa abrir el espacio temporal de la contemplación tanto del paisaje exterior como el paisaje interior a través de la mirada que reconoce la distancia y busca formas poéticas para concebir y aprehender la naturaleza parte del propio cuerpo. Una nueva manera para concebir la naturaleza, no fuera ni distante sino parte de nuestro propio sistema orgánico. De esta manera se concibió el Anthropocene Project Proyecto colectivo entre artistas y científicos en la Haus der Kulturen der Welt de Berlín en la cual:

“La naturaleza ya no es una fuerza separada de la actividad humana, la naturaleza no es un obstáculo, tampoco un armonioso otro. La humanidad forma la naturaleza. Humanidad y naturaleza son una misma cosa, incrustada en el registro geológico reciente” (Guach, 2016, p212).

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El video del ascenso a Peña Cancias lo concibo como un territorio de viaje y superación , ya que padezco Fibromialgia severa, eso me obliga a descansar a menudo y contemplar el territorio y su historia con calma , hasta hacerme confidente de las piedras, las texturas …el rio que fluye….

Esa mirada personal de atmósferas a través de una experiencia al interior del recorrido, será el espacio donde se tracen narrativas tanto geográficas como ecológicas hacia un espacio simbólico de afectos. Un ejercicio de representación donde el tiempo pueda abrir el relato del viaje a las capas del paisaje. Busco abrir preguntas sobre diversas concepciones de ese territorio y emplazar problemáticas de orden concreto, como el deshielo de los nevados, la curiosidad por lo inhóspito, historias locales y ficciones personales que se tejen alrededor de la Peña . Y de esta manera sugerir una narración pictórica donde la experiencia revela diversos vínculos con el territorio. Una excusa para entrelazar mi vida y mis dificultades a esa montaña y quizás así volver a nociones ancestrales del paisaje que conciben el territorio como parte de nuestro propio cuerpo.

 

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Inexorablemente el motivo de la “montaña” obliga a estudiar a Paul Cézanne : A sus 80 pinturas del natural de su montaña mítica; obras que denotan cierta anomalía característica de la contemplación del paisaje francés del siglo XIX.y a comprender la importancia dela liberación del color Vs las formas básicas en 3 dimensiones . Pero como no a Katsushika Hokusai y su liberalismo pictórico en el SXIX. El Monte Fuji y le Montein Sainte-Victorie siguen siendo los iconos pictóricos de la imagineria visual de la “montaña” en la história del arte

El paisaje y en especifico la “peña” -ni siquiera una montaña- , surge como imagen representativa, pera de crear una relación simbólica con el territorio, es una excusa para sumergirse en el proceso pictórico, en un concepto formal y liberador de las formas versus el tema “la montaña” desde diferentes lugares y den diferentes épocas de año. Esto me permite hacer un recorrido espacial y temporal a trvés de la “Peña “

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Su materia pesada y su color me inquieta. Y su atmósfera y nieblas me atrapan. En la distancia el paisaje se presenta como excusa, para pintar y filmar aquello que me conmueve y asusta. El vértigo de la altura y su hostilidad. Ello otorga a su ascensión en mis condiciones un ejercicio de peregrinaje y reverencia a su naturaleza. Po eso propongo elaborar una filmación que se ajusta a la propuesta en estratos como mi pintura y sus óxidos para componer imágenes en movimiento” moving” que no estática naturaleza de la humanidad en estos momentos. En el momento que los los movimientos se encuentran y contrastan, lo estático de la imagen chocará con el dinamismo de la ascensión y en estas imágenes superpuestas flotará la DUALITAT entre lo que es natural y cambiante asi como la capacidad de capturar el momento que ya pasó. Que ya es recuerdo.

Este proyecto no es solo dedicado a la Peña Cancias, sino a la acción entregada de Cézanne a su montaña o a la de Hokusai al Fuji (centro del mundo para la cultura japonesa) . Es un estudio comparado de procesos muy distintos pero de similares reflexiones. Quizás se trate de la necesidad de crear una imagen de aquello que es importante : el territorio de cada persona en este planeta, debería ascender a su cumbre y vivirla lejos de los pinceles ; conquistarla paso a paso y hacerla mía a pesar de la fibromialgia .

Hokusai

“Por mucho tiempo carecí del poder y del saber para pintar la Sainte-Victoire, porque imaginaba la sombra cóncava, como los otros, que no miran, mientras que, fíjese, es convexa verdad, huye de su centro. En lugar de adentrarse, se evapora se fluidifica. Participa, toda azulada, de la vibración ambiental del aire.

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“La montaña arriba y abajo. Otro hexagrama duplicado. Una montaña junto a otra, el movimiento se dirige al interior, después llega el detenimiento. En concordancia lo móvil con lo inmóvil, se da el tiempo de observación, de aquietar la espalda y meditar en ello. Desde el centro y alcanzada la quietud en el corazón, se liberan las intenciones egoístas, manteniendo el pensamiento justo en la postura presente.

Textura montaña

Economia Circular por Ana Couderc

Economia circular

Nuestro planeta y nuestra economía no podrán sobrevivir si mantenemos el enfoque de ‘’toma,fabrica,utiliza y tira’’ para generar crecimiento sostenible empezando por europa debemos desconfiar del modelo de desarrollo que hoy por hoy no se ajusta ya a las necesidades de un mundo globalizado, sabemos que los recursos naturales son finitos y tenemos que encontrar un modo racional de utilizarlos el desafio no solo esta en manos de las empresas sino también de los pequeños gestos del ciudadano, del diseñador , del artista, del arquitecto…

Obligatoriamente, tenemos que elegir entre matener el modelo económico lineal, que abarca desde la extracción de los recursos hasta la eliminación de los residuos, o avanzar hacia otro modelo circular, mas inteligente dirigido a ‘’cerrar el ciclo de la vida’’ de los productos, los servicios, los residuos, los materiales, el agua y la energía.

 

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Energia sostenible fotografia abstracta de descargas eléctricas obra de Ricardo Guixa Frutos 2017.

 

Como nos interesa reducir todo los posible la generacion de residuos y aprovechar al máximo aquellos desechos cuya producción no se ha podido evitar es básico y fundamental esta economía circular cuyo objetivo es el valor de los productos, los materiales y los recursos se mantengan en el ciclo productivo durante el mayor tiempo posible, es decir que las botellas reciclen, que el algodón se recicle…

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Bamba hecha a partir de materiales reciclados como el yute o pneumaticos

 

La economía actual sigue el esquema de tomar, fabricar, consumir y eliminar, Lo cual implica una perdida significatva de recursos y genera una gran dependencia de las materias primas.

 Si nada cambia y no actuamos se agotaran todas las fuentes de suministro tarde o temprano. Algunas predicciones apuntan a que en el siglo XXI el crecimiento de la población llegara a 9.700 millones de personas en el 2050 asi que el aumento de consumo per capita aumentara la desigualdad social, la pobreza, la degradación del medio ambiente y el uso insostenible de los ecosistemas. Si no queremos hipotecar el futuro de las próximas generaciones tenemos que modificar nuestra forma de producir y consumir por ello y aunque ya hemos cambiado el chip, debemos pasar a la acción, diseñadores, arquitectos y empresas deben apuntarse al nuevo modelo y promover formas mas innovadoras y eficientes de producir y consumir, asi ayudaríamos a preservar los recuros, reducir el impacto ambiental de los procesos económicos, inyectar valor a los productos de desecho y ofrecer a los consumidores productos mas duraderos y innovadores, ello contribuiría al ahorro de las familias.

 

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Iglu hecho a partir de neveras recicladas, para promover el consumo de unas mas eficientes.

 

Ademas estas actividad emergente es también creadora de riqueza y empleo, EcoEmbes(la organización sin animo de lucro que se dedica a la recuperación de envases en toda España), quisiera aplicar una normativa especifica que crearía mas de 400.000 empleos en la Union Europea, 52.000 de ellos en España y como plus supondría un ahorro de 480.000 millones de euros, lo equivalente a entre el 3% y el 4% del PIB Europeo.

 

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Ricard Guixà Frutos 2017

 

La Economía circular no solo es deseable sino que, de alcanzarla constituiría uno de los mayores éxitos alcanzados por el ser humano a lo largo de su historia, os puede interesar también la Federación Española de Recuperación y Reciclaje (FERR) la principal organización de reciclaje de residuos en nuestro país.

 

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‘’Quien algo quiere algo le cuesta’’

 

La economía circular se lo merece, porque como toda transformación profunda exigiría que tanto organizaciones como ciudadanos pongan de su parte, es importante que desde el momento de la fabricación, los productos o materias primas sean ya reutilizables, reparables, actualizables y una vez convertidos en residuos sean reciclables.

La industria tendrá que minimizar las sustancias nocivas de los materiales para reducir su impacto sobre la salud y el medio ambiente. La industria textil y farmacéutica debe informar a los consumidores de forma clara y transparente sobre las características de lo que nos llevamos a casa: si es reparable o no, donde encontrar piezas de recambio etc etc… con estos datos los ciudadanos seremos conscientes de las consecuencias de sus elecciones y impulsaremos el avanza hacia una economía circular.

 

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Tinte natural sobre seda de Ana Couderc a partir de cochinilla, granada etc..

 

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https://www.instagram.com/p/BUj263tgIvw/

En el próximo post os daré un par de consejos para que os atrevais a pintar sobre seda http://www.materialesbellasartes.com/pintura-para-tela ya que por naturaleza los artistas sufren o padecen el sindrome del aislamiento, como resultado de este individualismo a menudo se encuentran inventando la rueda, porque carecen de la destreza profesional y la informacion tecnica o contactos necesarios para avanzar en esta especialidad. ACAI Sabadell y sus intensivos de Julio proponen de la mano de la Doctora Ana Couderc mejorar y evolucionar y mantenerte al corriente de los ultimos tintes y los ya conocidos.

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Pátina con sulfuro potásico

Pátina con sulfuro potásico

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En el taller de ACAI se sabe cuando hemos usado sulfuro de potasa porque huele a huevos podridos. Aunque la ventilación sea la adecuada, es lo que tiene trabajar con este producto. Claro que a los artistas no les afecta o resisten el hedor porque es superior la expectativa de los resultados. Esos colores envejecidos sobre el pan de oro , la plata o aleaciones de acero plateado- son bellísimas, nos evocan a las betas de los minerales, al paso del tiempo, y coincidiréis conmigo en que poseen una elegancia WABI SABI .

Puede ser divertido y espontáneo, por un lado e impredecible por el otro. El sulfuro te da sorpresas…sorpresas te da la vida….
De hecho llevo investigando 10 años y os ofrezco una serie de experimentos para no perdáis el tiempo: soluciones, recetas, y las respuestas a algunas de las preguntas más frecuentes acerca del uso con el metal.
Con un poco de conocimiento también te sentirás menos intimidado, y una vez que te das cuenta de que la pátina se puede quitar, podrá sentirse libre de experimentar sin preocuparse por arruinar una pieza que ha pasado horas creando.

El sulfuro de potasio, es un colorante químico utilizado para poner una pátina sobre el metal. Se presenta en forma líquida o sólida.

El líquido se puede utilizar directamente de la botella. El sólido se llama “LOS” y se vende generalmente en pequeños trozos, que se mezclan con el agua según sea necesario. El que viene en formato líquido tiene una vida útil de 2 meses, si tienes suerte.
Por esta razón, prefiero comprar el sólido y hacer mi propia solución, mezclando sólo lo puedo usar en una sola sesión.
Yo lo guardo en un recipiente opaco y hermético, y marco el frasco con mucha claridad, deben ser almacenados en un lugar seco, oscuro, porque el aire o la luz lo va a debilitar.

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Hígado de Azufre (sulfato de potasio)

Materiales:

-Azufre (sulfuro de potasio)

-Agua (destilada)

-Bicarbonato sódico

-Jabón

-Un trapo o papel de cocina.

-Guantes y delantal de plástico.

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Receta

Cazuela vieja o recipiente de cristal, para ver la ebullición.

Cuchara de plástico para mezclar.

Un pedazo de hígado de azufre sólido de mas o menos un centímetro.

Pote de vidrio o plástico hermético.

Para mezclar tu propia solución, poner la masa en un recipiente con agua caliente a unos 70 grados y revuelva.

El color de la solución debe ser de un color amarillo muy pálido.

En esta concentración, tendrá un mayor control sobre los resultados.

Una solución demasiado fuerte puede provocar una reacción del metal tan rápida que es posible que no pueda controlarla.

Otra posibilidad que acelera los tonos negros es mezclar en una cazuela –sólo destinada a este uso de potingues químicos – agua con un poco de Azufre, a temperatura de ebullición. Para acelerar la coloración se puede:

-Usar mas o menos calor

-Mas o menos concentración de sulfuro de potasa.

Investiga a priori con objetos pequeños o chapas de diversas aleaciones y anota el proceso y resultados. Las imágenes del móvil serán tu mejor aliado para reproducir y controlar resultados y coloraciones.

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Detalles de ejecución

“LOS” indiscriminadamente afectará a todos los metales. Por eso se requiere mucho cuidado con los elementos usados con estos químicos ya que cualquier contacto con una joya o metal que no sea deseado, le provocará una pátina también.

Aunque no necesites herramientas especiales o equipos, es posible que desees establecer reglas lógicas en el estudio para evitar la contaminación de otros artículos y proyectos. Una estantería no metálica (por razones obvias) para almacenaje de botes bien etiquetados con su fórmula y fecha de elaboración. Otra estantería para recipientes de plástico , -Aquí en ACAI usamos las cubetas de fotográfia mas viejas, a modo de reciclaje. Y la parte inferior los sacos y latas de polvo de hierros, de bronce, de cobre, latón etc…así como la cal en polvo, la piedra pómez o la escayola.

OJO, los productos antagónicos que NUNCA debes mezclar como el amoniaco y la lejía debes mantenerlos a una distancia prudencialmente opuesta. Recuerda LEJÍA al lavabo…amoniaco a la estantería de ácidos y corrosivos.

Hay varias maneras de trabajar, pero recuerda esto, el secreto para “controlar el proceso” es la temperatura a la que se trabaja, junto con la concentración de la solución. Como se dije antes, la solución debe ser de color amarillo pálido para un mejor control. La temperatura afecta la rapidez con que los colores se “desarrollan” Cuanto más caliente se trabaja, más rápidamente que los colores se moverá del claro al oscuro. El proceso es más o menos de la siguiente manera: oro, rosa, magenta, azul, púrpura, gris bronce y negro.

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El sulfato está activo siempre o sea apenas ponga la pieza dentro comenzará a colorearse.

Para acelerar la coloración, puede ser por calor o por concentración. Yo prefiero el calentamiento de la pieza porque me da más control.
Calentar si es necesario con soplete, hasta que esté entre tibio y caliente, y luego sumergirlo en la solución LOS.
Vamos a observar el color durante un par de segundos, luego retiras y pones en el agua fría para retardar el desarrollo. Repite esta progresión hasta llegar al color deseado.

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Recordatorio

Se pueden pintar sobre el cuadro preparado con polvo de hierro cobre , bronce u aleaciones ; piezas o esculturas, con brocha o pincel, o bien usar la técnica de inmersión (usando siempre unas pinzas y guantes, o grúas y mono innifugo….) en lugar súper mega ventilado.

 

Agente de paro: el bicarbonato sódico

Por último, enjuagar la pieza en agua jabonosa con bicarbonato de sodio diluido para eliminar cualquier residuo que pueda seguir desarrollándose. La manguera o la “Vaporeta “ son una alternativa para piezas de gran tamaño. (Nota: no frotar la pieza con una pasta de bicarbonato de soda y jabón o una mezcla espesa, porque la al ser sales abrasivas eliminará pátina.) y no lo queremos, ¿verdad?.

Body art, la danza y el cuerpo

Body art, la danza y el cuerpo

Yves Klein 28 de abril de 1928 – 6 de junio de 1962

Empezare hablando de los ‘’pinceles vivientes’’ de Klein.

De Yves Klein -el hombre que invento el color azul Klein- que en realidad era azul ultramar, o de la controversia que ha vuelto a surgir con Anish Kapoor ya que quería agenciarse para el solito ‘’el rosa mas rosa del mundo’’, vamos a centrarnos en su técnica body art porque se basa en la acción painting donde las modelos eran ‘’pinceles humanos’’. En si, esto no tiene nada de feminista pero este artista neo dadaísta aficionado a los gestos grandiloquentes y al espectáculo deleito en los convulsivos años 60 con sus happenings como por ejemplo ‘’antropometrias en la época azul’’

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Tal vez su performance más notorio tuvo lugar en marzo de 1960, en la inauguración de su exposición “Antropometrías de la Época Azul” en París. En esa ocasión Klein apareció ante el público vestido con un frac blanco, dirigiendo a tres modelos desnudas que se cubrían con una pintura azul pegajosa.

Mientras tanto, nueve músicos tocaban su Sinfonía monótona-silencio, que consistía en una sola nota interpretada durante 20 minutos, seguida por otros 20 minutos de silencio. Los cuerpos de las modelos pintadas eran impresos en un lienzo blanco, lo que Klein describió como “pinceles vivientes”.

“El genio de Klein es cada vez más evidente”, dice Catherine Wood, curadora de arte contemporáneo y performance del conocido museo londinense Tate Modern. “Ha sido tildado por algunos historiadores de arte como un charlatán o, debido al uso que hacía de modelos desnudas, como convencional y sexista, pero sus estrategias eran juguetonamente críticas y han adquirido una influencia significativa para las nuevas generaciones, Se podría decir que era un bromista crítico como Duchamp”.

Otro enfoque podría presentarnos un Klein que se mueve en torno a conceptos influenciados por la filosofía zen, que él mismo describe como “le Vide”, “the Void” en inglés (el vacío). El “le vide” de Klein es una especie de nirvana que es “mudo” o posee pocas influencias de las palabras; se trata de una zona neutral donde uno mismo está inspirado a prestar atención sólo a sus propias sensibilidades, y queda expuesto a la “realidad” como oposición de la “representación”. Klein presenta su obra en formas que son reconocidas como arte ―pinturas, un libro, una composición musical― pero se encarga de eliminar el contenido de tal forma que se pueda realizar: cuadros sin pintura, libros sin palabras, composiciones musicales sin música, permaneciendo tan sólo la cáscara, tal y como si estuviera allí el arte. De esta forma Klein intentó crear para la audiencia sus “Zonas de Sensibilidad Pictórica e Inmaterial” y evitaba representar los objetos de una forma subjetiva o artística. Klein deseaba que sus obras se representaran por la huella que habían dejado: la imagen de su ausencia.

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El trabajo de Klein tiene referencias fuertes a los contextos teóricos/arte-históricos así como a la filosofía/metafísica, y su trabajo de alguna forma ayudó a combinar todos ellos. El intento fue claro: empujó a la audiencia y al público en general a experimentar un estado donde una idea pudiera simultáneamente ser “sentida” así como “comprendida”.

Kazuo Shiraga 12 de Agosto, 1924 – 8 de Abril, 2008

Kazuo Shiraga, fue un artista japonés mayormente conocido por sus practicas de pintura performativa. Estuvo muy influenciado por el movimiento Expresionista americano. Es muy común ver comparaciones entre Kazuo y el drip de Jackson Pollock, pero Kazuo Shiraga tenia una practica que requería más texturas mejoradas y grosor general de la pieza.

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En 1955, Shiraga creó su pieza más famosa, llamada The Callenging Mud. No usó nada más que su propio cuerpo, girando y retorciéndose en un montón de barro, registrando todo el proceso para convertir su método en una variante del arte de performance.

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Las obras basadas en la performance del grupo Gutai ampliaron el informalismo y la action painting hasta transformarlos en actos rituales de agitación.

De Kazuo debemos resaltar también el concepto de pintura como experiencia ya que su cuerpo es la expresión máxima del pincel como en el caso de Klein, indaga en las posibilidades del color, la materia y el movimiento, siendo el lienzo el único limite de un arte tan vivencial

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Shigeko Kubota 2 de Agosto, 1924 – 23 de Julio, 2015

Con formación en escultura en la Universidad de Tokio y posteriormente en la New York University y en la New School of Social Research, en Nueva York. Kubota desarrolla sus primeras obras a partir de los años sesenta, que incluyen vídeos, performances y videoesculturas. Entre las performances de Kubota, se destaca “Vagina Paiting” (1965), presentada en el contexto del “Perpetual Fluxus Festival”, en la Cinemateque, Nueva York.

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Los primeros vídeos de Kubota reflexionan sobre las relaciones entre Occidente y Oriente a través de la construcción audiovisual en forma de diarios. El primero de la serie es “Europe on 1/2 inch a day” (1972), una visión muy particular de la Europa en los años setenta. Es participante activa del Movimiento Fluxus en los años sesenta, influenciada sobre todo por las ideas de Marcel Duchamp y John Cage, a los que dedica el vídeo “Marcel Duchamp y John Cage” (1972) y la videoescultura “Duchampiana: Nude Descending a Staircase” (1976).

Además, como otros videoartistas en los años setenta, se interesa por la manipulación de la imagen electrónica a través de sintetizadores como, por ejemplo, en el vídeo “Video girls and video songs for Navajo sky” (1973). En 1972 organiza junto con las artistas Charlotte Moorman, Susan Milano y Steina Vasulka, entre otras, el primer festival de vídeo femenino, en el espacio The Kitchen, en Nueva York.

La obra de Kubota es exhibida en diversos festivales y muestras internacionales, como en las ediciones sexta y octava de la documenta, en Kassel y en la Bienal de Venecia (1990).

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Carolee Schneemann 12 de Octubre, 1939

Carolee Schneemann es una artista visual estadounidense, conocida por sus discursos sobre el cuerpo, la sexualidad y de género. Su obra se caracteriza principalmente por la investigación de las tradiciones visuales, los tabúes, y el cuerpo del individuo en relación a las entidades sociales. Sus obras se han exhibido en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, y el London National Film Theatre. Schneemann ha enseñado en varias universidades, incluyendo el California Institute of the Arts, la School of the Art Institute of Chicago, la Hunter College y la Universidad Rutgers, donde fue la primer profesora de arte contratada. Además, ha publicado ampliamente, produciendo obras, tales como Cézanne, She Was a Great Painter “Cézanne, fue una gran pintora” (1976) y More than Meat Joy: Performance Works and Selected Writings “Más de carne Alegría: Obras de rendimiento y Escritos seleccionados” (1997).

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Las obras de Schneemann se han asociado con una variedad de clasificaciones de arte como Fluxus, Neo-Dada, Beat Generation, y Happening, ni mas ni menos.

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En este espacio descubriréis mucho mas arte relacionado con el cuerpo con su máxima intensidad relacionada con la experiencia de pintar con el cuerpo pero también con la experiencia participativa de grupos de personas neófitas en estas artes. El yoga, la danza y la respiración pueden ser un aliado importantísimo para expresar el abandono de las tensiones o las pasiones mas secretas. Hay quien lo llama Arterapia, atentos al próximo post.

Arterapia III

ARTERAPIA COMO HERRAMIENTA DE PEDAGOGIA III

La realidad es simultanea: las imágenes revelan que somos seres holográficos, que vivimos múltiples historias, muchas veces nos quedamos atrapados en una visión de nuestra personalidad y perdemos la riqueza de nuestra multiplicidad. De esa forma perdemos también flexibilidad, espontaneidad y creatividad.  A continuacion os mostramos unos ejemplos muy sencillos de la manipulcion del papel para transformar sus dos dimensiones en tres.iomages Desde hacer una pelota a representar la belleza en una rosa. Acai Sabadell

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Las personas que no consiguen expresar sus miedos se bloquean y con ello pierden las tres cualidades ya nombradas, en el caso de los niños que han sufrido acosos o tragedias bélicas al principio necesitan retroceder y representar la escena del pasado en la que pueden expresar sus conflictos

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El miedo distorsiona: El miedo distorsiona nuestra visión del mundo, así que las imágenes que manifiestan enfermos mentales al principio son formas aterradoras. Veo la imagen como si la hubieran metido en el fondo de un armario oscuro como si fuera ropa abandonada sale por primera vez, y esta arrugada y enmohecida. Esto hace de esa imagen que parezca maligna, diabólica o enfermiza. En realidad lo que nos parece extraño es lo que tortura al paciente. De todas formas el dar forma a una imagen y contemplarla como testigo es arterapia ya que comienza el proceso de deshacer las distorsiones con perseverancia, conseguir que salga la bestia que llevamos dentro es un principio de liberación

Os compartimos un articulo sobre pinturas hechas por enfermos mentales.  Link

Una discapacidad que provoco un don en Judith Scott

 El caso de Judith es excepcionalmente positivo porque la intención dota de facultades y es un ejercicio de superación pero sobretodo tenemos ante nosotros una artista que goza de la escultura que tiene un sentido no practico ni figurativo pero si constructivo (ha diseñado sus propias técnicas, ata, envuelve y vuelve a atar, asi sucesivamente y no concibe la obra acabada hasta que se le ocurre empezar de nuevo otro objeto que envolver.

Tener una clara intención de lo que queremos hacer incluso de una forma muy general pero muy activa, y perseverante hace que sea muy efectivo el proceso de creación escultórica ella no puede expresarse con palabras pero necesita acción y material para manifestarse por eso no dejes cerca de sus ojos un bolso o unos zapatos porque como un gusanito de seda lo integrara en su obra y nunca mas lo vas a ver. Si le preguntas ‘’quiero saber el significado de esa imagen’’ su respuesta es muy sencilla, ‘’soy yo’’ lo cual demuestra que el arte le ha servido para transfigurarse.

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La atención transforma: Actuar sobre la materia y vivir con ella disfrutar de cada hallazgo para esconderlo y rellenar su escultura, sin otra intención que envolverla, es catártico. Cuando la ropa no esta arrinconada en un armario, la vida vuelve a fluir a través de ella en atención a Judith Scott le dedicamos esta canción para que siempre sonria y reclame lo que quiera del presente.

 

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Sus obras son una extension de ella misma. Y las quiere por encima de todo.

Arterapia II

ARTERAPIA COMO HERRAMIENTA DE PEDAGOGIA II

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Textura visual obtenida a partir de la luz por descargas electricas. Una obra de Ricardo Guixà

Un arte existencial: Es un arte que parte de la conciencia pero que no es consciente de la técnica sino que trabaja de forma intuitiva, a veces empezamos sin orden ni concierto.Otras requerimos la comprension de la tecnica, para olvidarnos de ella y automatizar nuestra experiencia del arte.

Solo para que quede claro distinguiremos entre las texturas visuales y las texturas reales. Las texturas visuales se pueden obtener desde la tecnica de frotage (frotando sobre una superficie rugosa) o podemos visualizarlas a traves de la fotografia. El caso que os muestro primero es una fotografia de Ricardo Guixà, que obtiene estas texturas visuales a partir de descargas electricas, es un ejemplo de como el arte de la casualidad controlada se convierte en un efecto de energia. Por otro lado debemos diferenciar las texturas reales tal y como son, por ejemplo la corteza de un arbol, el mimbre de una silla, la rugosidad de una pared o la urdimbre de un saco de yute o rejillas de cualquier material. Vamos a experimentar sin complicaciones, de forma aleatoria y frotar sobre cualquier superficie con ceras.

Me voy a explicar, propongo experimentar la transferencia de texturas sobre folios.

Textures inorganiques (hurdimbre plastico)                                                                                                Textura Organica, hecha por la mano del hombre (hurdimbre caña)

 

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Textura real de piedra organica                                                                                                  Textura de ramitas organica

 

Se trata de levantarse de la mesa ,de circular y descubrir el entorno a través de sus texturas. Para ello necesitamos ceras de colores y utilizar el color por el color, es decir, porque si, porque me siento mas atraído por el rojo, como las fichas del parchís. Una vez tenemos recopiladas muchas texturas de las paredes, arboles, de las sillas, de tramas de mallas, de tierra. Estas las compartiremos en una mesa común y desde ese desorden o caos jugaremos con la fibra del papel rasgando o por ejemplo arrugando y pintando por encima la superficie arrugada, esa locura de texturas sin concierto será el punto de partida para la creación de imágenes o labor de creación que con frecuencia es el punto de partida del arte. No hay buen ni mal arte: Bellas Artes, decoración bonita o elegante, o decorativismo.

Proceso de rasgado

Todos esos términos hablan de un producto terminado, las imágenes, sin embargo son un idioma universal. Las experimentamos continuamente en los sueños, en la mente, cuando escuchamos música, leemos un poema, cuando nos acarician, cuando percibimos un aroma que nos evoca un recuerdo. Tenemos incluso imágenes de personas o lugares que nunca hemos visitado.

La técnica de collage será el camino que dará forma a nuestras imágenes, la superposición o separación que dejamos entre los pedazos rasgados (sensación de dolor), darán forma a una imagen personal abstracta o no, hay quien montara un circulo, otra separara mucho los pedazos insistiendo en la idea de fractura o superpondrá los papeles en función de la trama creando un patchwork de creación personal desafiando las leyes estrictas del arte figurativo. Muchas personas se bloquean al iniciar el proceso por eso es interesante desarrollar esta experiencia en grupo. O se preguntan que hare con el resultado, me lo van a criticar? Hay un montón de dibujos mas bonitos que el mío… Pero y que pasa si me gusta que el proceso de crear imágenes sea sin condicionamientos, sin prejuicios solo para expresarme; El arte tampoco exige que uno cambie su vida, será el valor que tu des a tus imágenes y el gozo que produce aprender lo que aporte algo a tu vida.

 

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Texturas reales, aqui os aporto una seleccion de algunas de las texturas reales que hemos experimentado en ACAI Sabadell a partir de procesos quimicos, como oxidos de cobre, hierro, tecnicas de drippin, con el unico objetivo de crear texturas organicas. Algunas de las texturas tienen un gramaje muy pequeño y otras un volumen considerable, como ramas pegadas, carton o trozos de madera que aportan a la obra una tendencia a la tridimensionalidad.

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Textura visual decapado sobre fotografia. Proceso analogico.

 

 

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Pieza de tela convertida en bronze. Textura real de la serie Dialogos sobre la Mujer 2016.

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Arterapia como herramienta de pedagogía.

 

-No hay barrera, cerradura ni cerrojo que pueda imponerse a la libertad de mi mente-

Virginia Wolf

 

El arterapia es una herramienta que a través de la pintura, el dibujo y la fotografía describe un viaje hacia uno mismo, hacia el autodescubrimiento y por tanto es un camino de encuentro con el alma. En la expresión artística…

Para encontrar ese camino de liberación no es preciso ser un artista consumado si bien todas las personas somos diamantes en bruto y tenemos alguna habilidad particular que podemos descubrir a través de ciertos ejercicios cultivando así nuestra riqueza creativa. En los próximos tres posts os orientare a través de técnicas matericas, de pintura y escultura. Lo menos importante será ‘’la calidad del resultado’’; puesto que lo que nos importa es la experiencia en si, ósea el proceso de autoconocimiento, de autoexpresión y llámese como se le quiera llamar la conexión con nuestro yo profundo.

Yo Ana Couderc doctora en Bellas Artes os explicare alguna experiencia hecha en la universidad de Bellas Artes de la asignatura de experimentación de segundo, pero también dibujos, manchas y esculturas de niños de 8 a 12 años.

 

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Vamos a experimentar con materiales:

El desconocimiento de las técnicas de escultura, no impide sino que constituye la esencia del proceso de creación artística este tipo de conocimiento no intelectual nos lleva a la creación a través de la emoción y del cuerpo, el ejercicio siguiente parte de un cubo de barro, y el ejercicio según la propia personalidad de cada persona es llegar a encontrarse a gusto con los misterios y la manipulación mediante el cambio.

Es decir que nos gustaría transformar este cubo de barro de 12×12 cm por ejemplo (es abarcable con las manos), en otra cosa.

 

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Creamos una atmosfera en la mesa de confianza en el proceso, propongo objetos para su manipulación, desde cuerdas, trozos de madera, cucharas, la suela de un zapato, mallas de la cebolla y damos a entender que todo es posible, estrujar, cortar, extraer o añadir (técnica de adición). El proceso de creación nos arrastra libres del pensamiento o del juicio consciente y uno mismo se centra en motivos y sentimientos misteriosos como el dolor, la rabia, la desesperación, el anhelo, la esperanza o el miedo. Las tensiones personales o crisis familiares se trasladan al objeto. El dejar huella y saber que se puede seguir cambiando y modelar de nuevo nos libera de todo compromiso el resultado no lo valoraremos según criterios estéticos sino como imagen mental (realidad interior).

De forma muy similar podemos experimentar con un cubo de gomaespuma de colchón (12x12cm). Algunas personas que sentían que su vida era marginal o incomoda tras experiencias como estas que empiezan por la respiración y una música relajante han comentado que obtuvieron sensación de calma, estado muy necesario para que la vida tenga sentido así que plantéate el arte es mi forma de saber quien soy

 

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No creo que el arte cure ni que repare, lo que hace es restaurar la conexión con nuestro yo interior que siempre esta esperando ser escuchado, en los hospitales por ejemplo este ejercicio seria muy adecuado siempre que se le proporcione al paciente los mas cotidianos elementos para su manipulación pajitas de beber, esparadrapo, tijeras etc.

El proceso de utilizar materiales y luchas con sus cualidades y limitaciones inherentes es un terreno maravilloso para resolver dificultades propias.

Homenaje a las mujeres artistas 2

 HOMENAJE   A   LAS   MUJERES   ARTISTAS   II

 

 

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 Ana Couderc 2016

 

Con frequencia banalizamos el paradigma de belleza de la feminidad y nos disfrazamos para ejercer un poder magnético sobre los hombres o mujeres.

Para introducir el tema desde un punto de vista epistemologico, os invito a visitar estas paginas.

 

 

Maniqui 6

Maniqui*

Ana Couderc 2016

Me quejo y con razón del maltrato psicológico  de las empresas que nos tienen cogidas por el mango (de la sarten) si pides media jornada, no estas dando el 100% en la empresa. Si sales de una reunión porque los pechos te explotan por la lactancia, estas desatendiendo y priorizando a la familia (tema que no se contempla) personalmente nunca he tenido una baja por maternidad, aunque seguramente a mi marido se la hubieran dado 6 meses. Y aunque me invitaron desde la universidad a dedicarme a mis hijos me reclamaron a los dos años porque echaban de menos mi experiencia y mi talante. Los hombres lo tienen muy difícil, deben demostrar ser valientes, altos, atléticos, positivos, modernos y empáticos con sus jefes. Las mujeres debemos conformarnos con que se nos tenga en cuenta como un favor ya que somos el sexo débil. Y nuestro reto es volver a casa enteras para hacer una segunda jornada de trabajo. Cuando en mexico me decían las mujeres que trabajaban como directivas en Cemex con hombres a su cargo, que la mujer mexicana era 99% corazón, se referían exactamente a que ante la igualdad en el trabajo no se correspondia en casa ya que se sentían culpables por no atender al 100% a su familia. Donde esta el respeto… cómo no favorecer a la mujer trabajadora, si no atendemos a su instinto maternal.

Como artista aunque no activista, no puedo evitar en mis performance, cuadros o fotografias comunicar o expresar un sentimiento de protesta o revindicar la libertad absoluta de la mujer sobre su cuerpo y la igualdad en todos los aspectos con el hombre.

El arte puede actuar de instrumento portavoz de una generacion, de una cultura y hacer visible el lema…

Como educadora he tenido la oportunidad de educar en feminismo en todos los ambitos desde la universidad al hogar, desde moda (ESDI) a bellas artes (BBAA San Jorge) y en la asociacion ACAI. Porque hacer visible es muy eficaz y una forma directa que permite mostrar al mundo desde indignacion a compasion y revindicar esa libertad. Estas reflexiones abren puertas a la lucha y permiten procesar y razonar sobre el hecho de que en la actualidad todavia hay muchisimas mujeres alienadas por la religion, por una cultura patriarcal, machista y por el falso concepto de que la mujer es el sexo debil.

El proyecto que me ocupa actualmente es una interpretacion de los burkas como jaulas con forma humana. Un espacio vacio que presenta el vacio existencial de las mujeres en ciertas sociedades.

Para seguir el proceso de su elaboracion podeis visitar mi instagram.

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Homenaje a las mujeres artistas

Homenaje a las mujeres artistas

 

Con vértigo inicio este post para representar discriminadamente a las mujeres que han resaltado por su notoriedad en la sociedad de su momento el arte o la política. Ellas son un paradigma de eficacia y brillantez intelectual, no por eso quisiera menospreciar a todas las mujeres famosas o no, reconocidas o olvidadas anónimas, madres, o amigas. Porque ellas desde la discreción y el anonimato cuidan de nuestros mayores y crian a los niños/niñas del futuro.

 

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Remontemonos al mundo medieval de Umberto Eco, con imagineria nos transporta al tenebroso ‘’thriller’’ de la vida monacal de la edad media en un monasterio donde los monjes se dedican durante siglos a preservar la cultura y la tradición escrita. Crear pacientemente las extraordinarias ilustraciones de los códices miniados no era solo un trabajo de hombres. Aunque la novela en su mistica interpretación solo represente a la mujer como objeto de tentacion sabemos para empezar que, hasta el siglo XIII, los monasterios europeos eran complices, es decir, cobijaban —aunque en edificios separados— a monjes y monjas. Ambos sexos compartían el trabajo de los escribanos, en los talleres donde se copiaban e iluminaban los manuscritos, por los llamados emanuenses y iluminadores. La mayor parte de estos códices carecen de firma, lo que hace imposible su atribución. Pero algunos contienen sorpresas: por ejemplo, el códice de los Comentarios al Apocalipsis de Beato de Liébana que se conserva en la catedral de Gerona, es una obra maestra del género. El libro se terminó el 6 de julio de 975 en el scriptorium del monasterio de San Salvador de Tábara (Zamora), y está firmado por “Emeterio, monje y sacerdote” y “Ende, pintora (pictrix) y sierva de Dios”. Como quien dice anónimo, o tapado como un palimsesto se manifiesta el primer nombre de mujer para la historia del arte español.

 

En ese universo mayoritariamente masculino, Sofonisba Anguissola (1532-1625), que durante 13 años retrató a los miembros de la familia de Felipe II. Lavinia Fontana (1552-1614), que pintó para el Papa Clemente VIII y llegó a cobrar por sus retratos lo mismo que el gran Van Dyck. Artemisia Gentileschi (1593-1652), que ganó tanto dinero con sus espléndidos cuadros que pudo casar a sus hijas con nobles españoles, previo pago de enormes dotes. Judith Leyster (1609-1660), que alcanzó un gran éxito en Holanda. Luisa Roldán, La Roldana (1652-1704), exquisita escultora de cámara —el máximo honor de la época— de Carlos II y de Felipe V. Rosalba Carriera (1675-1757), favorita en muchos palacios e introductora de la técnica del pastel en la Francia del rococó. Angelica Kauffmann (1741-1807), que se enriqueció en Inglaterra con sus obras neoclásicas. Elisabeth Vigée-Lebrun (1755-1842), retratista preferida de María Antonieta y codiciada por la nobleza de toda Europa. Constance Charpentier (1767-1849), premiada en varios de los famosos salones parisinos de su tiempo. O Rosa Bonheur (1822-1899), famosísima en medio mundo gracias a sus cuadros de animales.

 

Casi la mitad dirige una compañía global y en total controlan alrededor de 1 billón de dólares en ingresos. No hay ninguna colombiana entre ellas.

La canciller alemana, Angela Merkel, es die nummer eins en el raking de Forbes y Hillary Clinton, ocupa el segundo lugar en este top de 2016.

Casi un tercio de estas mujeres dirige una nación o juega un papel importante en su formulación de políticas; juntas gobiernan o influyen directamente en más de 3,600 millones de personas. Casi la mitad dirige una compañía global; nueve han construido un negocio de 1,000 millones de dólares o más. En total controlan alrededor de 1 billón de dólares en ingresos.

Cuatro métricas determinan esta lista: el dinero (fortuna personal, ventas de sus compañías, PIB nacional); presencia en los medios; influencia ejercida a través de múltiples esferas, y su éxito en la realización de cambios en su organización, empresa o país.

Esta es la lista completa de las 100 mujeres más poderosas del mundo según forbes:

1 Angela Merkel
Canciller/Alemania

2 Hillary Clinton
Candidata presidencial/EU

3 Janet Yellen
Presidenta/Reserva Federal/EU

4 Melinda Gates
Copresidenta/Bill & Melinda Gates Foundation/EU

5 Mary Barra
CEO/General Motors/EU

6 Christine Lagarde
Directora gerente/FMI/Francia

7 Sheryl Sandberg
COO/Facebook/EU

8 Susan Wojcicki
CEO/YouTube/EU

9 Meg Whitman
CEO/HP/EU

10 Ana Patricia Botín
Presidenta/Banco Santander/España

11 Ginni Rometty
CEO/IBM/EU

12 Park Geun-hye
Presidenta/Corea del Sur

13 Michelle Obama
Primera dama/EU

14 Indra Nooyi
CEO/PepsiCo/EU

15 Angela Ahrendts
Senior VP/Apple/EU

16 Abigail Johnson
CEO/Fidelity Investments/EU

17 Tsai Ing-wen
Presidenta/Taiwán

18 Michelle Bachelet
Presidenta/Chile

19 Federica Mogherini
Directora de Asuntos Exteriores/Unión Europea/Italia

20 Safra Catz
Co-CEO/Oracle/EU

21 Oprah Winfrey
Empresaria/EU

22 Helen Clark
Administradora/Programa de Desarrollo de la ONU/Nueva Zelanda

23 Sotomayor, Ginsburg, Kagan
Juezas/Suprema Corte/EU

24 Marillyn Hewson
CEO/Lokheed Martin/EU

25 Arundhati Battacharya
Presidenta/Banco Central de India/India

26 Aung San Suu Kyi
Consejera estatal/Myanmar

27 Ruth Porat
CFO/Alphabet/EU

28 Anna Wintour
Directora artística/Condé Nast/EU

29 Reina Elizabeth II
Monarca/Reino Unido

30 Ho Ching
CEO/Temasek/Singapur

31 Adena Friedman
Presidenta/Nasdaq/EU

32 Irene Rosenfeld
CEO/Mondelez/EU

33 Loretta Lynch
Fiscal general/EU

34 Ursula Burns
CEO/Xerox/EU

35 Lucy Peng
CEO/Ant Financial Services Group/China

36 Sheikh Hasina Wajed
Primer ministro/Bangladesh

37 Sri Mulyani
Directora gerente/Banco Mundial/Indonesia

38 Margaret Chan
Directora general/OMS/China

39 Drew Gilpin Faust

Presidenta/Universidad de Harvard/EU

40 Chanda Kochhar
CEO/ICICI Bank/India

41 Samantha Power
Embajadora/ONU/EU

42 Pollyana Chu
CEO/Kingston Securities/Hong Kong

43 Sheikha Lubna Al Qasimi
Ministra de Cooperación internacional y Desarrollo/EAU

44 Amy Hood
CFO/Microsoft/EU

45 Beth Comstock
Vicepresidenta/GE/EU

46 Kolinda Grabar-Kitarović
Presidenta/Croacia

47 Bonnie Hammer
Presidenta/NBCUniversal Cable Entertainment/EU

48 Ertharin Cousin
Directora Ejecutiva/Programa Mundial de Alimentos de la ONU/EU

49 Laurene Powell Jobs
Filántropa/EU

50 Nicola Sturgeon
Primer ministro/Escocia/Reino Unido

51 Gina Rinehart
Empresaria-activista/Australia

52 Bidhya Devi Bhandari
Presidenta/Nepal

53 Dana Walden
Co-CEO/Fox Television Group/EU

54 Phebe Novakovic
CEO/General Dynamics/EU

55 Marissa Mayer
CEO/Yahoo!/EU

56 Elvira Nabiullina
Gobernadora/Banco de Rusia/Rusia

57 Rosalind Brewer
CEO/Sam’s Club/EU

58 Peng Liyuan
Primera dama/China

59 Nemat (Minouche) Shafik
Vicegobernadora/Banco de Inglaterra/Reino Unido

60 Mary Callahan Erdoes
CEO/Asset Management/JPMorgan/EU

61 Zhou Qunfei
Presidenta/Lens Technology/Hong Kong

62 Nguyen Thi Phuong Thao
Presidenta/Sovico Holdings/Vietnam

63 Dong Mingzhu
Presidenta/Gree Electric Appliances/China

64 Güler Sabanci
Presidenta/Sabanci Holding/Turquía

65 Lubna Olayan
CEO/Olayan Financing/Arabia Saudita

66 Susan Cameron
CEO/Reynolds American/EU

67 Donna Langley
Presidenta/Universal Pictures/Reino Unido

68 Katharine Viner
Editora en jefe/The Guardian/Reino Unido

69 Wang Feng Ying
CEO/Great Wall Motor Co./China

70 Arianna Huffington
Editora en jefe/Huffington Post/EU

71 Diane von Fustenberg
Fundadora/DVF/EU

72 Dalia Grybauskaité
Presidenta/Lituania

73 Tory Burch
Fundadora-CEO/Tory Burch/EU

74 Mary Jo White
Presidenta/SEC/EU

75 Kaci Kullman Five
Presidenta/Comité Noruego del Nobel/Noruega

76 Gwynne Shotwell
COO/SpaceX/EU

77 Kiran Mazumdar-Shaw
Presidenta/Biocon/India

78 Zanny Minton Beddoes
Editora en jefe/The Economist/Reino Unido

79 Miuccia Prada
Co-CEO/Prada/Italia

80 Folorunsho Alakija
Empresaria/Nigeria

81 Solina Chau
Cofundadora/Horizon Ventures/Hong Kong

82 Judy Faulkner
Fundadora y CEO/Epic Systems/EU

83 Ellen Johnson-Sirleaf
Presidenta/Liberia

84 Fabiola Gianotti
Directora general/CERN/Italia

85 Lynn Good
CEO/Duke Energy/EU

86 Mary Meeker
Socia/Kleiner Perkins Caufield & Byers/EU

87 Patricia Harris
CEO/Bloomberg Philantropies/EU

88 Eliza Manningham-Buller
Presidenta/Wellcome Trust/Reino Unido

89 Irina Bokova
Directora general/Unesco/Bulgaria

90 Sara Blakely
Fundadora-filántropa/Spanx/EU

91 Raja Easa Al Gurg
Directora gerente/Easa Saleh Al Gurg Group/EAU

92 Debra Cafaro
CEO/Ventas/EU

93 Shobhana Bhartia
Presidenta/HT Media/India

94 Greta Van Susteren
Presentadora/Fox News/EU

95 Heather Bresch
CEO/Mylan/EU

96 Ameenah Gurib-Fakim
Presidenta/Mauritania

97 Risa Lavizzo-Mourey
CEO/Robert Wood Johnson Foundation/EU

98 Lee Boo-jin
CEO/Hotel Shilla/Corea del Sur

99 Beth Brooke-Marciniak
Vicepresidenta global/EY/EU

100 Jenny Lee
Socia gerente/GGV Capital/Singapur

101 La doctora Ana Couderc con experiencia en la universidad de bellas artes de Barcelona y de diseño de moda, interiorismo, producto y grafico, aporta sus conocimientos también en la escuela ACAI Sabadell.

Corse oxid ana couderc